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sábado, 23 de julio de 2011

"Grace" de Jeff Buckley

Uno de los discos olvidados de los noventas (o al menos en esta parte del mundo), Jeff Buckley nos suena pero nunca lo hemos escuchado, esa era mi idea de este gran cantautor hace un par de años, pero cuando al fin me di la oportunidad de escucharlo me dije mi mismo que estupido fui al no darle su merecido tiempo.
Hijo del conocido músico de folk y rock experimental Tim Buckley, Jeff hizo facto el dicho de tal palo tal astilla al inspirarse de gran manera de la música de su padre, el folk y un gran número de bandas de los setentas.
Grace es un disco que fue muy poco valorado en su época y poco a poco fue tomando renombre y llegó a ser un disco de culto debido a la muerte de Jeff en el 97, pero descartando a los oportunistas se pueden encontrar verdaderos fanáticos de su música, unos temas muy folk y oros muy hard rock, Buckley combina diversos estilos sin caer o ser calificado como un amateur, él sabe lo que hace y lo hace muy bien, coros muy pegajosos, arreglos muy profesionales y sobre todo lo que más cautiva es la letra y la voz de Jeff, esos falsettos únicos y ese tono que por momentos es un Freddie Mercury, por otros un Robert Plant, en ocasiones un Peter Gabriel y en el mejor de los casos un Tim Buckley.
El comienzo del disco en crescendo, la mágica "Mojo Pin" perfecta para comenzar, extremadamente tranquila y relajante en su intro, la voz de Buckley comienza a ser más prominente y estalla con sus gritos. El disco esta repleto de temas que hoy están considerados como reliquias de culto en de la música alternativa, la genial "Grace" fue el primer single del disco, un temazo sin precedentes. la maravillosa "Last Goodbye" (que ha sido tocada como cover por varias bandas y solistas) uno de los mejores temas del disco que utiliza instrumentos de curda clásicos como apoyo y la voz de Buckley se hace tan intensa que le da un plus al tema.
El tema más folk del disco y tal vez el más conocido por la gente que no esta familiarizada con la música de Buckley es "Hallelujah", cover de Leonard Cohen del cual Jeff Buckley se declaró fanático, está conocidísima canción llegó a ser más famosa de lo que era gracias a esta versión que ahora es utilizada en decenas de series o comerciales de TV. Simplemente una guitarra y la voz de Buckley fueron necesarias para la cración de este tema.
Recomendadísimo disco para el que quiera escuchar lo mejor de la decada de los noventas y del rock alternativo, para el que quiera culturizar sus oídos escuchando a un músico no tan comercial, de ninguna manera se van a decepcionar.

Lista de canciones:
1. Mojo Pin – 5:42
2.Grace – 5:22
3.Last Goodbye – 4:35
4.Lilac Wine – 4:32
5.So Real – 4:43
6.Hallelujah – 6:53
7.Lover, You Should've Come Over – 6:43
8.Corpus Christi Carol – 2:56
9. Eternal Life – 4:52
10. Dream Brother – 5:26


Aquí el videoclip oficial del tema "Grace":

martes, 11 de enero de 2011

"Highway 61 Revisited" de Bob Dylan (1965)

Empezamos este año algo retrasados pero quería hablar de uno de los mejores discos que he escuchado y que, a decir de paso, no escucho hace tiempo. Pero en fin... qué mejor que empezar el año con una obra maestra de uno de los genios más puros y poéticos de la música, un disco que revolucionó la música en ese 1965, año que en nació el rock tal y como se le conoce hoy en día. Fueron tres discos los pioneros de este cambio, "The Who Sings My Generation" de The Who,"Rubber Soul" de The Beatles (del cuál hablamos hace poco), y este, "Highway 61 Revisited" del meastro Bob Dylan. A continuación una pequeña reseña de este disco del cual nunca voy a ser lo suficiente empeñoso en mencionar lo bueno que es.

Highway 61, o historia sobre el osado que se atrevió a combinar rock y folk en los sesenta:
La obra maestra de Bob Dylan que muestra su gran cambio de la música folk al folk-rock, en este álbum Dylan usa una banda de rock como fondo para todas sus canciones, algo parecido hizo en su anterior disco "Bringing It All Back Home" donde una mitad fue folk y la otra rock, y es que el cambio comenzó desde aquel, su quinto álbum; se arriesgó pero no lo suficiente, fue en el sexto, el "Highway 61" o también llamado "Highway Blues" que intentó experimentar y arriesgarse al 100% con un género que, en esa época era la contraparte de la música folk.
Dylan participó en el festival de New Port un mes después del lanzamiento del disco con el motivo de promocionarlo, la primera mitad del concierto tocó temas folk de sus discos pasados, después del receso Dylan apareció con The Butterfield Blues Band y tocó para disgusto de muchos y agrado de algunos un concierto rock. El público abucheó la performance de Dylan y su banda y este totalmente enojado se marchó para solo volver luego a tocar un par de canciones acústicas. La causa de estas reacciones por parte del público se deben en parte a que la mayoría eran folk fans y odiaban el sonido estridente de una guitarra eléctrica o de una percusión vertiginosa, se dice también que al público no le gusto el espectáculo debido al pésimo de los amplificadores.
En fin, el álbum fue un punto de quiebre en la carrera de Bob Dylan, perdío muchos fanáticos folk pero ganó muchos fanáticos del rock, finalmente el nombre de Dylan se hizo conocido mundialmente, maravillosas canciones como "Like a Rolling Stone", Desolation Row" o "Ballad Of A Thin Man" quedaron grabadas en la historia del rock y son consideradas como las mejores canciones jamás escritas, sobre todo la primera, la mejor mezcla de folk, rock y poesía.
"Like a Rolling Stone", escuchada o al menos reconocida por millones de personas, es una canción, o mejor dicho una historia escrita originalmente en 20 páginas, la cual fue resumida en un hermoso poema cantado en 6 minutos. Esta pieza nos cuenta la historia del debacle de una mujer que lo tuvo todo y luego lo perdió, el autor en enfatiza su pérdida gritádole "How does it feel, to be on your own, with no direction home, a complete unknown, like a rolling stone". El primer verso nos explica lo que ella era y cómo fue que comenzó a decaer, en los versos siguientes Dylan destruye la imagen de la mujer mostrándonos la miseria en la que vive, sin hogar y sin nadie en quien depender, pero en el verso final se muestra una pequeña esperanza cuando dice "When you got nothing, you got nothing to lose, You're invincible now, you got no secrets to conceal", un final simplemente hermoso. Esta canción fue reconocida por la revista Rolling Stone como la mejor canción de todos los tiempos por transformar las convenciones artísticas de su tiempo.
"Ballad Of A Thin Man", con su predominante piano, habla de un hombre llamado Mr. Jones, un erudito que cree que lo sabe todo, pero en realidad no se da cuenta de lo que pasa a su alrededor, la letra dice "You know that something is happening here but you don't know what it is" mostrando así la ignorancia del hombre ante los grandes sucesos que ocurrían en su época (a mediados de los sesentas a puertas de una revolución cultural).
La canción epónima "Highway 61 Revisited" es una mezcla de temas y críticas exaltantes, habla desde la religión, pasando por las negativas del capitalismo, hasta el incesto, cantado con un ritmo muy pegajoso.
Por último "Desolation Row", considerada una de las canciones más ambiciosas de Dylan en cuanto a poética se refiere, con mas de 11 minutos de duración, tomó influencia en libros (como por ejemplo "Cenicienta" y "El Este del Edén" de John Steinbeck), pero sobre todo habla del génesis de la biblia, hablando sobre Caín y Abel, y sobre Noé. Este es el único tema del disco que no lleva una guitarra eléctrica. La canción lleva ese nombre en memoria a un linchamineto de unos negros dueños de un circo en el pueblo donde Dylan creció, fueron acusados de violación y condenados sin ser procesados, en la primera estrofa de la canción se habla de este circo. Esta canción toma como referencia a la tensión racial que se vivía en los Estados Unidos, una admirable muestra del talento de Dylan como cantautor.
Todas las canciones del álbum están maravillosamente escritas, cada una tiene cierto tipo de energía que engancha al que la oye, "Tombstone Blues" y su letra surreal y sus solos de guitarra, "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry", un Folk-Blues-Rock hermosamente construído con letras desgarradoras, "From A Buick 6", con su compás de blues que provoca bailarlo, etc. Podría nombrar a todas porque TODAS son excelentes, el álbum es expectacular en su totalidad, el mismisimo Bob Dylan dijo: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía". Esta época fue la de mayor inspiración de Dylan, y este momento seguiría varios años después con otra obra maestra, el "Blonde on Blonde", la cual compite con el "Highway 61" entre los críticos y fanáticos para ser el mejor álbum de Bob Dylan.

Lista de canciones:
1. Like a Rolling Stone – 6:13
2. Tombstone Blues – 5:58
3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry – 4:09
4. From a Buick 6 – 3:19
5. Ballad of a Thin Man – 5:58
6. Queen Jane Approximately – 5:31
7. Highway 61 Revisited – 3:30
8. Just Like Tom Thumb's Blues – 5:31
9. Desolation Row - 11:21



"Desolation Row": tal vez la mejor del disco...

domingo, 12 de diciembre de 2010

"In The Aeroplane Over The Sea" de Neutral Milk Hotel (1998)

Capaz uno de los discos más infravalorados de la historia, no por ser pasado por alto por la gente que lo haya escuchado, sino por su poca difusión. Creo que si no fuera por internet, nunca lo hubiese descubierto, con un poco de investigación y relación con otros discos del género, "In The Aeroplane Over the Sea" llegó a mis manos (bueno, no físicamente porque me lo bajé), y me pareció un brutal fuera-de-época, una de esas joyas que no guarda relación con lo que hayas escuchado antes, eso fe Neutral Milk...

El disco es simplemente hermoso, por momentos sencillo y por otros muy complejo, este no deja de ser una de las pocos discos de los 90's que yo podría clasificar como obra maestra. Pocas personas lo conocen (es más solo conozco a una persona que lo ha escuchado) y estas personas que desconocen de la existencia de este disco no saben de lo que se pierden. Su sonido folkie repleto de guitarras acústicas y de un sin número de instrumentos de viento hacen que este álbum sea único musicalmente hablando.

Neutral Milk Hotel basó este, su segundo y último disco, en la vida de Anne Frank y en sí en los cientos de familias judías que murieron durante la segunda guerra mundial, canciones como "Ghost", "Holland, 1945", "Oh Comely" dan tributo a Anne Frank y su trágico destino.

Vayamos ahora con los temas, las tres partes de"King Of Carrot Flowers" compuesta en los dos primeros temas del disco, dominados por guitarras acústicas con marcados acordes, los temas son tranquilos pero la letra nos cuenta con cierta ironía una infancia caótica donde el personaje principal no se daba cuenta de sus problemas, por un lado hermosamente canta: "And this is the room one afternoon I knew I could love you / And from above you how I sank into your soul / Into that secret place where no one dares to go". Y en la siguiente estrofa: "Your mom would drink until she was no longer speaking / And dad would dream of all the different ways to die / Each one a little more than he could dare to try".

La homónima "In The Aeroplane Over The Sea" trata sobre un joven que sabe que algún día morirá y simplemente no le importa y solo quiere vivir este momento. En este tema también domina la guitarra acústica pero hay momentos donde entran trombones y tubas.

"Two-Headed Boy", una de las mejores del disco, es un tema que explora la sexualidad en tiempos de adolescencia, la voz del vocalista Jeff Mangum llega a tonos tan altos que se distorsiona (cosa que a algunos puede parecer desagradable pero a mi me resulta muy bueno). Se nota que la voz no es profesional, hasta puede ser tildada de sucia, pero eso le da el toque diferente y personal a la banda, un toque muy particular e inconfundible.

"Holland, 1945", el único single del disco, aquí ya se usa una guitarra eléctrica distorsionada, el tema es poderoso y tiene unas geniales entradas de trompetas y un gran coro. La canción se puede considerar dentro del género noise-pop, muy influenciado por My Bloody Valentine.

"Oh Comely", de ocho minutos, es una hermosa canción acústica que explora temas como la muerte , la autodestrucción y finalmente la salvación, una oda a la memoria de Anne Frank, muy simple pero bonita.

Finalmente quiero señalar que este es uno de los mejores discos de los noventas , lo escuche hace casi dos años y en su momento no pude dejar de escucharlo. Lo recomiendo mucho a los que estén interesados en la música indie, no los va a defraudar. Como dije antes, las obras maestras absolutas de la pasada decada se pueden contar con los dedos, este es uno de esos discos.

Lista de canciones:
1. The King of Carrot Flowers Pt. One – 2:00
2. The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three – 3:06
3. In the Aeroplane over the Sea – 3:22
4. Two-Headed Boy – 4:26
5. The Fool – 1:53
6. Holland, 1945 – 3:12
7. Communist Daughter – 1:57
8. Oh Comely – 8:18
9. Ghost – 4:08
10. Untitled – 2:16
11. Two Headed Boy Pt. Two – 5:13





martes, 8 de junio de 2010

Almendra y el disco que revolucionó al rock sudamericano

Tan sólo 2 años habían pasado desde la primera revolución del rock en español. Los Gatos, con su líder Litto Nebbia, lanzaron su primer álbum con un nuevo sonido proveniente del norte, muy raro y tal vez prematuro para las personas que no conocían este tipo de música, pero ya era tiempo de que nazcan bandas así.

Junto a Los Gatos en 1967, vino Manal, un poco más bluesera pero con claras influencias de Cream; y junto a estas dos se sumó Almendra, más folk rock pero con algunos arranques hard rock. Éstas tres bandas fueron las precursoras del rock argentino, o mejor dicho del rock sudamericano.
Luis Alberto Spinetta para ese tiempo se perfilaba como uno de los más grandes artistas de la Argentina, músico autodidacta con un gran intelecto respresentado por la poesía lírica de las letras de sus temas. Dichos temas fueron lanzados en 1968 (año en que Manal también lanzaría sus primeras canciones), sus dos primeros singles "Tema Del Pototo / El Mundo Entre Las Manos" y "Hoy Todo El Cielo En La Ciudad / Campos Verdes" fueron un éxito rotundo por el refinado estilo musical y sus hermosas letras. Para 1969 ya contaban con innumerables presentaciones y seguidores en toda la Argentina, por lo cual las modestas y poco avanzadas discográficas de la época ofrecieron a toda costa ofertas para la producción de un álbum, el cual también se convertiría en otro éxito instantáneo que los llevó inmediatamente a la producción de un segundo disco.
No me explayaré demasiado y en esta oportunidad hablaré exclusivamente del primer disco de la banda comenzando con su tema más celebrado. "Muchacha (Ojos De Papel)", un temazo considerado hoy como una de las mejores canciones de rock argentino de todos los tiempos, acompañado por una guitarra acústica, la letra es una de las más hermosas jamás escritas por Spinetta:

"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?
Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más.
Quédate hasta el alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón no corras más.
Tu tiempo es hoy".

"Figuración" narra una historia en segunda persona, un llamado directo al personaje (algo muy raro en la letra de una canción, incluso si hablamos de canciones en otros países), el tema es acompañado con una suave flauta y guitarra acústica jugando con pronunciados quiebres.
"Ana No Duerme" y "Color Humano" son temas con influencias hard rock, donde el guitarrista de la banda, Edelmiro Molinari, demuestra su virtuosismo en su instrumento, sobre todo en el larguísimo solo del segundo tema mencionado.
"Que El Viento Borró Tus Manos" es un jazz marcado por los precisos acordes de piano y la hermosa flauta despues de cada estribillo. Este tema nos hace ver las diversas influencias de la banda en cuanto a estilos.
"Laura Va", la entrada de violines que se prolongan hasta el final del tema y la entrada de un acordeón y flauta, muy parecida a la construcción musical del clásico tango argentino, combinada con la hermosa lírica hace de este tema uno de los más celebrados por el público de la época.
Luego de las incontables giras de la banda, ésta terminó separándose por desacuerdos entre los integrantes, cada uno tomaría su rumbo, pero Spinetta sería el que tendría un futuro mucho más fructífero, formando su carrera solista y siendo líder de importantísimas agrupaciones del rock de su país como Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade; de los cuales hablaré en otra ocasión sin lugar a dudas.

Lista de canciones:
01. Muchacha (Ojos De Papel) - 03:07
02. Color Humano - 09:13
03. Figuración - 03:32
04. Ana No Duerme - 02:47
05. Fermín - 03:21
06. Plegaria Para Un Niño Dormido - 04:03
07. A Estos Hombres Tristes - 06:01
08. Que El Viento Borró Tus Manos - 02:38
09. Laura Va - 02:53
En muchas ediciones, el disco viene con los cuatro temas de sus dos primeros singles y otros temas póstumos al álbum, sumando un total de 20 canciones.

sábado, 15 de mayo de 2010

Nick Drake, el mártir olvidado del folk


Si tienen la suerte de conocer a este santificado cantautor entonces tienen mi consideración y respeto absoluto, en caso contrario, esta es la mejor oportunidad para conocer a uno de los más grandes personajes que este magnifico arte de las musas nos ha dado.
Si Jeff Buckley (o Kurt Cobain para los que levantaron una ceja) nos abandonó prematuramente en la década de los 90's y el melancólico Ian Curtis en los 80's, Nick Drake se gana la posición de "genio musical con trágica muerte a temprana edad" en la década de los 70's, y aunque muchos discrepen de ello, no hay figura musical que se le compare y que comparta un final tan triste como él.
De padres ingleses, Nick Drake nació el 19 de junio de 1948 en Birmania. ¿Birmania?. Si, Birmania, tierra muy lejana en la que vivió una parte de su infancia debido a que su padre, Rodney Drake, trabajaba en una empresa de ese país. Nick comenzó a interesarse por la música en sus años de escuela, dejando de lado sus estudios y su relación con sus compañeros, formó una pequeña banda y luego se compró su primera guitarra acústica con la cual iba a iniciar sus primeros experimentos de acordes.
Drake Ingresó a la universidad de Fitzwilliam en 1966, ahí empezó a ingerir drogas y a su vez a descubrir a los grandes músicos de la escena folk norteamericana. Drake se entusiasmó tanto que comenzó a compomer sus primeras canciones y a explotar los diferentes sonidos que podía crear con su guitarra afinando y desafinando cuerdas. La joven promesa se presentaba en clubes londinenses demostrando su talento hasta que fue descubierto por Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention. Hutchings introdujo a Drake a la industria musical y le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien se encargó de lanzar la primera de sus tres obras maestras.
"Five Leaves Left" de 1969 revivió el folk escuchado a inicios de los 60's y lo fusionó con exquisitos arreglos orquestales de cuerda y viento, pero sin dudas el instrumento que prima es la guitarra acústica y sus innovadores acordes y afinaciones, parece en momentos que hay dos guitarristas tocando, pero en realidad es un acorde de guitarra con clústeres tonales.
Al año siguiente Drake lanzo su segundo LP tirulado "Bryter Layter", mucho más rico en intrumentación, los arreglos orquestales son acompañados ahora con saxo, piano y hasta una guitarra eléctrica en algunos temas, pero sin duda el plus del disco es que como artista invitado estaba el genial John Cale, ex integrante de la Velvet Underground, tocando el órgano y la viola.
Su último trabajo fue en 1972 titulado "Pink Moon", al estar descontento con el resultado de "Bryter Layter", Drake optó por un sonido minimalista, en tan solo dos sesiones de grabación el genio compuso los 11 temas del disco, los cuales contaban con solamente su guitarra y su voz, con una introducción de piano en el buenísimo tema homónimo. A pesar de ser diferente a sus otros dos lanzamientos este disco es increíblemente hermoso en toda su simplicidad, perfecto para hacer el amor en una noche de cielo desejado, se los recomiendo mucho.
Luego de lanzar su tercer disco, Drake se retiró de la música y cortó lazos con todos sus conocidos al ir a vivir con sus padres, estaba exhausto y muy deprimido, la fama y fortuna le eran esquivas a pesar de su gran talento, rápidamente se quedó sin dinero y cuando pensaba volver al mundo musical para grabar su cuarto disco sucedió la tragedia.
Nick Drake falleció el 25 de noviembre de 1974 en la casa de sus padres debido a una sobredosis de antidepresivos, fue encontrado en su tendido en su cama y aunque no se encontró una nota de suicidio, los investigadores del caso creen que debido a sus cuadros de depresión crónica, Drake solo necsitaba apretar el gatillo, tenía tan solo 26 años
En los años póstumos Drake siguió siendo un músico poco conocido, pero a fines de los 70's comenzó a tener varios seguidores a tal punto de convertirse en una figura de culto. En los 90's el nombre de Nick Drake se hizo mucho más popular al ser publicado en revistas, periódicos, reediciones de discos y películas documentales, donde finalmente su música fue valorada con todo merecimiento.
Con tan solo cuatro años de carrera musical y 3 discos en su haber nunca tuvo un gran éxito comercial y por ello no fue tan famoso o valorado en su tiempo como lo es ahora. Drake ha inspirado a artistas como R.E.M., The Cure, Elliot Smith, etc. y es pieza clave en la historia de la música no solo folk, sino en la historia de la música mundial.

Aquí les doy los links de descarga de sus tres discazos, sé que por respeto, y es obvio decir, que una vez escuchados los borren, si les gusta mucho cómprenlos, será un pequeño aporte y tributo al legado de su hermosa música:

1969 - Five Leaves Left


















1970 - Bryter Layter


















1972 - Pink Moon

















Descargar "Pink Moon"