jueves, 31 de enero de 2013

20 discos del 2012 que debes descargar

¿Por qué veinte? Bueno, el pasado año ha sido tan bueno en lanzamientos discográficos que me pareció muy poco poner diez y una miseria poner tan solo cinco. 

Como esta no es una lista de "lo mejor del 2012" (aunque si tuviera que hacer un top 10, tendría que elegir sobre todo el contenido de esta lista), lo que haré simplemente es poner a las veinte bandas con sus veinte discos en orden alfabético. A ver si los escuchamos todos y opinamos sobre cuál es el mejor.

- Anglagard - Viljans Oga: 18 años después de su disco "Epilog" y exactamente 20 años después de la obra maestra del "Hybris", este grupo sueco nos muestra un cachetazo consciente, un trabajo más pro y maduro con flautas traversas y vientos por doquier rebosando de virtuosidad. Sin duda, uno de los lanzamientos más esperados y queridos del 2012.

- Beach House - Bloom: Indie/hipster lo que quieras, pero son muy buenos, tal vez este trabajo no supera al "Teen Dream" del 2010, pero aun así esto demuestra que el dream pop está en su etapa de resurgimiento y gran parte debido a esta banda.

- Big Big Train - England Electric (Part One): DIS-CA-ZO con todas sus sílabas y letras. David Longdon (vocalista) le ha dado un aire increíblemente superior a esta banda, su voz 'genesiesca' me hace acordar mucho a Gabriel y Collins ¡a la vez!. Esos altos y bajos tan prominentes y un Nick D'Virgilio (batería) y  Dave Gregory (guitarra) a tope. No puedo desear nada más... ¡Descárgatelo he dicho!

- Bob Dylan - Tempest: Okay okay, no es el mejor disco de Dylan de los últimos años y mucho menos tiene la mejor portada que haya visto en mi vida, pero está en esta lista por una razón: El tema Tempest, de una duración de 14 minutos con decenas de referencias a la cultura pop. De todas maneras vale la pena.

- Diablo Swing Orchestra - Pandora's Piñata: Locura, insanía, demencia y todos los sinónimos posibles. Esta banda es genial y muero por verlos en vivo alguna vez. Pandora's Piñata tiene temas tan diversos que van desde el swing metal degenerado hasta cánticos sinfónicos donde podemos apreciar las bellas pero desgarradoras voces de Daniel Hakansson y Annlouice Loegdlund. También ¡bájatelo ya!

- Esperanza Spalding - Radio Music Society: Mingus reencarnó con tetas. Esperanza Spalding ha estado junto a su bajo ya por varios años haciendo desde el jazz más convencional pasando por soul, R&B, gospel y hasta swing, Tal vez no sea el virtuoso experimental que fue Mingus, pero tiene algo que el monstruo jazzistico no tenía... voz. Esperanza, su bajo y su voz forman un trío sin igual, una de esas conjugaciones que no se ven seguido en estos tiempos... ah sí, aprovechen a escuchar que viene este año a Perú.

- Fiona Apple - The Iddler Wheel (...): Si tenemos suerte Fiona lanzará otro disco de acá a unos cinco años. Con muchísima suerte lanzará uno de igual calidad que este. El título del álbum es tan largo y complicado como los temas que lleva dentro. Alternativo y jazzy tal vez, pero sobre todo introspectivo, letras que rozan la intrincancia de una Joanna Newsom pero con más actitud y poder. Experimental también, aunque es algo a lo que ya nos estaba acostumbrando hace muchos años. ¡¿Fiona, por qué tu gato se enfermó?!

- The Flower Kings - Banks Of Eden: Una banda de peso aunque mucho no la conozcan. The Flower Kings impulsaron el progresivo en los 90's y ahora son lo que son unos héroes malditos. En este disco conservan en gran parte su sonido original, solo que esta vez tienen un aderezo psicodélico y oscuro. Lo que me encanta del disco es la forma en la que fue grabado: Todo el grupo tocando en una misma habitación y con equipo de grabación analógico... ¿alguién dijo 70's?

- Godspeed You! Black Emperor - Allelujah! Don't Bend! Ascend!: ¡Ya era hora pues! 10 años sin GYBE han sido duros, yo lo sé, la banda más anticomercial hoy por hoy con sus temas larguísimos, post rockeros intrumentales que crean atmósferas musicales inconcebibles se reunió en el 2010 y después de dos años lanzó este trabajo muy concreto, profundo y minimalista. Escucharlo me recuerda mucho a disco pasados de la banda pero hay una vibra inexplicable en cada tema que lo hace totalmente novedoso. En verdad no sé qué mierda es, solo sé que es GYBE.

- Grizzly Bear - Shields: El indie folk me parece buenísimo, pero si The Fleet Foxes son los dioses, Grizzly Bear deben ser los reyes... o algo así. "Shields" mas bien parece un injerto con partes indie, folk, experimental, psicodélico, y sonidos que aún no llego a diferenciar. De todas maneras el disco más ambiciosa de la banda.

- Ian Anderson (Jethro Tull) - Thick As A Brick 2: La sorpresa que me llevé a inicios del 2012 cuando me enteré que Ian Anderson (líder de Jetrho Tull) iba a lanzar una secuela de la obra maestra de 1972. No me esperaba algo mejor, eso eras imposible, pero sí algo de mejor nivel que las últimos trabajos de Anderson y Tull. El resultado fue lo que esperaba a medias, hay temas para la posteridad pero también hay unos muy aburridos, en fin. Algo que los coleccionistas y fanáticos de la banda no pueden prescindir.

- Magma - Félicité Thosz: Y yo que pensaba que con el Emenhtentt-Re ya no había que darle más vuelta a Magma. Pero la leyenda cuenta que Christian Vander logró subsistir luego de culminar la trilogía del Kohntarkosz... toda esa roca que acabo de escribir es la pura verdad. La banda y Vander, el genio, ya tienen más de 40 años tocando Zeuhl y las ideas son inacabables. Este disco en particular es tan original como sus antecesores. Otra joyita del rock de vanguardia. 

- Neil Young - Psychedelic Pill: Neil Young y Crazy Horse se reunierón luego de 8 años para dar vida a este monstruoso disco. Tan solo 9 temas en un disco doble te dice mucho: temas extensos con altos y bajos y, si es Neil Young del que hablamos, con hartos punteos de guitarras e improvisaciones. Sin duda, uno de los mejores lanzamientos del año, de lo mejor de Young en estos últimos tiempos.

- Rush - Clockwork Angels: Brutal disco. Rush hace una revisión de toda su historia musical y nos trae un trabajo alucinante. Los primeros temas parecen un metal progresivo para luego culminar con una bella balada como "The Garden" (ahora estoy pegadazo con esa canción). Un discazo y me atrvo a decir que lo mejor de Rush desde el Moving Pictures. Sí, así de bueno es. ¡Bájatelo!

- Scott Walker - Bish Bosch: Walker es el tipo de músico al que le pones play y te sientas a escuchar sin que nadie te joda. Odiado y amado por lo que hace y se atreve a hacer con la música, la ultraja, la golpea, la usa y la escupe antes de dejarla en paz. Walker simplemente hace algo diferente, a veces es molesto escucharlo y puede hacerte sentir extraño. Otra veces sorprenderte y abrir un mundo musical que antes no conocías. En fin, es como lo que Michael Haneke hace con el cine, un equivalente justo.

- Sigur Rós - Valtari: Más post-rock. Es costumbre mía poner discos de Sigur Rós en este tipo de listas y cada vez su música evoluciona sin dejar de ser percibida como propia de la banda. Esta vez la agrupación ha apostado por el ambient, con sonidos más electrónicos pero que no llegan a desvirtuar el inconfundible sonido de Sigur Rós.

- Smashing Pumpkins - Oceania: Parte del proyecto de 44 temas "Teargarden of Kaleidyscope", Oceania es un trabajo más pulido de Billy Corgan y compañía, guitarras por doquier y una gran batería nos hace acordar a mejores tiempos de la banda... suspiro. Sin embargo este disco no es noventas, es un Smashing del siglo 21, más maduro pero con menos ideas.

- Squackett - A Life Within A Day: Un dúo perfecto, como los que deben existir, bajista y guitarrista unidos por la subsistencia del.. ¿progre?. Y sí, Chris Squire (Yes) + Steve Hackett (Genesis) = Squackett. Temas geniales en este gran disco colaborativo que nos llevan a los tiempos en que el rock progresivo era amo y señor del universo. Imperdonable su no-descarga.

- Storm Corrosion - Storm Corrosion: Otro disco colaborativo, esta vez con artistas más actuales que se perfilan a ser leyendas del rock. Y hacemos la ecuación otra vez: Steven Wilson (Porcupine Tree) + Mikael Akerfeldt (Opeth) = Storm Corrosion. Esta colaboración ya era conocida desde el tiempo en que Wilson participó activamente en el disco "Blackwater Park" de Opeth, y desde ese momento ambos músicos han estado envueltos en proyectos hasta dar a luz esté experimento progresivo experimental. 

- Swans - The Seer: Para variar un poco, vamos a terminar la lista con un disco de música experimental ¿les parece? Esta banda minimalista que se había escondido de mis planes de descarga urgente por varios años me sorprendió mucho con este nuevo lanzamiento. No solo porque hay colaboradores de bandas como Yeah Yeah Yeahs o Low en los temas que contiene, sino por la forma cruda y violenta en que los temas están compuestos. Muy recomendable.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Never Comes the Day de The Moody Blues

Después de tiempo posteo algo, pero no se preocupen que pienso hacerlo más seguido desde el próximo año, lo prometo.
Esta vez les presento un tema de 1969 tocado por una de las bandas del rock proto sinfónico/melódico/progresivo; mejor dicho, una de las bandas históricas de la historia de la música.
The Moody Blues puede parecer anticuada para algunas personas, pero tiene un toque exquisito y muy diferente a las bandas contemporáneas alrededor de finales de los sesentas, me refiero a ese toque armónico y de balada que puede llegar a ser indescriptíble con palabras, en fin, creo que al escuchar el siguiente tema me darán la razón y querrán escuchar más de esta genial banda.


Bájate el disco: Threshold of a Dream (1969)

sábado, 25 de agosto de 2012

Frank Zappa & The Mothers Of Invention - Freak Out (1966)



Primer disco de la extensísima discografía de Frank Zappa junto a The Mothers Of Invention, lanzado originalmente como doble LP, esta ópera prima es considerada como uno de los discos más vanguardistas de todos los tiempos debido a su compleja musicalización y originalidad, pero también por ser uno de los primeros discos conceptuales producidos hasta la época.
The Mothers, originalmente llamada The Soul Giants, era una banda de chicos blancos que tocaban covers de música blues. Frank Zappa entró a mediados de 1965 en reemplazo del guitarrista principal y su presencia cambió radicalmente a la banda, desde el nombre hasta la propuesta musical (que llegó a ser la más ambiciosa de la época).
El género y estilo musical de The Mothers of Invention fue él más diferenciado y sobresaliente de finales de los sesentas, cuando la psicodelia empezaba a golpear fuertemente, la genialidad de Zappa brotó, no yendo en contra de la psicodelia sino, llevándola a su lado más oscuro y extremo. Sus métodos: una bizarra mezcla de sonidos instrumentales y vocales que jamás antes se habían hecho. Más que definirla simplemente como rock experimental, califico a este género como un tipo psicodelia vanguardista.
El concepto del álbum nos narra la perspectiva de la banda hacia la cultura pop norteamericana de modo satírico e irónico, mostrando así sus vicios, faltas y atrocidades, pero sin olvidar su lado positivo. Ejemplo de esto está el tema "Trouble Every Day", uno de los temas más rockeros del disco, que nos narra los problemas raciales y de violencia, y cómo los medios explotan esta información de manera negativa.
La compleja "You Didn't Try To Call Me", que a pesar de ser un tema pop, hace sobresalir el talento de Zappa en cuanto a composición musical se refiere. Dividida en pequeñas secciones que no se repiten creadas por arreglos al detalle y una extensa instrumentación, que incluye trompas, tubas y flautas.
"Anyway The Wind Blows" escrita por Zappa en 1963, fue originalmente un canción romántica influenciada por músicos de los años 50. El demo de esta canción fue rechazado por varias disqueras y tres años después pudo ver la luz en este disco, solo que con varios arreglos y efectos incorporados.
"Hungry Freaks, Daddy" con su entrada de bajo y sus buenos solos de guitarra nos cuanta la historia de Mister America, quien intenta protegerse de la enferma generación joven que infesta a su país con sus nuevas ideologías. Claramente un llamado de atención a las personas que ven a las nuevas generaciones con disgusto, pero sin perder la sátira característica de Zappa.
Y por último pero no menos importante, tengo que resaltar el tema de doce minutos "The Return Of The Son Of Monster Magnet", tal vez la más ambiciosa del disco, un collage de sonidos subtitulado "Unfinished Ballet in Two Tableaux: I. Ritual Dance of the Child-Killer; II. Nullis Pretii (No Commercial Potential)". La canción abre con un diálogo entre Suzy Creamcheese (personaje imaginario) y la voz de su conciencia preguntándole qué es lo que le ha pasado ("What's got into you?"). El tema fue grabado como una improvisación en un estudio donde Zappa juntó, además de los instrumentos básicos, un piano, vientos y, sobre todo, sonidos vocales con efectos de velocidad o sonidos sobrepuestos para finalizar con voces en velocidad aumentada repitiendo la palabra "creamcheese". El tema nunca se pudo terminar y fue lanzado incompleto. El objetivo del extenso tema fue dar la impresión de que habían locos sueltos en el estudio de grabación, aunque la misión no fue del todo cumplida, el tema fue alabado por músicos de vanguardia. Ante la desilución de Zappa de no poder culminarla, hizo al año siguiente un trabajo parecido pero más complejo en el álbum "Lumpy Gravy".
Cabe resaltar finalmente que éste disco es uno de los más vanguardistas de la historia, y lo seguirá siendo no importa lo que pase. Uno de los primeros discos dobles, uno de los primeros discos conceptuales, uno de los primeros discos de rock experimental. Pero también es destacable la influencia que tuvo... con tan solo decir que sirvió de empuje para la creación de la obra maestra de los Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Heart's Club Band" ya es suficiente.
Frank Zappa siguió con The Mothers of Invention hasta mediados de los 70's pero siguió con una prolífica carrera solista, donde produjo innumerables discos de rico material musicla, donde se mezclan los gñeneros y se experimenta con los diversos estilos musicales. Vale la pena darle algunos minutos para escuchar a este, el padre del rock experimental.




Lista de canciones:
LP 1, lado 1:
1. Hungry Freaks, Daddy – 3:32
2. I Ain't Got No Heart – 2:34
3. Who Are the Brain Police? – 3:25
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder – 3:43
5. Motherly Love – 2:50
6. How Could I Be Such a Fool? – 2:16

LP 1, lado 2:
7. Wowie Zowie – 2:55
8. You Didn't Try to Call Me – 3:21
9. Any Way the Wind Blows – 2:55
10. I'm Not Satisfied – 2:41
11. You're Probably Wondering Why I'm Here – 3:41

LP 2, lado 1:
12. Trouble Every Day – 5:53
13. Help I'm a Rock – 8:37
a. Okay To Tap Dance
b. In Memoriam, Edgar Varèse
14. It Can't Happen Here

LP 2, lado 2:
15. The Return of the Son of Monster Magnet – 12:22
a. Ritual Dance of the Child-Killer
b. Nullis Pretii (No Commercial Potential)

Descarga Rapidshare:
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domingo, 8 de julio de 2012

Modest Mouse meets Toms Waits meets Avant-Garde Jazzy tunes

Confieso que hace poco escuche el "Good News for People who Love Bad News" de Modest Mouse y no pude dejar de pensar en la increíble influencia que muchos de los temas de ese disco tienen en la música de Tom Waits y el jazz vanguardista en el que este cantante innova disco tras disco. El primer tema "Horn Intro" (de tan solo 9 segundos de duración) nos da una bienvenida a un mundo bizarro, sin embargo, hay también temas que no abandonan el estilo con el que Modest Mouse se hizo popular, que además le da al disco un toque de variedad. Pero al escuchar el tema "This Devil's Workday" creí que un tema de Waits se había infiltrado en mi iPod, pero al leer el nombre de la  banda en la pequeña pantalla de mi reproductor me llevé una grata sorpresa, he aquí el tema:

martes, 29 de mayo de 2012

Trains de Porcupine Tree, un collage de 40 artistas

De pasada en youtube encontré este genial video hace ya algunos mese, lo comparto con ustedes. 40 artistas haciendo sus respectivos covers de una de las obras más impecables de Porcupine Tree:

miércoles, 9 de mayo de 2012

60x60 = Charly García en Lima

La noticia que de la noche a la mañana salió a la luz hizo que inmediatamente emocione hasta las entrañas a los miles de miles de seguidores de genio García en toda Sudamérica. En lo que nos concierne (y hablo del publico peruano), Charly se presentará en el Jockey Club el 30 de Junio por motivo del lanzamiento de su disco "60x60" y, por consiguiente, a sus 60 años de vida que pretende celebrar a lo grande con un slogan que dice mucho: 60 años, 60 canciones en vivo. Lo que no es seguro es si tiene 60 canciones para tocar a lo largo de la gira o 60 las que tocará precisamente en Lima. Sin embargo, vale la pena soñar... cruzemos los dedos de las manos y los pies.



Precios full:
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miércoles, 14 de marzo de 2012

¡Oye Tú! (Reseña de un tema acerca de la soledad y sus respectivos tributos en el cine)

¡Oye Tú! Ahí afuera en el frío, quedándote solo, haciéndote viejo ¿puedes sentirme?



Cuando era niño jamás pensé que un músico pudiera salirse de sus casillas y no solo escribir canciones sino también crear historias narradas a través de ellas que se cuentan por episodios, tema tras tema. Roger Waters logró dar vida a este concepto que encierra The Wall, una historia de soledad, aislamiento, indiferencia y traumas de niñez que poco a poco se convierte en locura... y no creo que hay mejor tema que explique este proceso que "Hey You".
La historia de Pink -personaje principal- da un salto inesperado que se logra explicar en este tema. "Hey You" es el primer tema del segundo disco del álbum y, por lo tanto, es el primer tema que se canta una vez que Pink ha logrado contruír el muro en su totalidad.
Dentro del muro Pink se ha aislado completamente del mundo real y la sociedad y se da cuenta del grave error que ha cometido, este intenta retomar el contacto con el mundo externo pero no puede ver, oír o sentir qué es lo que sucede fuera del muro. Los inútiles esfuerzos del personaje hacen que poco a poco este vaya perdiendo las esperanzas de salir.
La desesperación de Pink consume sus pensamientos al punto de mostrar sus primeros indicios de locura. Una frase muy peculiar del tema es "...And the worms ate into his brain". Esta es la primera vez que se mencionan a the worms, estos luego tendrán un papel importante en el desarrollo de la historia y serán los grandes responsables de las futuras alucinaciones y delirios de Pink.

Dejando el concepto de lado, "Hey You" es un tema que retrata de forma cruda la soledad... aunque esta pueda ser interpretada de diversas maneras como en los filmes "Due Date" o "The Squid and the Whale" en sus respectivos tributos a este gran tema:




martes, 17 de enero de 2012

Mejores discos del 2010: Lo mejor de la década (Última Parte)

Para ser francos, el 2010 fue un buen año para despedir una década repleta de conjunciones musicales como no se ha visto en ninguna otra década en la historia de la música popular. Unos diez años que, por cierto, no estuvieron muy definidos a qué rumbo se dirigían y no hubo un género musical que se llevó por encuentro a los demás. Revivals por doquier y experimentaciones muy creativas completaron lo que fue la década pasada. De todas maneras, en la lista a continuación podemos ver un cierto tipo de unificación de estilos (salvo algunas excepciones): de Sun Kil Moon a Joanna Newson a Beach House a Sufjan Stevens a The National a Arcade Fire a Deerhunter... en fin, una vez más les presento, a mi humilde parecer, los mejores discos del 2010.

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10. "Halcyon Digest" de Deerhunter: El cuarto álbum de estudio de esta banda estadounidense que sorprendió con su anterior producción, "Microcastle", disco revelación del 2008. De todas maneras, el disco no llega a ser tan sorprendente como su antecesor, pero sigue reviviendo estilos como el shoegaze y el noise rock. Bradford Cox (guitarra y voces)   dijo que el concepto del disco está basado en experiencias vividas e inventadas. "Supone ser una colección de viejos despachos (...), tiene mucho que ver con la manera en que las personas romantizan el pasado, por más horrorífico que este haya sido", mencionó.


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9. "Teen Dream" de Beach House: El dúo dream pop conformado por la francesa Victoria Legrand y el estadounidense Alex Scally dieron el gran salto con esta, su tercera producción discográfica, muy bien recibida por la crítica y la audiencia. La diferencia de esté disco con los anteriores de la banda es que tiene menos efectos tanto de voz como instrumental, sin embargo, fue la producción en donde más dinero se invirtió. De todas maneras la inversión se convirtió en ganancia, ya que hasta el momento ha sido el disco más vendido del dúo y en donde se aprecia un gran profesionalismo en la inigualable voz de Legrand y el ingenio musical de Scally.



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8. "Admiral Fell Promises" de Sun Kil Moon: Sun Kil Moon es un proyecto musical de cantautor Mark Kozelek, conocido anteriormente por su banda Red House Painters. En este proyecto, Mark explora y acapara la escritura, composición y voces de todos los temas. Sin embargo, este no es un proyecto solitario, Kozelek es acompañado por bajo, guitarra y batería, aunque existe un gran número de canciones donde el cantautor simplemente toca su guitarra y canta. "Admiral Fell Promises" es un ejemplo de ello, Kolazek está solo con su guitarra acústica a lo largo de los 10 temas del disco, unos temas hermosos en lírica y sentimiento.


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7. "Brothers" de The Black Keys: Sexto disco de estudio del dúo blues rockero original de Ohio. La producción del disco se realizó en medio de conflictos debido al trabajo solista de Dan Auerbach (vocalista y guitarrista) y los problemas matrimoniales de Patrick Carney (baterista y productor de la banda) que terminaron en divorcio. De todas maneras, el dúo se reunió para hacer un trabajo que reflejaba la larga amistad entre ambos, bautizando de esta manera al disco con el nombre de "Brothers", un título que resumía el reinicio de una fuerte relación. Este álbum gozó a su vez de una inmensa creatividad por el hecho de haber sido grabados los 16 temas del disco en tan solo 10 días con un sonido totalmente fresco, haciendo que esta sea una de las mejores producciones de la banda hasta el momento.


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6. "The Social Network - BSO" de Trent Reznor y Atticus Ross: Uno de los mejores BSO de los últimos años. La popular película dirigida por David Fincher tuvo un toque macabro/oscuro con la música creada por el genio Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross (reconocido programador, productor y remixeador británico). La inigualable atmósfera creada para el filme contiene sonidos industriales y ambientales con el toque personal de Reznor, una música que si bien no es común en filmes comerciales, encapsula perfectamente las atmósferas de las escenas y la visión de los personajes. La producción ganó múltiples premios (incluyendo un Óscar al mejor banda sonora). Ahora solo queda esperar el próximo trabajo de este estupendo dúo en el BSO del filme "The Girl with the Dragon Tattoo".



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5. "Il Tempio Delle Clessidre" de Il Tempio Delle Clessidre: Hermoso disco que homenajea al prog italiano de los 70  y cuenta entre sus filas a una leyenda de este estilo musical que casi se pierde en el tiempo. Stefano "Lupo" Galifi, vocalista de la banda Museo Rosenbach en su histórico disco "Zarathustra" (1973), fue invitado por la banda para hacer la voz en algunos conciertos. Pronto, fueron escribiendo temas inspirados en el rock clásico de la península itálica, tomando muy en cuenta la música de Museo Rosenbach y bautizando a la banda con el nombre de una de las canciones de la banda setentera. El resultado final fue un tributo al prog italiano pero con toques oscuros y alguna que otra influencia del rock escandinavo. Eso sí, la voz de Galifi sigue intacta.


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4. "Have One On Me" de Joanna Newsom: Tercer disco de estudio de la arpista, cantautora y hermosa Joanna Newsom. En esta ocasión ofreciendo un disco triple, una arriesgada propuesta pero finalmente bien recibida por sus seguidores. Newsom continúa con su hermosa lírica y arreglos orquestales, pero, a diferencia de su producción antecesora (el genial disco "Ys" del 2006), "Have One On Me" contiene temas con marcada inspiración del blues y el jazz, otros donde se pueden apreciar la presencia de guitarras eléctricas y hasta algunos donde el piano reemplaza al arpa como instrumento principal. Recomiendo escuchar el disco de corrido, 18 temas (algunos de larga duración) que abarcan poco más de dos horas de bella música folk.



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3. "The Age of Adz" de Sufjan Stevens: Sexto disco de estudio del cantautor nacido en Detroit, Michigan. En esta producción Sufjan retoma los trabajos de largo aliento luego de varios EPs y discos exploratorios lanzados entre 2006 y 2010. Lo cierto es que desde la obra maestra titulada"Illinois" del 2005, no se veía un trabajo conceptual por parte de Sufjan, pero, a diferencia de este, los elementos electrónicos toman un protagonismo importante conjunto con los arreglos orquestales. En una entrevista en el 2006, Stevens mencionó que ya se había cansado de las trompetas y banjos utilizados en gran parte de sus temas y en los años siguientes se dedicaría a experimentar con sonidos diferentes. El resultado final fue "Age of Adz! -leído Odds. El disco goza de infinidad de sonidos electrónicos y los explota al máximo en temas como 'Too Much', 'I Walked' o el monstruo de más de 25 minutos 'Impossible Soul', un ejemplo para que todos los fanárticos de Black Eyed Peas sepa lo que es mezclar de verdad.



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2. "High Violet" de The National: Quinto disco de estudio de esta muy buena banda de Cincinnati, Ohio. Algunos podrían considerar al "High Violet" cómo el hijo perfecto entre el "Alligator" (2006) y "The Boxer" (2007) -ambos discos mencionados en pasadas listas. Sin embargo, este es un disco más oscuro donde se habla mucho del sufrimiento, la tristeza, el temor y el amor. A una primera escuchada es imposible asimilar el gran trabajo y esfuerzo que la banda puso en la producción del disco, pero es una joyita de esas que no debe pasar desapercibida a pesar de ser un disco más tranquilo que sus antecesores pero con una energía envidiable por cualquier otra banda.


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1. "The Suburbs" de Arcade Fire: Capaz el lanzamiento más esperado del 2010 y no defraudó. El tercer disco de esta estupenda banda canadiense toma a los suburbios como tema principal  ejemplificado en la cotidianeidad, las tristezas y alegrías de la vida suburbana enfocado, sobre todo, en la juventud. Win Butler describe el sonido de este disco como una mezcla de Depeche Mode y Neil Young, un estilo que no decae en los 16 temas del disco (su producción de más larga duración hasta el momento). Y es algo totalmente cierto, a pesar de las baladas, shoegaze, temas folk y toques de garage rock que contiene el disco, este no presenta bajones o momentos aburridos, un trabajo ciertamente difícil para cualquier agrupación. Sin duda esta fue una tremenda negación al imposible para los que pensaron que luego del "Funeral" (2004) y el "Neon Bible" (2007) podía haber un trabajo tan bueno como este.


jueves, 24 de noviembre de 2011

2 décadas sin Freddie Mercury


A 20 años del fallecimiento de uno de los pocos personajes que pueden catalogarse como leyendas del rock, es imposible pasar por desapercibida esta fecha de luto musical. Sin embargo, el líder de Queen hubiera deseado que celebremos su vida y no su muerte al ritmo de una 'Rapsodia Bohemia'.
Farrokh Bulsara (nombre real de Freddie Mercury), nace el 5 de setiembre de 1946 en la isla de Zanzibar (colonia británica en África). Sus estudios iniciales los realizaría en Bombay, India; donde a la edad de 12 años demuestra su talento para la música y recibe clases de coro y teatro hasta formar su primera banda "The Hectics".
En 1964, de regreso a su ciudad natal, estalla la revolución de Zanzibar y la familia Bunsara huye a Londres, donde el joven Freddie ingresa a la Ealing College of Art y se vuelve seguidor de una singular banda conformada por Brian May, Tim Staffel y Roger Taylor llamada "Smile". A ellos se les sumaría luego John Deacon en el bajo.




El fanatismo y talento de Freddie hizo que en 1971 este se uniera al grupo ante la inminente salida de Staffel. Su llegada produjo dos cambios sustanciales, el primero sería su apellido por el de Mercury, y el segundo sería el nombre de la banda por "Queen", una de las bandas de rock más influyentes de todos los tiempos.
La historia de Queen ya es harto conocida, con 14 discos de estudio que gozan de una amplia diversidad musical pero que mantienen la hermosa armonía vocal de Mercury, la banda se mantuvo en el tope de la escena musical, especialmente con el rotundo éxito de discos como "Sheer Heart Attack", "A Night at The Opera", "News Of The World" o el espectacular concierto en Wembley.



 Por otro lado, la alocada pero secreta vida de Freddie se complicó en 1987 cuando fue diagnosticado de SIDA, enfermedad que reveló que padecía solo 2 días antes de su muerte el 24 de noviembre de 1991. Tenía tan solo 45 años.
El 20 de abril de 1992, se ofrece un último adiós a Freddie por medio de un concierto tributo en Wembley, lugar donde ofreció su mejor performance en vivo. 72 mil espectadores asistieron al recital de 6 horas donde decenas de mega estrellas musicales ofrecieron su tributo a uno de los más geniales maestros del rock. 


Escrito por: Carlos Racchumi R.

lunes, 3 de octubre de 2011

5 temas "diferentes" de King Crimson

Para un conocedor de la música de King Crimsom, con tan solo escuchar el nombre de esta mítica banda, se le vienen a la mente temas fuertes y con un increíble poder y energía, capaces de desbaratar mentes por su exquisito virtuosismo instrumental, temas como lo son, por ejemplo, la agresiva "21st Century Schizoid Man", la épìca "In the Court of the Crimson King", la extrañísima "Lark's Tongues in Aspic", o la poderosísima "Starless". Sin embargo, la mente de Robert Fripp no vuela y experimenta solamente en ese estilo musical, existe un lado de KC que no ha sido tan tomado en cuenta como debería, ese lado que también enamora, embruja y hasta hace soltar una lágrima por la mejilla. Un lado atípico que deja de lado el virtuosismo guitarrero eléctrico y apuesta por una simpleza desinhibidora muy introspectiva y cautivante, pero que, a pesar de todo, mantiene el sello personal e inconfundible de la banda carmesí.

"I Talk to the Wind"

Segundo tema del primer disco de la banda. "In the Court of the Crimson King" fue un hito para la historia del rock en general, pero contenía un tema diferente a los demás. "I Talk to the Wind" se caracteriza por su paz y serenidad, un contraste total con tema que le precede en el disco ("21st Century Schizoid Man"). El tema inicia con la flauta tocada por Ian McDonald que se convierte en el instrumento principal desatando solos y un coda exquisito. La letra fue escrita, al igual que en las demás canciones del álbum, por el genio de Peter Sinfield.


"Cadence & Cascade"

Tercer tema del disco "The Wake of Poseidon", segunda producción de la banda. Muchos se refieren a esta hermosa canción como una secuela de "I Talk to the Wind", ya que mantiene la flauta traversa como uno de los instrumentos principales, la letra también es escrita por Sinfield, pero el flautista en esta ocasión es Mel Collins, quien se volvió en un recurrente para Fripp en varios discos de la banda. Aunque el tema se apoya más en la percusión y teclados, a la mitad del tema fluye este genial instrumento de viento con un bello solo que luego acompaña hasta el final de la canción.


"Book of Saturday"

Del genial y alocado disco "Lark's Tongues in Aspic", nace este tema que contrasta totalmente con todos los demás de esta, la quinta producción discográfica de la banda. La guitarra de Fripp hace magia en esta tranquila canción junto con el violín de David Cross y la voz de John Wetton (estos dos últimos, nuevos integrantes de KC). A decir, nada más, solo cierren los ojos y escuchen.



"Matte Kudasai"

Otra época, otra banda. King Crimson de las décadas de los 80 y 90 se cracterizó por las innovaciones musicales de la banda y un increíble virtuosismo con Andy Belew, Tony Levin y Bill Brufford acompañando a Fripp, una superbanda que con el disco "Discipline" de 1981, renació luego de 6 años de descanso. "Matte Kudasai" es uno de los temas más queridos de la banda, en ella Belew simula el sonido d unas gaviotas con un slide de guitarra y ruega que "esperes, por favor". Simplemente hermoso.


"Islands"

Uno de los mejores temas de la banda en general, a pesar de su sonido y estilo diferente al prog ecléctico que presenta Fripp y compañía. El tema nace del disco homónimo de 1971, y es el track más largo del álbum (casi casi 12 minutazos). Esta sería también la última colaboración de Sinfield en un disco de KC, y la mejor despedida que este genio nos podría otorgar. En el tema priman los vientos y el piano, pero luego de un par de minutos el saxo se alza como el instrumento con más preminencia. La parte instrumental de la canción es increíblemente cautivante, el crescendo que se inicia en el minuto seis hasta el final del tema tiene una fuerza increíble que solo la música podría despertar en el alma de las personas (sono cursi pero que chucha, eso es lo que se siente en verdad).

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