Camel Never Let Go !

Interpretacion de este genial tema ....nada mas que decir

Principe Di Un Giorno de Celeste (Letra y Traducción)

Una vez más volvemos al rock progresivo italiano, esta vez mostraremos otra banda poco conocida. "Celeste" es una banda ultra rara, las pocas personas que han logrado apreciarla podrán dar razón en que no se caracteriza por compartir el virtuosismo o las intrincadas composiciones que sus congéneres paisanos tenían (llámese bandas como PFM o Banco del Mutuo Soccorso). Esta banda se caracterizaba más por sus hermosos y melódicos pasajes, muchos de ellos acústicos influenciados no por la 'tarantella' pueblerina, sino por el sofisticado neoclasicismo italiano de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. 

El siguiente tema es un 'bello pezzo di canzone' dividido en tres claros pasajes: el primero, muy influenciado por la música docta, una introducción que me recuerda al épico intermezzo de "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni compuesta a finales del siglo XIX; el segundo, predominado por los sonidos acústicos, guitarra y flauta traversa acompañan perfectamente a la voz; y el tercero, un buen pasaje instrumental con flauta, piano, mellotron, guitarra acústica y, por supuesto, un sorprendente saxo que se lleva de encuentro a los demás instrumentos. ¡DISFRÚTENLO!

Principe Di Un Giorno

Principe di un giorno 

cerchi un prato a riposare sogni

saggio l'uomo in bianco

che t'indica la via verso

regni senza fini

dove il vento non essiste piú

Suddito tuo amico un cavallo che

bacia ora l'altra terra abbandonata te

lago e steli cambia il color

salgono cori verso te

Chiara luce templi verdi

porta al fondo te.

Trono veroin acque pure chiama giusto re.

Raggiungi il tuo castello, voltati

adesso sei, spechiatti.

Príncipe de un Día

Príncipe por un día

busca un prado para resposar sueños

sabio hombre de blanco

que te indica que el camino a través de

reinos sin final

donde el viento ya no existe más.

Sujeto tu amigo a un caballo que

besa ahora otra tierra abandonada

Lago y tallos, cambia el color

coro creciente hacia tí.

Claras luces de templos verdes

te lleva a la parte inferior.

Trono verdadero en aguas puras llama al justo rey

Alcanzar tu castillo, da la vuelta

eres ahora, espejo.

Aquí la hermosa obra de Pietro Mascagni, conducida por el maestro Lim-Kek Tjiang, y la influencia que el compositor italiano tuvo en la banda:

Traducción: Carlos Racchumi R.

April de Deep Purple (Letra y traducción)

Llegó el mes de abril y no encuentro mejor forma de celebrarlo que con este temón de una de las bandas más pros de los 70. Recuerdo que una vez le preguntaron a Yngwie Malsteem cuál era mejor banda Led Zappelin o Black Sabath, y luego de unos breves segundos respondió con contundencia: Deep Purple. Para serles francos nunca hubiera pensado lo mismo que Yngwie si no habría escuchado "April", para mí, la mejor canción del púrpura profundo. Un tema fatalista acerca de este mes, nublado y solitario, triste pero hermoso a la vez, según lo describen.

Sin embargo, la letra pasa a segundo plano ya que este se enfoca en tres movimientos claves y muy distintos: el primero, acústico; el segundo, sinfónico; y el tercero, eléctrico. Una gran variedad de instrumentos de los cuales nos podemos extasiar. Si no la han escuchado, prepárense para unos 12 minutos intensos... ah si, son 12 minutos y es al minuto 8 cuando Rod Evans se digna a cantar... PACIENCIA ANTE TODO que no se van a defraudar. Viva abril.

"April"

April is a cruel time

Even though the sun may shine

And world looks in the shade as it slowly comes away

Still falls the April rain

And the valley's filled with pain

And you can't tell me quite why

As I look up to the grey sky

Where it should be blue

Grey sky where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

Maybe once in a while I'll forget and I'll smile

But then the feeling comes again of an April without end

Of an April lonely as they come

In the dark of my mind I can see all too fine

But there is nothing to be done when I just can't feel the sun

And the springtime's the season of the night

Grey sky, where it should be blue

Grey sky, where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

I don't know

"Abril"

Abril es un tiempo cruel

pero aún así el sol puede brillar

y el mundo mira la sombra como si esta lentamente se fuera

aún cae la lluvia del abril

y el valle lleno de dolor

pero no puedes decirme bien por qué

mientras miro hacia el cielo gris

donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué deberia ser tan...

gritaré, decir que no sé

Tal vez de vez en cuando olvidaré y sonreiré

pero luego el sentimiento vuelve de un nuevo abril sin final

de un abril solitario como viene

en la oscuridad de mi mente puedo ver todo claro

pero no hay nada que hacer cuando no puedo sentir el sol

y la primavera es la temporada de la noche

cielo gris, donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué debería ser tan...

gritare, decir que no lo sé

no lo sé

Traducción: Carlos Racchumi R.

Vendesi Saggezza de Locanda Delle Fate (Letra y traducción)

He estado escuchando harto rock progresivo de Italia últimamente, un país que ha producido tanto 'progreso' que hasta tiene un género propio, el llamado "Rock Progressivo Italiano" (nótese la doble 's') tiene tantas bandas como músicos clásicos de ópera. Lo curioso es que hasta el momento he escuchado en promedio 20 discos de esas numerosas bandas y ninguno me parece malo, es más, muchos de ellos son excelentes producciones envidiables para bandas como Genesis o ELP.

En fin, puedo nombrar a agrupaciones medianamente conocidas como Premiata Forneria Marconi (o PFM), Banco del Mutuo Soccorso o Le Orme, y algunas un poco más rebuscadas como Semiramis, Quella Vecchia Locanda, Area, Rovescio Della Medaglia, Museo Rosenbach, Balletto Di Bronzo, etc. Pero una que me cautivó por sus suaves pasajes, su virtuosa instrumentación y su letra fue Locanda Delle Fate, una banda que me hizo acordar a la canadiense francófona 'Harmonium' por su delicadeza, pero que tiene su toque 'italiano' que la hace diferenciar.

Su disco "Forse le Lucciole Non Si Amano Piú" (o "Tal Vez Las Luciérnagas No Se Aman Más") del año 1977 es hermoso en su totalidad -uno de los pocos discos 10 puntos que conozco- y el tema de a continuaci+ón es Vendesi Saggezza (traducido no tan literalmente como "Se vende Sabiduría" o "Venden Sabiduría" o "Sabiduría en Venta"). Disfruten del tema y no lloren.

"Vendesi Saggezza"

Voleranno sopra i vetri,

mille volte gli occhi,

cercando spazi di là.

E il cervello a una parete

o sopra un banco a vendere,

alla fine, trascinerei.

Per rubarmi ai vuoti di memoria,

forse quello che ci va.

Basta adesso alle orge senza senso

e ai rimorsi del di qua.

Chissà se quando la corda

stringerà il mio collo,

la bocca non griderà.

Ora è entrata una farfalla

che d'amore nato sui fiori mi parlerà.

Seguo già i suoi voli trasparenti

che tra poco tradirò.

Con le mani fresche

dei miei fianchi,

reti infine getterò.

Saggezza venderei

con il peso dei discorsi

sempre uguali

e in cambio chiedo a lei

i segreti immensi

delle sue stagioni.

Perché da Alice ora non compro più

Mosaici, rose e seta

e in fondo al buio sto spiandoti,

forse verrà a svegliarla.

Volerai tra pareti e fotocellule

invisibili e segrete.

Porte ne aprirai,

prati di moquette,

fiori quasi veri

e un senso di potere.

Ma poi ti accorgerai,

che non puoi più volare.

C'è un ladro nella stanza.

Non ti ruba argento ne monete d'oro.

Ma senza far rumore

strapperà ai tuoi voli gli alibi più veri.

Non basta, dammi i fiori che non ho,

non ho più voglia di spiegare.

Tu sarai grande più di Icaro,

ti guarderai volare.

"Venden Sabiduría (y un Cerebro de Segunda Mano)"

Vuelan sobre los cristales

miles de veces los ojos

buscando espacios ahí

Y el cerebro a una pared

o encima de una banca, a vender,

al final me arrastraría

para robarme los huecos de memoria

quizá es lo que se necesita

Basta ahora de las orgias sin sentido

y los remordimientos del aquí

Quién sabe si, cuando la soga

apriete mi cuello

mi boca no gritara?

Pero ahora ha entrado una mariposa

que del amor nace de las flores y me hablará

Ya sigo sus vuelos transparentes

que en poco tiempo traicionaré

Con las manos frescas

por mis llantos

redes poco seguras arrojaré

Sabiduría vendería

con el peso de los discursos

siempre iguales

Y en cambio le pido a usted

los intensos secretos

de sus estaciones

Porque de Alicia ya no compro más

mosaicos, rosa y seda

Y al fondo de la oscuridad estoy espiándote

tal vez vaya a despertarla

Volarás entre paredes y fotocélulas

invisible y secreta

puertas nos abrirás

a praderas de alfombra

flores casi verdaderas

y un sentido de poder

Pero entonces notarás

que ya no puedes volar

Hay un ladrón en la habitación

el no te roba monedas de plata ni de oro

Pero sin hacer ruido

arrancará de tus vuelos las coartadas mas certeras

No! Ya basta! Dame las flores que no tengo,

no tengo ganas de explicar,

Serás mas grande que Ícaro,

te verás volar.

Traducción: Carlos Racchumi R.

Serú Girán.... y nada más

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

"Roxy Music" de Roxy Music (1972)

El álbum debut de la banda inglesa más extravagante de todas; artística y experimental, fue influenciada por estilos vanguardistas de moda que fueron representados en sus conciertos, música, y el diseño de las portadas de sus álbumes (que siempre tuvieron la presencia de modelos).

La perfecta combinación de Bryan Ferry, vocales y teclados, con Brian Eno, sintetizador, creó una banda centrada en la explotación de instrumentos poco ortodoxos en comparación a lo que se conocía antes como una agrupación de rock básica (guitarra, bajo y batería); los teclados eran primordiales, el saxofón tocado por Andy Mackay que parecía que en sus solos estaba tocando una guitarra eléctrica alocadamente, y por último el sintetizador de Eno, que fue uno de los mayores aportes revolucionarios de la musica de los setentas, un instrumento que en una decada más adelante fue usado por casi todas las bandas de la época.

Tal vez fue Roxy Music la banda que empleó el sintetizador como uno de sus instrumentos principales en la creación de sus piezas musicales, la búsqueda de nuevos sonidos mas allá de los instrumentos convencionales parecía estar en la mira de muchas bandas de inicios de los setentas, The Who y Pink Floyd habían experimentado con este instumento practicamente nuevo, pero fue Roxy Music con Brian Eno quienes le dieron un espacio mas amplio al desenvolvimiento de esta herramienta musical hasta explotarlo al máximo, nadie antes había escuchado sonidos tan raros y pero a la vez armoniosos sin quitarle sentido a la música. En una época en la que el rock progresivo y la experimentación estaban en auge, Roxy Music optó por los nuevos sonidos eléctronicos en lugar de los grandilocuentes sonidos sinfónicos de orquestas con decenas de personas. Para algunas personas este subgénero electronico les resultó grato, para otros les resultó una deformación de la música, afirmando que los nuevos sonidos saturaban y que ya no se podían escuchar los demás, pero esa es la opinión de cada quien.

"Re-Make/Re-Model" es una muestra de lo productivo que puede llegar a ser la combinación instrumentos: los solos de guitarra de Phil Manzanera, el fuerte bajo de Graham Simpson, el alocado saxo de Andy Mackay, los redobles de Paul Thompson, los sonidos de Eno y la personalidad y fuerza de Ferry hacen de esta (para mi) la mejor canción del disco. Al comenzar la canción podemos escuchar a gente hablando, luego Ferry hace una combinación con dos acordes de piano para que luego Thompson haga un redoble de toms y Ferry comience a cantar acompañado de solos de Manzanera y Mackay, luego entra Eno cada vez que se repita el coro "CPL-593H" (placa de un automovil que se menciona en la canción), en medio de la canción hay quiebres para que cada uno de los integrantes tenga un solo con su instrumentos, simplemente increible.

"Ladytron" es la muestra de las grandes facultades del sintetizador, la canción es acaparada por este instrumento, sonidos nuevos que a veces nos hacen acordar a la música de Syd Barett cuando era el lider de Pink Floyd.

Muchas de las canciones del álbum son inspiradas en películas, por ejemplo "2HB" (siglas que significan "To Humphrey Bogart") inspirada en el actor, donde se repite en las estrofas su famosa frase en la película Casablanca: "It's Looking at you kid"; el saxo en esta canción es hermoso. "The Bob" es una canción mas fuerte, inspirada en la película Battle of Britain, este tema tiene un quiebre donde luego se pueden escuchar armas de fuego. "Chance Meeting" también es uno de los temas inspirados en el séptimo arte, fue de la película Brief Encounters de David Lean.

"Virginia Plain" fue el único single del disco, este no fue presentado en el lanzamiento original del álbum, solo después de unos meses se produjo el compacto con esta canción. El tema fue un éxito instantáneo llegando al top 10 en el Reino Unido en poco tiempo. La canción está llena de altos y bajos, la guitarra de Manzanera y el sintetizador de Eno son los instrumentos que gobiernan en los tres minutos de duración del tema.

De todo lo referido lo que más puedo destacar es el gran concepto que tenía Bryan Ferry sobre una banda de rock avocada al arte en todo sentido y el gran aporte e influencía que dejó en el rock de los ochentas; de Brian Eno en cómo logró, mediante la creación de nuevos sonidos, un estilo de música totalmente innovador. Ambos tendrían luego una fructífera carrera como solistas, el primero, siguiendo su concepto de musica artística, y el segundo, experimentando con la música y creando los ya famosos "sonidos ambientales".

Lista de canciones:
1. Re-Make/Re-Model - 5:14
2. Ladytron - 4:26
3. If There Is Something - 6:34

4. Virginia Plain - 2:58
5. 2HB - 4:30
6. The Bob (Medley) - 5:48
7. Chance Meeting - 3:08
8. Would You Believe? - 3:53
9. Sea Breezes - 7:03
10. Bitters End - 2:03

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Nick Drake, el mártir olvidado del folk

Si tienen la suerte de conocer a este santificado cantautor entonces tienen mi consideración y respeto absoluto, en caso contrario, esta es la mejor oportunidad para conocer a uno de los más grandes personajes que este magnifico arte de las musas nos ha dado.

Si Jeff Buckley (o Kurt Cobain para los que levantaron una ceja) nos abandonó prematuramente en la década de los 90's y el melancólico Ian Curtis en los 80's, Nick Drake se gana la posición de "genio musical con trágica muerte a temprana edad" en la década de los 70's, y aunque muchos discrepen de ello, no hay figura musical que se le compare y que comparta un final tan triste como él.

De padres ingleses, Nick Drake nació el 19 de junio de 1948 en Birmania. ¿Birmania?. Si, Birmania, tierra muy lejana en la que vivió una parte de su infancia debido a que su padre, Rodney Drake, trabajaba en una empresa de ese país. Nick comenzó a interesarse por la música en sus años de escuela, dejando de lado sus estudios y su relación con sus compañeros, formó una pequeña banda y luego se compró su primera guitarra acústica con la cual iba a iniciar sus primeros experimentos de acordes.

Drake Ingresó a la universidad de Fitzwilliam en 1966, ahí empezó a ingerir drogas y a su vez a descubrir a los grandes músicos de la escena folk norteamericana. Drake se entusiasmó tanto que comenzó a compomer sus primeras canciones y a explotar los diferentes sonidos que podía crear con su guitarra afinando y desafinando cuerdas. La joven promesa se presentaba en clubes londinenses demostrando su talento hasta que fue descubierto por Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention. Hutchings introdujo a Drake a la industria musical y le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien se encargó de lanzar la primera de sus tres obras maestras.

"Five Leaves Left" de 1969 revivió el folk escuchado a inicios de los 60's y lo fusionó con exquisitos arreglos orquestales de cuerda y viento, pero sin dudas el instrumento que prima es la guitarra acústica y sus innovadores acordes y afinaciones, parece en momentos que hay dos guitarristas tocando, pero en realidad es un acorde de guitarra con clústeres tonales.

Al año siguiente Drake lanzo su segundo LP tirulado "Bryter Layter", mucho más rico en intrumentación, los arreglos orquestales son acompañados ahora con saxo, piano y hasta una guitarra eléctrica en algunos temas, pero sin duda el plus del disco es que como artista invitado estaba el genial John Cale, ex integrante de la Velvet Underground, tocando el órgano y la viola.

Su último trabajo fue en 1972 titulado "Pink Moon", al estar descontento con el resultado de "Bryter Layter", Drake optó por un sonido minimalista, en tan solo dos sesiones de grabación el genio compuso los 11 temas del disco, los cuales contaban con solamente su guitarra y su voz, con una introducción de piano en el buenísimo tema homónimo. A pesar de ser diferente a sus otros dos lanzamientos este disco es increíblemente hermoso en toda su simplicidad, perfecto para hacer el amor en una noche de cielo desejado, se los recomiendo mucho.

Luego de lanzar su tercer disco, Drake se retiró de la música y cortó lazos con todos sus conocidos al ir a vivir con sus padres, estaba exhausto y muy deprimido, la fama y fortuna le eran esquivas a pesar de su gran talento, rápidamente se quedó sin dinero y cuando pensaba volver al mundo musical para grabar su cuarto disco sucedió la tragedia.

Nick Drake falleció el 25 de noviembre de 1974 en la casa de sus padres debido a una sobredosis de antidepresivos, fue encontrado en su tendido en su cama y aunque no se encontró una nota de suicidio, los investigadores del caso creen que debido a sus cuadros de depresión crónica, Drake solo necsitaba apretar el gatillo, tenía tan solo 26 años

En los años póstumos Drake siguió siendo un músico poco conocido, pero a fines de los 70's comenzó a tener varios seguidores a tal punto de convertirse en una figura de culto. En los 90's el nombre de Nick Drake se hizo mucho más popular al ser publicado en revistas, periódicos, reediciones de discos y películas documentales, donde finalmente su música fue valorada con todo merecimiento.
Con tan solo cuatro años de carrera musical y 3 discos en su haber nunca tuvo un gran éxito comercial y por ello no fue tan famoso o valorado en su tiempo como lo es ahora. Drake ha inspirado a artistas como R.E.M., The Cure, Elliot Smith, etc. y es pieza clave en la historia de la música no solo folk, sino en la historia de la música mundial.

Aquí les doy los links de descarga de sus tres discazos, sé que por respeto, y es obvio decir, que una vez escuchados los borren, si les gusta mucho cómprenlos, será un pequeño aporte y tributo al legado de su hermosa música:

1969 - Five Leaves Left

Descargar "Five Leaves Left"

1970 - Bryter Layter

Descargar "Bryter Layter"

1972 - Pink Moon

Descargar "Pink Moon"

The Wall: 30 años de construída

30 años no se cumplen en vano, para el ser humano es la edad en la que uno ya empieza a pensar en que ya se está volviendo viejo, pero para un disco de música es simplemente una confirmación de su trascendencia. Pero me explico mejor, cualquier disco puede cumplir 30 años y ser pasado por alto, pero estamos hablando de EL DISCO. El 30 de noviembre de 1979, cuando el progresivo ya parecía extinguirse salió su último gran respiro para decirle hasta siempre a la década que lo vio brillar en su máximo esplendor... despúes de este disco, Pink Floyd y todas las bandas de su generación no volvieron a ser más las mismas y quedaron atrapadas en las crueles redes de la música sintetizada de los 80's, triste pero cierto, nuevas bandas salieron, un nuevo mainstream surgió y colorín colorado... Sin embargo los fanáticos y los no tan fanáticos recuerdan ese temita tan sonado -we don´t need no education- y todos los demás 25 temas de este maravilloso disco doble -we don't need no thought control- ahora daré mi pequeño tributo celebrando sus treinta, sin oscuros sarcasmos en la clase...

Comenzando en decir que es una obra maestra absoluta de la música moderna, esta ópera rock de dos discos escrita casi en su integridad por Roger Waters, es uno de los discos conceptuales más perfectos y completos jamás escritos, y llega casi al límite de trascender sobre la misma música del compacto.

El álbum nos cuenta la historia de "Pink", un estrella de rock que debido a sus traumas de niñez por la temprana muerte de su padre, la sobreprotección materna y la castrante educación escolar, construye simbólicamente un muro a su alrededor alejándose así de todo contacto humano y volviéndose un personaje autodestructivo que fantasea con un mundo de violencia y anarquía.

El disco (y la historia) comienza con "In The Flesh?" un tema donde predomina una guitarra con punteos fuertes y marcados, la letra nos da la bienvenida al "show" y termina con los llantos de un bebé recién nacido: Pink.

Los dos siguientes temas "The Thin Ice" y "Another Brick In The Wall (Part 1)" nos narran cómo Pink afrontó la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial. En el primer tema en mención Pink todavía era un niño y no tenía juicio para reconocer la muerte de su padre, pero en el segundo tema ya es capaz de comprenderlo y cae en depresión poniendo así los primeros ladrillos en el muro.

"Another Brick In The Wall (Part II)", el himno de protesta de la música rock (ya todos conocen su letra y su gran solo de guitarra), aquí Pink pone más ladrillos en el muro debido a la represión que sufría en la escuela y crea también sus primeros pensamientos destructivos al fantasear con echar abajo la escuela.

La hermosa "Mother" que con cierto sarcasmo Waters canta con voz melodiosa las castrantes y sobreprotectoras manías de la madre de Pink: "...Hush now baby, don't you cry / Mama's gonna make all of your nightmares come true / Mama's gonna put all of her fears into you / Mama's gonna keep you right here under her wing / she won't let you fly but she might let you sing...". La segunda parte del primer disco nos cuenta cómo Pink se casa y se vuelve una estrella de rock, pronto cae de nuevo en la depresión cuando su esposa lo engaña terminando así de construir el muro.

"Hey You" con su hermoso arpegio inicial y los buenos solos de Gilmour cuentan cómo Pink se arrepiente de construir el muro y observa que le es imposible escapar de su encierro. Al mantenerse encerrado del mundo y la sociedad, Pink comienza a perder la razón, y por primera vez se mencionan a "The Worms -los gusanos-" personajes que participarían luego como causantes de sus síntomas de locura, de allí en una linea del tema se menciona: "And the worms ate into his brain".

"Comfortably Numb" una de las mejores canciones del disco, el diálogo de Pink y su doctor excelentemente interpretado vocalmente por Roger Waters y David Gilmour respectivamente, junto con uno de los mejores solos de guitarra jamás tocados. Aquí Pink hace un repaso de toda su vida para intentar salvarse, pero finalmente colapsa y es llevado de emmergencia al hospital.

La trilogía "In The Flesh", "Run Like Hell" y "Waiting For The Worms" representan la locura de Pink y su mundo de fantasía con "The Worms", un grupo radical facista del cual Pink es el lider, su propósito es renacer a Britania con toda su pureza, aniquilando así a todos los homosexuales judios, negros, etc. Por supuesto esta es una concepción totalmente diferente a la de Pink, su demencia llega al límite y por ello en el tema "Stop" quiere saber si es el culpable de su encierro.

"The Trial" una de los temas más ambiciosas del disco, la música deja de ser progresiva para ser puramente sinfónica, la banda toma prestado los servicios de la sinfónica de Nueva York para tocar este tema en el cual Pink enfrenta a todos sus traumas en un autojuicio. Su madre, su profesor y su ex esposa se presentan atemorizándolo y finalmente, el juez lo acusa de hacer crímenes contra sí mismo, por ello decreta el derrumbe del muro, por lo cual Pink queda libre de todo aislamiento. *

Como muchos lanzamientos dobles, hay partes del álbum que pueden llegar ser tediosas, pero sin duda hay partes destacables. Aunque musicalmente no sea superior a anteriores trabajos como "Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here"; "The Wall" se destaca más por la historia que cuenta, no es un disco conceptual de temas diversos (como por ejemplo de sentimientos o temas sociales) , sino es una historia con principio y final, con un personaje principal que vive diversas situaciones. Nunca antes se había creado una historia tan completa para ser narrada en un disco, tal vez el "Tommy" de The Who y el "The Lamb Lies Down On Broadway" de Genesis pueden ser los más semejantes, sin embargo ambos discos no narran una historia tan concreta y abierta como la apreciada en "The Wall".

La música de este disco puede llegar a ser muy densa y se puede notar que en muchas partes se da más cabida al concepto del disco más que a la música en sí, esto es algo que llega ser una característica en la carrera de Waters solista así como en sus últimos discos con Pink Floyd, y fue precisamente a finales de los 70's en que comenzaban a haber grandes disputas entre los miembros de la banda, ya que Waters tomaba el protagonismo completo del disco escribiendo casi todas las canciones (como así también fue en el "Animals", 1977).

Luego de "The Wall", Richard Wright se marcharía de la banda y solo regresaría hasta la salida de Waters en 1985. Por su parte Waters haría un último disco formando parte de Pink Floyd ("The Final Cut", 1981) para luego seguir con su carrera solista.

* Gracias a Daniel Paz-Soldán por dejarme citar algunas notas de su tesis "Psicoanálisis de The Wall".

Lista de canciones:
CD 1:

1. In the Flesh? - 3:18

2. The Thin Ice - 2:28
3. Another Brick in the Wall (Part I) - 3:41)
4. The Happiest Days of our Lives - 1:21
5. Another Brick in the Wall (Part II) - 3:56
6. Mother - 5:32
7. Goodbye Blue Sky - 2:48

8. Empty Spaces - 2:06

9. Young Lust - 3:29

10. One of My Turns - 3:37

11. Don't Leave Me Now - 4:22

12. Another Brick in the Wall (Part III) - 1:17
13. Goodbye Cruel World - 1:05

CD2:
14. Hey You - 4:41
15. Is There Anybody Out There? - 2:40

16. Nobody Home - 3:25

17. Vera - 1:39

18. Bring the Boys Back Home - 0:51

19. Comfortably Numb - 6:49

20. The Show Must Go On - 1:37

21. In the Flesh - 4:17

22. Run Like Hell - 4:23

23. Waiting for the Worms - 3:56
24. Stop - 0:33

25. The Trial - 5:18

26. Outside the Wall - 1:42

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