Mejores discos del 2007: Lo mejor de la década (Parte VIII)

El 2007 fue un año muy esperado por los fanáticos de la música, bandas emblemáticas y bandas que proyectaban serlo lanzaron sus respectivos discos para ese año donde sorprendieron, en la algunos casos, con el cambio de sonido. En esta lista encontraremos bandas que ya han sido nombradas en las listas pasadas pero que no dejaron de evolucionar con su música. Otra vez con una humilde opinión, aquí está la lista de los 10 mejores discos del 2007:

10. "Sky Blue Sky" de Wilco: El sexto álbum de la banda estadounidense y donde logra dar un paso adelante luego de la gran carrera de fondo que se lanzo con su "Yankee Hotel Foxtrot" del 2002, este es el mejor disco de la banda luego de esa obra maestra que hicieron cinco años atrás. "Sky Blue Sky" fue uno de los tantos 'esperados' del 2007 y en él podemos encontrar cambios asombrosos, como por ejemplo la integración de Nels Cline, el nuevo guitarrista de la banda, quien hizo que el disco gozara de muy buenos solos en la mayoría de sus canciones. Además el disco deja de lado los toques experimentales que quiso tomar en su producción antecesora, en este álbum podemos notar claramente una múcia más influenciada por The Beatles o The Beach Boys, un claro ejemplo de eso es el temew "Hate It Here". No obstante, les mostraré el que me parece uno de los mejores temas del disco...

9. "Ga Ga Ga Ga Ga" de Spoon: Ya hemos hablado de esta muy buena banda indie y este disco la rompió en el 2007. Por pura coincidencia este también resulto ser la sexta producción de estudio de la banda, mucho más rockera y mejor producida que sus discos anteriores, y aunque para muchos pueda sonar como un disco indie más del montón, este tiene un plus que lo hace diferenciarse de los demás, algo que en realidad no logro explicar en palabras y hasta me atrevería en pecar al decir que este disco es mejor que "Kill The Moonlight" (disco considerado por los fanáticos como el mejor de la banda y uno de los mejores discos del 2002). Lo que hace a este disco tan especial es su sonido tan variado, por ejemplo, el tema "You Got Yr. Cherry Bomb" tiene hasta tres versiones diferentes, una de ellas adoptando el género space rock.

8. "Strawberry Jam" de Animal Collective: Sí, otra vez Animal Collective, en verdad le estaré enormemente agradecido a esa persona tan especial que me hizo escuchar a esta banda hace ya algunos meses. Este es el séptimo lanzamiento de estudio del cuarteto electrónico/experimental y se diferencia de los anteriores álbumes por contener un prominente uso de música hecha por computadora. Este disco es considerado por muchos como una evolución para la banda, los sonidos únicos y originales que se crearon para esta producción demuestran la enorme capacidad de sus compositores. Sin embargo, este disco es más una prueba de capacidades musicales que una verdadera producción discográfica. El álbum es por momentos muy extraño y no llega al nivel de anteriores discos de la banda pero se convertiría en un estandarte que abriría el paso para una de las obras más aclamadas en el 2009. Para rematarlo, ese mismo año hubo un disco infiltrado que silenció a esta producción, uno de esos cuatro 'experimentadores de sonidos' lanzó su propia propia producción de igual o mejor nivel.

7. "Person Pitch" de Panda Bear: Tercera producción de Noah Lennox, conocido en el mundo de la música como Panda Bear, uno de los cuatro integrantes de Animal Collective. El músico experimental decidió lanzar su disco a la par con el "Strawberry Jam" y aunque el corte musical es muy similar, Panda Bear le da un toque más vivaz y alegre, los ritmos no son tan extraños como los que podríamos encontrar en el álbum de Animal, ya que este disco nos hace acordar por momentos al "Sung Tongs" por su electrónica más orientada al pop. El disco fue ampliamente reconocido por la crítica especializada, considerándolo uno de los mejores discos del 2007 y de la década.

6. "Volta" de Björk: Sexto disco de estudio de la genial cantautora islandesa, en este disco en particular y al contrario de lo que hizo Radiohead, Björk dejó de lado su continua evolución hacia corrientes más experimentales y creó un disco más amigable y simple en cierto sentido. "Volta" es un ligero paseo a la Björk de los noventas, sin dejar de lado los toques de experimentación electrónica de discos como el "Vespertine". En este disco, la cantante islandesa expande sus estilos musicales gracias a los colaboradores de Timbaland, productor de R&B y hip-hop, y Antony Hegarty, líder de Antony & The Johnsons, que le dan un toque más hiphopero y hasta innovador al trabajo final.

5. "Boxer" de The National: Reencontramos a esta muy buena banda que estuvo en pasadas listas. Particularmente en este disco no cambia mucho su sonido con respecto al "Alligator" del 2005, sin embargo, ese mismo sonido contagiante y la potente voz de Matt Berninger, muy parecida a la de Leonard Cohen, te atrapa desde el inicio. La banda tiene un toque muy fino para ser una clasificada como indie, y no es que quiera menospreciar al género pero se nota una clara maduración en la forma de hacer música por el grupo. Su apacible sonido ya se ha vuelto una marca personal de la banda, sobre todo por la voz que destaca indiscutiblemente sobre todo lo escuchado. Punto extra: Sufjan Stevens colabora en el disco tocando el piano en "Racing Like a Pro" y "Ada".

4. "Neon Bible" de Arcade Fire: Después del discazo que lanzaron el 2004, la banda canadiense vuelve a sorprender con su segundo disco de estudio e hizo más popular al indie rock de lo que ya era. Los arreglos orquestales continúan retumbando al igual que la gran cantidad de instrumentos que toman prestados para crear atmósferas musicales muy inusuales (ejemplo es el tema homónimo "Neon Bible" con su instrumentación ecléctica). Arcade toma la posta desde ahí y se transforma en una de las bandas más profesionales de la década, sus toques de experimentación, su lírica, su impecable instrumentación fueron puntos de partida y de respeto por las nuevas bandas independientes. En fin, un disco que va al igual que el "Funeral" como uno de los mejores de la década, y vale decirlo ya que hay personas que afirman y reafirman que este álbum es mejor que el primero.

3. "In Rainbows" de Radiohead:  Discazo que no decepcionó para nada, sólo que pensé que podría ser mejor que el "Kid A" por la gran cantidad de gente que me lo recomendó. "In Rainbows" fue uno de los discos más esperados del año y es, sin más ni más, un producto que ya se veía venir de manos de la banda de Oxford: Una experimentación cada vez más ecléctica. Un parámetro que la banda ya viene siguiendo desde el maravilloso "OK Computer", los sonidos electrónicos y las guitarras distorsionadas son clave en esta producción., además también hay uso importante del piano en varios temas. En resumen, el disco es muy bueno y claro que vale la pena escucharlo, Esta tan bien compuesto que engancha rápidamente, "15 Step", "Bodysnatchers", "Weird Fishes" y la épica "Jigsaw Falling into Place" son ya clásicos de la banda.

2. "Doomsday Afternoon" de Phideaux: Extraño, extrañísimo disco del multinstrumentalista Xavier Phideaux. Catalogado como Prog Rock Psicodélico Gótico sus temas no son fuertes pero tienen un ambiente oscuro y especial. Tanto los temas "Microdeath Soft Star" como "Microsoft Deathstar" (trabalenguas intencional) me parecen cruciales en cómo la música del disco es presentada y desarrollada (ambos temas son el primero y último del álbum respectivamente) Tienen esos reprises que se presentan a lo largo de los 67 minutos que dura en su totalidad esta joya escondida. 

Un disco que me encanta y fue una revelación en ese 2007, posiblemente superado por muy, pero muy poco por otro estupendo lanzamiento de aquel año.

1. "Fear Of A Blank Planet" de Porcupine Tree: La primera vez que escuche este disco no me pareció tan bueno como otros del 'árbol de puercoespín', pero como a toda buena banda, hay que darle tiempo y escucha sosegada, el resultado: ¡un discazo de la puta madre! Porcupine Tree y sobre todo su líder, Steven Wilson, crean un obra maestra progresiva de nuestro tiempo a punto de llamarlo el "Dark Side of The Moon" de la década. La letra de los temas tratan sobre los problemas de los jóvenes del siglo XXI: carácter bipolar, probleas de atención, alienación social, drogadicción, etc. y canción a canción el disco nos cuenta la historia de un niño con esta clase de problemas, encerrado en su cuarto e indiferente al mundo exterior. Creo que no exagero en decir que todos los temas son muy buenos, pero en especial hay uno que te sacude el cerebro como ningún otro. "Anesthetize", un tema de más de 17 minutos partido en tres movimientos, la atmósfera que se construye en el tema es tan misteriosa y muy bien apoyada por la percusión (sin nombrar el gran solo de guitarra que Alex Lifeson, guitarrista de Rush, presta al tema), una genial construcción musical que da resultado al mejor tema de la banda hasta el momento. Recomiendo a gritos escuchar este tema, uno de los mejores de la década, y si te da flojera soplarte 17 minutos, entonces al menos escychate el coro... "electricity, from the pills in me".

Vendesi Saggezza de Locanda Delle Fate (Letra y traducción)

He estado escuchando harto rock progresivo de Italia últimamente, un país que ha producido tanto 'progreso' que hasta tiene un género propio, el llamado "Rock Progressivo Italiano" (nótese la doble 's') tiene tantas bandas como músicos clásicos de ópera. Lo curioso es que hasta el momento he escuchado en promedio 20 discos de esas numerosas bandas y ninguno me parece malo, es más, muchos de ellos son excelentes producciones envidiables para bandas como Genesis o ELP.

En fin, puedo nombrar a agrupaciones medianamente conocidas como Premiata Forneria Marconi (o PFM), Banco del Mutuo Soccorso o Le Orme, y algunas un poco más rebuscadas como Semiramis, Quella Vecchia Locanda, Area, Rovescio Della Medaglia, Museo Rosenbach, Balletto Di Bronzo, etc. Pero una que me cautivó por sus suaves pasajes, su virtuosa instrumentación y su letra fue Locanda Delle Fate, una banda que me hizo acordar a la canadiense francófona 'Harmonium' por su delicadeza, pero que tiene su toque 'italiano' que la hace diferenciar.

Su disco "Forse le Lucciole Non Si Amano Piú" (o "Tal Vez Las Luciérnagas No Se Aman Más") del año 1977 es hermoso en su totalidad -uno de los pocos discos 10 puntos que conozco- y el tema de a continuaci+ón es Vendesi Saggezza (traducido no tan literalmente como "Se vende Sabiduría" o "Venden Sabiduría" o "Sabiduría en Venta"). Disfruten del tema y no lloren.

"Vendesi Saggezza"

Voleranno sopra i vetri,

mille volte gli occhi,

cercando spazi di là.

E il cervello a una parete

o sopra un banco a vendere,

alla fine, trascinerei.

Per rubarmi ai vuoti di memoria,

forse quello che ci va.

Basta adesso alle orge senza senso

e ai rimorsi del di qua.

Chissà se quando la corda

stringerà il mio collo,

la bocca non griderà.

Ora è entrata una farfalla

che d'amore nato sui fiori mi parlerà.

Seguo già i suoi voli trasparenti

che tra poco tradirò.

Con le mani fresche

dei miei fianchi,

reti infine getterò.

Saggezza venderei

con il peso dei discorsi

sempre uguali

e in cambio chiedo a lei

i segreti immensi

delle sue stagioni.

Perché da Alice ora non compro più

Mosaici, rose e seta

e in fondo al buio sto spiandoti,

forse verrà a svegliarla.

Volerai tra pareti e fotocellule

invisibili e segrete.

Porte ne aprirai,

prati di moquette,

fiori quasi veri

e un senso di potere.

Ma poi ti accorgerai,

che non puoi più volare.

C'è un ladro nella stanza.

Non ti ruba argento ne monete d'oro.

Ma senza far rumore

strapperà ai tuoi voli gli alibi più veri.

Non basta, dammi i fiori che non ho,

non ho più voglia di spiegare.

Tu sarai grande più di Icaro,

ti guarderai volare.

"Venden Sabiduría (y un Cerebro de Segunda Mano)"

Vuelan sobre los cristales

miles de veces los ojos

buscando espacios ahí

Y el cerebro a una pared

o encima de una banca, a vender,

al final me arrastraría

para robarme los huecos de memoria

quizá es lo que se necesita

Basta ahora de las orgias sin sentido

y los remordimientos del aquí

Quién sabe si, cuando la soga

apriete mi cuello

mi boca no gritara?

Pero ahora ha entrado una mariposa

que del amor nace de las flores y me hablará

Ya sigo sus vuelos transparentes

que en poco tiempo traicionaré

Con las manos frescas

por mis llantos

redes poco seguras arrojaré

Sabiduría vendería

con el peso de los discursos

siempre iguales

Y en cambio le pido a usted

los intensos secretos

de sus estaciones

Porque de Alicia ya no compro más

mosaicos, rosa y seda

Y al fondo de la oscuridad estoy espiándote

tal vez vaya a despertarla

Volarás entre paredes y fotocélulas

invisible y secreta

puertas nos abrirás

a praderas de alfombra

flores casi verdaderas

y un sentido de poder

Pero entonces notarás

que ya no puedes volar

Hay un ladrón en la habitación

el no te roba monedas de plata ni de oro

Pero sin hacer ruido

arrancará de tus vuelos las coartadas mas certeras

No! Ya basta! Dame las flores que no tengo,

no tengo ganas de explicar,

Serás mas grande que Ícaro,

te verás volar.

Traducción: Carlos Racchumi R.

"Highway 61 Revisited" de Bob Dylan (1965)

Empezamos este año algo retrasados pero quería hablar de uno de los mejores discos que he escuchado y que, a decir de paso, no escucho hace tiempo. Pero en fin... qué mejor que empezar el año con una obra maestra de uno de los genios más puros y poéticos de la música, un disco que revolucionó la música en ese 1965, año que en nació el rock tal y como se le conoce hoy en día. Fueron tres discos los pioneros de este cambio, "The Who Sings My Generation" de The Who,"Rubber Soul" de The Beatles (del cuál hablamos hace poco), y este, "Highway 61 Revisited" del meastro Bob Dylan. A continuación una pequeña reseña de este disco del cual nunca voy a ser lo suficiente empeñoso en mencionar lo bueno que es.

Highway 61, o historia sobre el osado que se atrevió a combinar rock y folk en los sesenta:

La obra maestra de Bob Dylan que muestra su gran cambio de la música folk al folk-rock, en este álbum Dylan usa una banda de rock como fondo para todas sus canciones, algo parecido hizo en su anterior disco "Bringing It All Back Home" donde una mitad fue folk y la otra rock, y es que el cambio comenzó desde aquel, su quinto álbum; se arriesgó pero no lo suficiente, fue en el sexto, el "Highway 61" o también llamado "Highway Blues" que intentó experimentar y arriesgarse al 100% con un género que, en esa época era la contraparte de la música folk.

Dylan participó en el festival de New Port un mes después del lanzamiento del disco con el motivo de promocionarlo, la primera mitad del concierto tocó temas folk de sus discos pasados, después del receso Dylan apareció con The Butterfield Blues Band y tocó para disgusto de muchos y agrado de algunos un concierto rock. El público abucheó la performance de Dylan y su banda y este totalmente enojado se marchó para solo volver luego a tocar un par de canciones acústicas. La causa de estas reacciones por parte del público se deben en parte a que la mayoría eran folk fans y odiaban el sonido estridente de una guitarra eléctrica o de una percusión vertiginosa, se dice también que al público no le gusto el espectáculo debido al pésimo de los amplificadores.

En fin, el álbum fue un punto de quiebre en la carrera de Bob Dylan, perdío muchos fanáticos folk pero ganó muchos fanáticos del rock, finalmente el nombre de Dylan se hizo conocido mundialmente, maravillosas canciones como "Like a Rolling Stone", Desolation Row" o "Ballad Of A Thin Man" quedaron grabadas en la historia del rock y son consideradas como las mejores canciones jamás escritas, sobre todo la primera, la mejor mezcla de folk, rock y poesía.

"Like a Rolling Stone", escuchada o al menos reconocida por millones de personas, es una canción, o mejor dicho una historia escrita originalmente en 20 páginas, la cual fue resumida en un hermoso poema cantado en 6 minutos. Esta pieza nos cuenta la historia del debacle de una mujer que lo tuvo todo y luego lo perdió, el autor en enfatiza su pérdida gritádole "How does it feel, to be on your own, with no direction home, a complete unknown, like a rolling stone". El primer verso nos explica lo que ella era y cómo fue que comenzó a decaer, en los versos siguientes Dylan destruye la imagen de la mujer mostrándonos la miseria en la que vive, sin hogar y sin nadie en quien depender, pero en el verso final se muestra una pequeña esperanza cuando dice "When you got nothing, you got nothing to lose, You're invincible now, you got no secrets to conceal", un final simplemente hermoso. Esta canción fue reconocida por la revista Rolling Stone como la mejor canción de todos los tiempos por transformar las convenciones artísticas de su tiempo.

"Ballad Of A Thin Man", con su predominante piano, habla de un hombre llamado Mr. Jones, un erudito que cree que lo sabe todo, pero en realidad no se da cuenta de lo que pasa a su alrededor, la letra dice "You know that something is happening here but you don't know what it is" mostrando así la ignorancia del hombre ante los grandes sucesos que ocurrían en su época (a mediados de los sesentas a puertas de una revolución cultural).

La canción epónima "Highway 61 Revisited" es una mezcla de temas y críticas exaltantes, habla desde la religión, pasando por las negativas del capitalismo, hasta el incesto, cantado con un ritmo muy pegajoso.

Por último "Desolation Row", considerada una de las canciones más ambiciosas de Dylan en cuanto a poética se refiere, con mas de 11 minutos de duración, tomó influencia en libros (como por ejemplo "Cenicienta" y "El Este del Edén" de John Steinbeck), pero sobre todo habla del génesis de la biblia, hablando sobre Caín y Abel, y sobre Noé. Este es el único tema del disco que no lleva una guitarra eléctrica. La canción lleva ese nombre en memoria a un linchamineto de unos negros dueños de un circo en el pueblo donde Dylan creció, fueron acusados de violación y condenados sin ser procesados, en la primera estrofa de la canción se habla de este circo. Esta canción toma como referencia a la tensión racial que se vivía en los Estados Unidos, una admirable muestra del talento de Dylan como cantautor.

Todas las canciones del álbum están maravillosamente escritas, cada una tiene cierto tipo de energía que engancha al que la oye, "Tombstone Blues" y su letra surreal y sus solos de guitarra, "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry", un Folk-Blues-Rock hermosamente construído con letras desgarradoras, "From A Buick 6", con su compás de blues que provoca bailarlo, etc. Podría nombrar a todas porque TODAS son excelentes, el álbum es expectacular en su totalidad, el mismisimo Bob Dylan dijo: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía". Esta época fue la de mayor inspiración de Dylan, y este momento seguiría varios años después con otra obra maestra, el "Blonde on Blonde", la cual compite con el "Highway 61" entre los críticos y fanáticos para ser el mejor álbum de Bob Dylan.

Lista de canciones:

1. Like a Rolling Stone – 6:13

2. Tombstone Blues – 5:58

3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry – 4:09

4. From a Buick 6 – 3:19

5. Ballad of a Thin Man – 5:58

6. Queen Jane Approximately – 5:31

7. Highway 61 Revisited – 3:30

8. Just Like Tom Thumb's Blues – 5:31

9. Desolation Row - 11:21

"Desolation Row": tal vez la mejor del disco...

"In The Aeroplane Over The Sea" de Neutral Milk Hotel (1998)

Capaz uno de los discos más infravalorados de la historia, no por ser pasado por alto por la gente que lo haya escuchado, sino por su poca difusión. Creo que si no fuera por internet, nunca lo hubiese descubierto, con un poco de investigación y relación con otros discos del género, "In The Aeroplane Over the Sea" llegó a mis manos (bueno, no físicamente porque me lo bajé), y me pareció un brutal fuera-de-época, una de esas joyas que no guarda relación con lo que hayas escuchado antes, eso fe Neutral Milk...

El disco es simplemente hermoso, por momentos sencillo y por otros muy complejo, este no deja de ser una de las pocos discos de los 90's que yo podría clasificar como obra maestra. Pocas personas lo conocen (es más solo conozco a una persona que lo ha escuchado) y estas personas que desconocen de la existencia de este disco no saben de lo que se pierden. Su sonido folkie repleto de guitarras acústicas y de un sin número de instrumentos de viento hacen que este álbum sea único musicalmente hablando.

Neutral Milk Hotel basó este, su segundo y último disco, en la vida de Anne Frank y en sí en los cientos de familias judías que murieron durante la segunda guerra mundial, canciones como "Ghost", "Holland, 1945", "Oh Comely" dan tributo a Anne Frank y su trágico destino.

Vayamos ahora con los temas, las tres partes de"King Of Carrot Flowers" compuesta en los dos primeros temas del disco, dominados por guitarras acústicas con marcados acordes, los temas son tranquilos pero la letra nos cuenta con cierta ironía una infancia caótica donde el personaje principal no se daba cuenta de sus problemas, por un lado hermosamente canta: "And this is the room one afternoon I knew I could love you / And from above you how I sank into your soul / Into that secret place where no one dares to go". Y en la siguiente estrofa: "Your mom would drink until she was no longer speaking / And dad would dream of all the different ways to die / Each one a little more than he could dare to try".

La homónima "In The Aeroplane Over The Sea" trata sobre un joven que sabe que algún día morirá y simplemente no le importa y solo quiere vivir este momento. En este tema también domina la guitarra acústica pero hay momentos donde entran trombones y tubas.

"Two-Headed Boy", una de las mejores del disco, es un tema que explora la sexualidad en tiempos de adolescencia, la voz del vocalista Jeff Mangum llega a tonos tan altos que se distorsiona (cosa que a algunos puede parecer desagradable pero a mi me resulta muy bueno). Se nota que la voz no es profesional, hasta puede ser tildada de sucia, pero eso le da el toque diferente y personal a la banda, un toque muy particular e inconfundible.

"Holland, 1945", el único single del disco, aquí ya se usa una guitarra eléctrica distorsionada, el tema es poderoso y tiene unas geniales entradas de trompetas y un gran coro. La canción se puede considerar dentro del género noise-pop, muy influenciado por My Bloody Valentine.

"Oh Comely", de ocho minutos, es una hermosa canción acústica que explora temas como la muerte , la autodestrucción y finalmente la salvación, una oda a la memoria de Anne Frank, muy simple pero bonita.

Finalmente quiero señalar que este es uno de los mejores discos de los noventas , lo escuche hace casi dos años y en su momento no pude dejar de escucharlo. Lo recomiendo mucho a los que estén interesados en la música indie, no los va a defraudar. Como dije antes, las obras maestras absolutas de la pasada decada se pueden contar con los dedos, este es uno de esos discos.

Lista de canciones:

1. The King of Carrot Flowers Pt. One – 2:00

2. The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three – 3:06

3. In the Aeroplane over the Sea – 3:22

4. Two-Headed Boy – 4:26

5. The Fool – 1:53

6. Holland, 1945 – 3:12

7. Communist Daughter – 1:57

8. Oh Comely – 8:18

9. Ghost – 4:08

10. Untitled – 2:16

11. Two Headed Boy Pt. Two – 5:13

John Lennon: La leyenda a 30 años de su muerte

A veces me pregunto si es que John Lennon estuviese vivo, ¿el mundo sería mejor?... La paz que emanaba, esa aura increíble que muchos confunden con hippismo descarado, ese hombre vestido de blanco junto a su amada e inseparable pareja, echados en esa cama igual de blanca donde hacían el amor todos los días. John Lennon, al final de sus días, era más un activista que un músico, al punto que fue investigado por el FBI por ser considerado un presunto espía soviético (para que vean que la paranoia existía en los Estados Unidos mucho antes de WikiLeaks).

Pero centrándonos más en la pregunta del comienzo, la respuesta es simple y llanamente 'NO'. Lennon pudo haber sido el Dalai Lama de occidente, pero más que un hombre de paz y amor, era un hombre de música. Ese arte que el interpretaba tan bien desde los años 50, cuando empezó a inspirarse en Elvis y The Shadows para crear un sonido diferente, radical y juvenil.

Luego llegó la beatlemanía, los increíbles tiempos de experimentación a fines de los 60 y una impecable carrera solista interrumpida violentamente el 8 de diciembre de 1980 en la puerta de su departamento de Nueva York.

Hoy Lennon es considerado un héroe musical y social de nuestro tiempo. Sin embargo, ese calificativo fue totalmente rechazado por el artista en una entrevista que realizó para la revista Rolling Stone, días antes de su muerte: "No me interesa ser una mierda de héroe muerto… olvídalo", fueron las palabras del beatle el cinco de diciembre, tres días antes. No obstante procuremos que esa frase no se cumpla, Lennon podrá ser un héroe pero nunca morirá.

* No voy a poner 'Imagine' o 'Woman' porque van a haber cientos de blogs y páginas que las van a poner, el tema que elegím es "God", un tema nada religioso que va más a la creencia de uno mismo y de su pareja.

Woody Allen, ese delgado-neurótico-judío/ateo-maestro del cine... y de la música

Hoy, 1 de diciembre del 2010, se cumplen 75 años del nacimiento de Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, director de cine, escritor, actor, dramaturgo, músico, neurótico/paranoico, pero sobre todo, un maestro que dejó plasmado su legado en cintas de 35 mm. uno de los directores más influyentes de los últimos 50 años.
Allen ha participado hasta la fecha en 60 películas, de las cuales ha dirigido 46, un número increíblemente alto, pero que es comprensible, ya que desde 1992 ha dirigido por lo menos una película por año (y, según él, lo seguirá haciendo).
Filmes muy personales que prácticamente retratan su vida y sus principales intereses: las mujeres, las relaciones, las infidelidades, la muerte, la religión judía, Manhattan, el cine, el jazz, el psicoanálisis y el sexo. Aunque también toma influencias de otros grandes maestros del cine como Ingmar Bergman, Federico Fellini y Groucho Marx.
Sin embargo, una de las tantas pasiones de Woody es la música, fanático acérrimo del jazz, es un prodigioso clarinetista que toca seguidamente en pubs y hoteles de su querida Manhattan. Ocasionalmente acude junto a su banda a festivales internacionales de jazz. Su estilo es más pegado al clásico jazz de Nueva Orleans, el dixieland de Jelly Roll Morton, que luego sería reivindicado por Louis Armstrong en los años 40.
A veces me pongo a pensar que tremenda agrupación pudo haber sido si Woody se hubiese dedicado a full a la música en lugar del cine. No importa, la banda es impecable y lo suyo en verdad es el séptimo arte y no el cuarto, aquí un video de una de sus tocadas:

Mejores discos del 2006: Lo mejor de la década (Parte VII)

El 2006 fue el año de reencuentros con viejas figuras de la música, desde Bob Dylan hasta Morrissey lanzaron sus respectivas producciones con notables cambios de sonido que, para bien o para mal, dieron mucho que hablar en los medios especializados y fanáticos en general. En esta lista tendremos, como de costumbre, discos menos conocidos que en las listas top que vemos comúnmente rondando en la internet y revistas de música, con el propósito de no caer en lo habitual y dar un poco más de cabida a discos que en verdad valen la pena ser escuchados. Folk, metal sinfónico, garage rock, algo de country revival y un monstruoso disco triple que devoró las cabezas de todos sus contrincantes es lo que encontraremos en la lista de mejores discos del 2006:

10. "10 000 Days" de Tool: Luego de cinco años de ausencia, Tool lanza "10 000 Days", su cuarto álbum de estudio, un trabajo que sigue la linea de su antecesor "Lateralus" y explora profundamente el mundo del metal progresivo, género en el que ya están inmersos en su totalidad gracias a este disco. Por más heavy y musicalmente superior a muchas bandas de este año, el disco no supera al "Lateralus", Temas como Rossetta Stone, Vicarius o The Pot son de los mejor del disco: fuertes guitarras y efectos sonoros que solamente Tool sabría darnos. Un álbum que igualmente debe estar en la colección de todo amante del metal.

9. "Ringleader Of The Tormentors" de Morrissey: Octavo disco de estudio del ídolo de multitudes de los ochenta, en esta producción Morrissey nos ofrece uno de los discos más rockeros y modernos que haya hecho. El mismo cantautor atribuye este hecho a la incorporación del nuevo guitarrista Jesse Tobias, un músico mucho más inclinado al rock alterntivo. La influencia, sin embargo, no cambia el estilo purista de Morrissey, su voz sigue siendo impecable y las letras de los temas son igual de poéticas como siempre, y en esta ocasión el cantante se inspira en Roma y sus atractivos, los cual es menciona con cierta frecuencia en sus letras.

8. "Black Holes & Revelations" de Muse: Esta banda ya se ha convertido en una de las comunes en estas listas, y aunque a muchos no les parezca, a mí si me gusta mucho su estilo, aunque para este, su cuarto disco de estudio, el cambio musical comienza a florecer. El disco introduce sonidos espaciales con ayuda de guitarras distorsionadas y sintetizadores. a veces parece que escuchamos un soundtrack de una película de ciencia ficción en lugar de un disco rock. No estoy diciendo que por ello el disco sea malo, pero en realidad es más bajo que las dos anteriores producciones de la agrupación. Sin embargo, la experimentación siempre sera bienvenida, para bien o para mal, este fue un paso adelante para la banda.

7. "Butcher's Ballroom" de Diablo Swing Orchestra: Esta banda sueca de avant-garde metal dio que hablar en el 2006 no solo por su trabajada música que contempla un prominente uso del cello, sino también por su típica historia. Según sus integrantes, los antepasados de estos formaron una banda a inicios del siglo XVI, y debido a su gran virtuosismo y apego a la gente, la iglesia los catalogó de traidores y devotos del diablo, la banda fue perseguida y tuvo que refugiarse por varios años, antes de ser capturados cada uno de sus miembros escribió una carta dirigida a sus descendientes 500 años después para que estos honren a la banda y prosigan con el trabajo de sus ancestros. La historia no tiene un sustento histórica pero crea un aura de misticismo a esta prodigiosa banda metalera que además combina el funk, el jazz y el rock progresivo.

6. "Stati Di Immaginazione" de Premiata Forneria Marconi (PFM): Una de las bandas más impresionantes de los setenta, perteneciente al amplio universo del rock progresivo italiano, Premiata Forneria Marconi (conocida también como PFM) tal vez sea la banda más importante de esta corriente de virtuosísimos músicos del mediterráneo. Al pasar casi desapercibida por varios años, PFM volvió con fuerza con esta, su decimocuarta producción de estudio que, a diferencia de sus otros lanzamientos, el disco se deslindaría de sus pares por ser completamente instrumental. Una oda de prodigiosa instrumentación con el genial Franco Mussida en guiitarra y Franz Di Cioccio en batería, los únicos integrantes que siguen en PFM desde su creación.

5. "Ys" de Joanna Newsom: Un disco folk con arreglos sinfónicos y una voz única e inconfundible. Joanna Newsom podría ser la Joan Baez del siglo XXI, solo que no canta canciones de protesta y en lugar de guitarra tiene un arpa, un hermoso instrumento que la acompaña a lo largo de los cinco largos temas de este disco. Y ustedes dirán: ¿sólo cinco temas?. Sí, es solo eso, pero basta y sobra para mostrar el virtuosismo de Newsom en su instrumento y en las letras de sus temas, de por sí muy maduras y nunca pecan de soberbias. El estilo de Newsom es muy personal, aunque la primera vez que la escuche me parecía Björk cantando temas de Scott Walker con cortes sinfónicos, me terminé dando cuenta que es un estilo tan único que se deslinda de todo lo antes escuchado.

4. "Amputechture" de The Mars Volta: Otra banda que ya se hace habitual en las listas top. El tercer disco de estudio del dúo Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala sigue teniendo un sonido 'crimsoniano' similar a su anterior producción "Frances The Mute", ese metal progre con toques experimentales y combinación de sonidos como el jazz, la salsa y, por supuesto, el rock duro. La gran diferencia de este disco con los dos anteriores es que las letras de las canciones ya narran temas concretos (historias o situaciones 'x') y a pesar de que la temática de las canciones no tienen relación una con la otra, estas se ven conectadas por su fuerza musical, una atmósfera que sólo Mars Volta es capaz de crear.

3. "Modern Times" de Bob Dylan: El maestro de maestros que para esa fecha nos deleitaba con innumerables bootlegs (que hasta la fecha sigue lanzando), dejó a miles boquiabiertos con este disco, una renovación musical muy inspirada en Johnny Cash. Este disco supone el final de una trilogía de discos exitosos de Dylan tras el "Time Out Of Mind" y el "Love And Theft", aunque en esta oportunidad el folk/rockero adoptaría con más fuerza géneros como el country y el rockabilly. El disco llegó a ser número uno en Estados Unidos, Dylan no había logrado esto desde 1976 con su disco "Desire", y con 65 años de edad se convirtió en el artista más longevo en alcanzar un número uno en las listas de más vendidos.

2. "Wolfmother" de Wolfmother: Aunque parezca mucho, no es Led Zeppelin, este trio australiano reivindico el hard rock setentero a su máxima expresión: poderosos riffs, solos de guitarra, percusión aplastante y una voz precisa para este tipo de música. Wolfmother lanzó temas pegajosos pero buenos, a veces los podíamos escuchar en discotecas, la música era una reinvención y un tributo a los setentas, y con ello la banda encontró lo que Jack White estaba buscando hace tiempo, la enérgia y el poder de una verdadera banda hard rock. Wolfmother hizo lo que quiso con este disco, barrió con todas las demás bandas rock del año y no tuvo nada que envidiar a nadie... excepto, tal vez, a nuestro puesto número uno.

1. "Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards" de Tom Waits: Este monstruoso disco en realidad me asustó cuando se lanzó en aquel 2006, año en que recién ingresaba a la universidad y tenía Waits como uno de los artistas más subterráneos y anti-todo de la música. Se le dio por hacer blues y música de cantina en los 70 cuando todos agarraban una guitarra eléctrica, se le dio por hacer música experimental con instrumentación ecléctica en los 80 cuando todos agarraban el sintetizador, y por último se le ocurrió hacer un maldito disco triple en la pasada década para cagarnos más el cerebro. "Orphans" y sus tres discos titulados Brawlers, Bawlers y Bastards reune temas nuevos y antiguos de Waits (para ser más precisos 24 rarezas y 30 nuevos), temas descartados u olvidados por el cantante de la voz grave, y por ello él los califica como "huérfanos". La extraña pero inteligente percusión de la que ya nos tenía acostumbrados desde su disco "Bone Machine" sigue presente, su voz sigue tan grave como siempre la hemos querido, y la música en momentos nos hace sentir vivaces y en otros nos da simplemente pavor. Un disco que te puede hacer revolver las entrañas como si fuese una montaña rusa, una obra maestra de nuestro tiempo.

Rolling Stones de vuelta al vinilo

Sólo la muerte podrá separar a la histórica banda rock por excelencia, y es que desde 1962, cuando lanzaron su primer disco, "England's Newest Hitmakers", hasta el día de hoy, no han dejado de producir música y lanzar discos por doquier.
Luego de que la discografía de John Lennon se remasterizó por el 30 aniversario de su muerte, ahora es el turno de los Rolling Stones, aunque ninguno de ellos ha muerto (y para muchas personas nunca van a morir) los fanáticos han quedado estupefactos con la noticia.
Según Universal Music, este 23 de noviembre sale al mercado dos box-sets que contienen gran parte de la discografía de la banda, el dato curioso es que estos discos no están en formato digital, sino en el clásico y nostálgico formato de vinilo.
El primero "The Rolling Stones 1964-1969 Vinyl Box Set" incluye discos de la primera etapa de su carrera, donde comenzaron a tocar blues y experimentaron con el rock gracias al ex líder de la banda, Brian Jones. La caja contiene en total 13 discos: The Rolling Stones (EP), The Rolling Stones (LP), Five by Five (EP), The Rolling Stones N° 2, Out Of Our Heads, Aftermath, Big Hits (High Tide and Green Grass), Between the Buttons, Their Satanic Majesties Request (¡discazo!), Beggars Banquet (¡mejor que el anterior¡), Through the Past, Darkly (Big Hits, Vol. 2), Let It Bleed (mejor me quedo callado... ¡discazo!) y Metamorphosis.
La segunda caja titulada "The Rolling Stones 1975-2000 Vinyl Box Set" recoge el resto de su amplia discografía, esta comprende la etapa sin Brian Jones y del protagonismo de Mick Jagger, donde hubo grandes discos pero también grandes bajones. El box set contiene 14 vinilos, los cuales son: Sticky Fingers, Goats Head Soup, It’s Only Rock and Roll, Black And Blue, Some Girls, Emotional Rescue, Tattoo You, Undercover, Dirty Work, Steel Wheels, Voodoo Lounge, Bridges To Babylon, A Bigger Bang y Exile On Main Street (los últimos cuatro son discos dobles).

Los fanáticos coleccionistas tendrán que ahorrar para poder escuchar a los Stones en su formato mono original, y es que, a decir verdad,  lo clásico suena mucho mejor.

"Rubber Soul" de The Beatles (1965)

Con una marcada influencia de la música de Bob Dylan y The Byrds, el cuarteto de Liverpool lanzaría éste, su sexto álbum de estudio, a fines del 65 con un sonido mucho más elaborado que el original efectuado en sus primeros discos. Una producción musical muy importante en la historia de la música rock.

Las innovaciones que presenta el disco hacen que éste sea el primer quiebre musical de los Beatles en cuanto a la producción de sus canciones. Se nota claramente la diferencia entre éste álbum y sus predecesores, las letras de las canciones, principalmente creadas por Lennon y McCartney, ya no son temas románticos y anticuados, esta vez se centran más en el abandono, la soledad y la critica a la mujer (sin llegar al sexismo, claro). Harrison, por su parte, innovó en la instrumentación de las canciones, utilizando por ejemplo la sitara en "Norwegian Wood". Ringo Starr también utilizó otros instrumentos como maracas o la pandereta. "Drive My Car" usa unas progresiones jazzisticas empleadas por McCartney, que a su vez canta con voz ronca, muy característica de él. Aunque pueda decirse que no hay mucha diferencia entre este tema en relacion con los de otros discos, ya que siguen con la influencia musical de las bandas de rock and roll, éste sigue siendo un muy buen tema del cuarteto con un excelente coro. "Norwegian Wood" hermosos tema acústico acompañado por una sitara tocada por George Harrison, conformando un innolvidable riff. Éste fue el primer tema de los tantos que usarían los Beatles en compañia de instrumentos orientales. En este tema se nota los nuevos horizontes a los que apuntaba la banda que se verían en su totalidad en sus consiguientes álbumes.

"Nowhere Man", de la cual se puede decir que es el primer tema de reacción de los Beatles. La letra nos habla de un hombre que no tiene voz ni voto y se sume en la nada. La voz armónica de Lennon (que en el comienzo canta a capella), los suaves acordes de guitarra de Harrison y los coros de McCartney, sostienen a la cancióncomo una de las mejores producidas del disco.

"What Goes On" con una marcada influencia folk-rock, se puede apreciar la huella que The Byrds dejó en la banda. Y no hay que olvidar cómo Harrison mejoró con su gran solo de guitarra en este tema (y digo 'gran' porque antes de Hendrix eso era un solo maravilloso, aunque ahora se considere algo simple).

"In My Life", que cuenta con George Martin en el órgano (a mi parecer el quinto beatle) que, a decir verdad, lo toca con gran virtuosismo. Esta es una de las mejores composiciones de éste disco, o mejor dicho de la banda en general. En su letra, cantada con nostalgia, Lennon y McCartney recuerdan su niñez en su natal Liverpool y cómo sus vidas han cambiado. Ésta se puede resumir en las primeras lineas del tema: “There are places I remember, all my life though some have changed / Some forever not for better, some have gone and some remain”

Concluyo diciendo que éste es uno de los discos más importantes en la historia del rock, y que (a mi parecer) junto con el "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "My Generation" de The Who (todos de 1965), fueron los tres pilares del rock moderno tal y como lo conocemos ahora. Los dotes de experimentación y el perfeccionismo en la instrumentación que muestra el "Rubber Soul" eran totalmente innovadores en su época. Pronto estas innovaciones serían ampliadas en su siguientes álbumes: el genial "Revolver", y el perfecto "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", los cuales veremos de seguro más adelante.

Lista de canciones:

1. Drive My Car - 2:30

2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - 2:05

3. You Won't See Me - 3:22

4. Nowhere Man - 2:44

5. Think For Yourself - 2:18

6. The Word - 2:41

7. Michelle - 2:40

8. What Goes On - 2:50

9. Girl - 2:33

10. I'm Looking Through You - 2:27

11. In My Life - 2:28

12. Wait - 2:16

13. If I Needed Someone - 2:23

14. Run For Your Life - 2:18

Smashing Pumpkins en Lima: Las calabazas vienen a nuestra casa

Cuando escuche la noticia que los Pumpkins venían casi me voy en pedo: ¡Estaré en primera fila! - me dije a mi mismo. Que una banda de este calibre venga era uno de mis sueños en cuanto a bandas noventeras (ahora sólo falta Radiohead y Pearl Jam), pero en realidad Smashing Pumpkins para mí representa casi todos los recuerdos de cuando estaba en secundaria y el cómo la escuche por primera vez es una de las historias más inverosímiles que me han podido suceder, y por el hecho de ser una historia algo larga le dedicaré un post muy pronto, y es que precisamente este post está dedicado al que para mí es el mejor disco de la banda y al que espero le dediquen más protagonismo este 25 de noviembre. Aunque el único integrante original de la banda que viene es Billy Corgan, para mí ya está pagadísimo, Corgan 'ES' Smashing Pumpkins, los demás pueden ir y venir, pero el genio de la pelada rockera es el único que importa ¡Los Pumpkins vienen señores, y no hay que perdérselo!

Mellon Collie & The Infinite Sadness

La primera vez que escuche este disco me dije a mi mismo: "¡¿Donde demonios ha estado este álbum para no haberlo escuchado antes?!". Y es que fue una de las mejores cosas que hubiese podido ecuchar, me abrió los ojos hacia tantos otros tipos de música, y es sin duda uno de esos discos que cambió mi vida (tal vez sea el que más la cambió).

Los Pumpkins rozan la perfección debido a la extensa mezcla de influencias que tiene el disco, nunca antes había escuchado una producción que abarque tantos estilos musicales (tal vez sea por el hecho de ser doble), llega a los extremos del heavy metal -en el caso de canciones como "Zero" o "X.Y.U."-, el soft rock -"Thirty-Three" o "By Starlight"-, electronica -"Love" o "1979", etc.

Después de una gira de más de un año promocionando su anterior disco, el "Siamese Dream", Billy Corgan y compañía habían opacado sus conflictos y por fin congeniaban gratamente; la grabación para un nuevo disco era apta.

Las primeras grabaciones se hicieron en un estudio de ensayo y no en un estudio discográfico, de allí salieron más de 50 canciones, las cuales un 90% fueron escritas por Billy y tan solo 28 fueron elegidas para ser puestas en el disco doble, que finalmente tendría una duración de dos horas. Todos los temas fueron tocados con guitarras y bajo entonados con medio tono menos, lo cual según Corgan le daba un sonido más fuerte a todas las grabaciones.

Corgann quería que este sea un álbum conceptual y se propuso en llamarlo el "The Wall para la generación X", el disco finalmente no llegó a ser considerado como un álbum concepto, pero aún así está repleto de temas excelentes y muy bien trabajados que demuestran la gran ambición de la banda. Hacer un disco doble requiere mucha inspiración y agallas porque, a fin de cuentas, la banda depende en su totalidad del éxito del disco debido al gran presupuesto que se requiere para hacerlo (ya han habido muchas bandas que se han roto debido al fracaso de una megaproducción).
Entre los mejores temas tenemos a "Tonight, Tonight", que viene después de la introducción de piano de la epónima "Mellon Collie...", el tema fue grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Chicago y se tocaron hasta 30 guitarras acústcas para darle el sonido que el perfeccionista de Corgan deseaba. EL tema es característico por sus arreglos de violines y violas y por su hermosa letra.
"Bullet With Butterfly Wings" es el primer single del disco y una de las canciones más enérgicas del álbum, con un estupendo solo de guitarra y con su apocalíptica letra de que "el mundo es un vampiro enviado a succionar", es una demostración de cómo la visión de los Pumpkins cambia en su totalidad dejando la tan odiada clasificación (por ellos) de banda grunge-alternativa para convertirse en una banda madura que se adhiere a todos y a ningún género.

"1979", tal vez la más famosa de todas debido a su hermosa letra y sonido que mezcla sintetizadores y guitarras en perfecta armonía. Una de las canciones más bellas que se hayan hecho, Corgan y compañía recuerdan con nostalgia los tiempos de adolescencia e invita a los oyentes a participar en dichos recuerdos. Un claro ejemplo de esas canciones que nos llevan a lugares que rememoramos con melancolía.

Canciones como "Zero", "X.Y.U." o "Bodies" representan la clara influencia del metal en la banda, canciones bien fuertes con grandes performances en la guitarra y sobre todo en la batería por Jimmy Chamberlin.

Por otro lado canciones como "Galapogos", "To Forgive" o "Thirty Three" son bellas melodías muy calmadas y pasivas con grandes letras y arreglos musicales precisos, si nos ponemos a escuchar estas canciones con tranquilidad podemos ver lo bien trabajadas que están (todo esto gracias al incansable perfeccionismo de Corgan).

"Muzzle", "Here Is No Why" o "Beautiful" están entre ambos extremos, estas canciones a mi parecer son las más puras del genero Smashing post Siamese Dream (y pre Adore). Son canciones más noventeras y muy propia de la banda, aquí la genialidad de Billy con el virtuosismo de Chamberlin y el buen acompañamiento de D'arcy y James Iha hacen que estás canciones sean las más personales de la banda así como las más apreciadas por ellos mismos.

Por último pero no menos importante los temas "Porcelina of The Vast Oceans" y "Thru The Eyes Of Ruby" recalcan la influencia del rock progresivo, la primera con un crescendo hasta llegar a la explosión y grandes quiebres para abrir los estribillos; la segunda que, al igual que el tema "Soma" de su anterior álbum, fue doblada con al menos 50 arreglos de guitarra, un tema complejísimo, pero sin dudas maravilloso.

Antes del punto final quiero señalar que este disco es considerado para mi como el mejor álbum de los 90's, (tal vez su competencia más directa sea el "O.K. Computer" de Radiohead, pero aún así creo que pierde por una amplia brecha), el trabajo de la banda es impecable y la gran variedad de estilos que se pueden descubrir en el disco en inimaginable. Uno de los discos más ambiciosos que hayan hecho, un fuera de época que demuestra la genialidad de sus integrantes. Esperemos que el próximo 25 de noviembre Billy nos sorprenda de igual manera.

Lista de canciones:
CD 1 ("Dawn to Dusk"):
1. Mellon Collie and the Infinite Sadness – 2:52
2. Tonight, Tonight – 4:14
3. Jellybelly – 3:01
4. Zero – 2:41
5. Here Is No Why – 3:45
6. Bullet with Butterfly Wings – 4:18
7. To Forgive – 4:17
8. Fuck You (An Ode to No One) – 4:51
9. Love – 4:21
10. Cupid de Locke – 2:50
11. Galapogos – 4:47
12. Muzzle – 3:44
13. Porcelina of the Vast Oceans – 9:21
14. Take Me Down – 2:52


CD 2 ("Twilight to Starlight"):
1. Where Boys Fear to Tread – 4:22
2. Bodies – 4:12
3. Thirty-Three – 4:10
4. In the Arms of Sleep – 4:12
5. 1979 – 4:25
6. Tales of a Scorched Earth – 3:46
7. Thru the Eyes of Ruby – 7:38
8. Stumbleine – 2:54
9. X.Y.U. – 7:07
10. We Only Come Out at Night – 4:05
11. Beautiful – 4:18
12. Lily (My One and Only) – 3:31
13. By Starlight – 4:48
14. Farewell and Goodnight – 4:22


"Tonight, Tonight" tocada en 1996, la primera canción que escuché de la banda.

Concierto en Monterrey, México. Así de cerca quisiera estar, miren el calor de la gente, simplemente increíble.