Cuando se hace realidad un "Sueño Siamés"

Hace unas semanas el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan reveló una de las noticias más bizarras e increíbles que hasta ahora no sé ¡¡¿¿cómo no he posteado nada de esto en el blog??!!

Corgan 'twiteó' desde su cuenta Twitter.com/Billy que la actual bajista de la banda, Nicole Fiorentino, es una de las dos niñas que aparece en la portada del disco "Siamese Dream" de 1993: "Just found out the weirdest news: our bass player Nicole just admitted she is one of the girls on the cover of 'Siamese Dream'”.

Nicole, que ahora tiene 31 años, debió haber tenido unos 13 para el tiempo en que se tomó la foto y, aunque no dijo cuál de las niñas es, hay varios rumores sobre si esta afirmación es cierta o no. En fin, compárenlo ustedes mismo y nos lo dicen ¿Será cierto?

Personalmente creo que se parece más a la de la derecha, pero no creo que ninguna de las niñas tenga 13 años, a menos que la foto haya sido tomada mucho antes. Para amenizar el debate, te mostramos una pequeña reseña de este grandioso disco, uno de los mejores de los años 90:

"Siamese Dream" de The Smashing Pumpkins (1993)

Siamese Dream es uno de esos álbumes en los cuales los músicos ponen todo su empeño y talento por el hecho de seguir adelante y ser los mejores, o al menos ser reconocidos, y es que para 1993 la banda de las "increíbles calabazas" tuvo su época más catastrófica en lo que en relaciones internas se refiere, y de éste disco dependió si la banda seguiría tocando o se desintegraría.

En los años 92 y 93 el baterista Jimmy Chamberlin comenzaría su adicción a la heroína (caso que más adelante se agravaría), James Iha y D'arcy Wretzky, guitarrista y bajista respectivamente, terminarían su larga relación amorosa violentamente, dejando marcada a la banda con resentimientos y, por su lado, Billy Corgan, cayó en una depresión a punto de pensar en el suicidio.

Sin embargo, esta familia disfuncional crearía uno de los discos más influyentes y aclamados de la era alternativa. Siamese fue un álbum nacido de la cólera, la presión y la desesperación, y es dificil pensar que en tiempos tan difíciles se crearía un disco tan bien trabajado y construído.

A diferencia del primer álbum de la banda ("Gish" de 1991) que tuvo influencias claras de los setentas con un éxito relativo en las ventas, el Siamese tendría influencias conjuntas con la música de los ochentas, mucho más trabajado en lo que a efectos se refiere y resaltando la increíble combinación de talentos de Corgan y Chamberlin.

El proceso de grabación fue duro, la tensión que había entre Iha y D'arcy era notoria; Chamberlin faltaba por días seguidos a consecuencia de las drogas, lo cual hacía a la banda temer por su vida; el perfeccionismo de Corgan también ponía a los demás miembros de la banda bajo mucha presión, se tenía que volver a grabar partes una y otra vez, trabajando así mas de 15 horas diarias por varias semanas, el estrés fue tanto que habían veces que los miembros se encerraban en los cuartos de los sets de grabación. El incansable Corgan y el productor Butch Vig (quien fue su mano derecha en el proceso de grabación y doblaje) fueron quienes terminaron toda la grabación, Corgan tuvo que tocar varias veces las partes de Iha y D'arcy ya que estos últimos no se presentaban en las grabaciones finales, hay algunas canciones que se editaron con varios sonidos de guitarra (por ejemplo en "Soma" se pueden escuchar hasta 50 sonidos de guitarra diferentes que fueron editados para el álbum).

En cuanto a la temática de las canciones, se notan claramente los sentimientos que Corgan tuvo al escribirlas; el resentimiento, la tristeza y la depresión son los conceptos más visibles. "Cherub Rock" es un llamado de atención a cómo los medios masivos explotaban la música indie/alternativa al punto de convertirla en un negocio; esta canción está compuesta por un increíble solo de Corgan, el magistral talento de Chamberlin también sale a flote para luego ser catalogado como un de los mejores bateritas de los noventas.

"Today" con su reconocido punteo, nos muestra con cierta ironía los momentos que la banda sufrió previamente al lanzamiento del álbum, las estrofas nos hablan con sarcasmo de la alegría de vivir, plasmada en la primeras líneas de la canción "Today is the greatest day i've ever known", contrastando luego con el coro y sus letras oscuras, donde prácticamente el autor se autodestruye. Esta canción fue escrita cuando Corgan tenía en mente el suicidarse.

"Disarm", más acústico y con el uso de un cello y un violín, es una de las canciones más personales de Corgan, hablando de su niñez, la relación con sus padres y su depresión, la canción fue en un inicio censurada en el Reino Unido por su oscura letra: "The killer in me is the killer in you" o "cut that little child" generaron controversia en el sector conservador, sin embargo, con la censura, el tema fue un éxito y fue uno de los más queridos por los fans.

"Rocket" con un un buen riff que se repite a lo largo de la canción, nos muestra metafóricamente las ganas que Corgan tuvo de sobresalir con su banda siendo un "cohete" que vuela a las estrellas. "Geek U.S.A." sin duda la canción mas fuerte del disco, personalmente es una de las mejores performances de bateria que haya escuchado, perfectas y precisas en todo momento, igualmente el solo de Corgan es excelente, el tema es una construcción musical 100% hard rock.

"Soma", escrita por Corgan e Iha, es una de esas canciones que sólo los fanáticos la han escuchado, ya que no fue lanzada como single, tal vez una de las mejores trabajadas en el disco, con un comienzo lento que va en aumento y luego otra vez desciende, el solo de Corgan es (otra vez) excelente, el uso de efectos fue la clave para la realización del tema, siempre se van a escuchar cortos sonidos de fondo, quiebres precisos. El nombre de la canción hace referencia a una antigua droga que fue leída en un libro por Corgan, comparándola así con las complicaciones de las relaciones amorosas (tan peligrosas y relajantes como el opio, segun Corgan).

(Mi versión familiar del Siamese Dream)

Finalmente puedo decir que este fue el álbum que logró sacar del fondo a una banda que lo merecía, es una de las mejores combinaciones de guitarra-bateria que jamás haya escuchado, y sin duda, un impulso a lo que luego vendría, el "Mellon Collie & the Infinite Sadness", el mayor momento de inspiración y éxitos de una de las mejores bandas de los noventas.

Lista de canciones:

1. Cherub Rock – 4:58

2. Quiet – 3:41

3. Today – 3:19

4. Hummer – 6:57

5. Rocket – 4:06

6. Disarm – 3:17

7. Soma – 6:39

8. Geek U.S.A. – 5:13

9. Mayonaise – 5:49

10. Spaceboy – 4:28

11. Silverfuck – 8:43

12. Sweet Sweet – 1:38

13. Luna – 3:20

Aquel 9 de febrero en The Cavern con The Beatles

Contrario a lo que cientos de medios de comunicación digan, la primera presentación de The Beatles NO fue en el popular y legendario bar "The Cavern". Sin embargo, fue ahí donde el cuarteto de Liverpool se hizo famoso en toda Inglaterra, fueron vistos por primera vez por su productor Brian Epstein y comenzaron a dar grandes pasos antes de grabar su primer disco, "Please Please Me".

La primera presentación de The Beatles en "The Cavern" fue el jueves 9 de febrero de 1961, hace ya 50 años. En esa ocasión el grupo había estado haciendo funciones en Hamburgo, Alemania en los clubes Idra y Keiserkeller. Desde ese jueves santo, la banda ofreció alrededor de 292 tocadas hasta alejarse del club a mediados de 1963 por su gira norteamericana.

No obstante, Lennon y McCartney ya habían estado tocando en el club desde 1958 con su anterior banda The Quarrymen, haciendo covers de Elvis y tocando algunos temas propios. Luego de la creaci{on de The Beatles retornaron con toda la furia aunque en esa primera presentación no estuvo Ringo sino Andy White (primer baterista de la banda hasta poco antes del lanzamiento del primer disco)... dato curioso que vale la pena mencionar.

Ahora hablemos del club en sí, The Cavern es literalmente lo que su nombre representa: un antro subterraneo con tres túneles conectados que se solía utilizar para conservar vinos a inicios de los años 50. Luego, el 7 de agosto de 1957 se inauguró este peculiar bar donde, además de lanzar a la fama a The Quarrymen y The Beatles, albergó tocadas de otras populares bandas inglesas como The Rolling Stones, The Yardbirds, The Hollies, The Kinks, The Who, Queen, Elton John, etc.

Hoy en día el club luce muy diferente a ese de 50 años atrás, reconstruido y modernizado pero con la misma vibra que en esos años... ¡Larga vida a The Cavern y The Beatles!.

John Lennon: La leyenda a 30 años de su muerte

A veces me pregunto si es que John Lennon estuviese vivo, ¿el mundo sería mejor?... La paz que emanaba, esa aura increíble que muchos confunden con hippismo descarado, ese hombre vestido de blanco junto a su amada e inseparable pareja, echados en esa cama igual de blanca donde hacían el amor todos los días. John Lennon, al final de sus días, era más un activista que un músico, al punto que fue investigado por el FBI por ser considerado un presunto espía soviético (para que vean que la paranoia existía en los Estados Unidos mucho antes de WikiLeaks).

Pero centrándonos más en la pregunta del comienzo, la respuesta es simple y llanamente 'NO'. Lennon pudo haber sido el Dalai Lama de occidente, pero más que un hombre de paz y amor, era un hombre de música. Ese arte que el interpretaba tan bien desde los años 50, cuando empezó a inspirarse en Elvis y The Shadows para crear un sonido diferente, radical y juvenil.

Luego llegó la beatlemanía, los increíbles tiempos de experimentación a fines de los 60 y una impecable carrera solista interrumpida violentamente el 8 de diciembre de 1980 en la puerta de su departamento de Nueva York.

Hoy Lennon es considerado un héroe musical y social de nuestro tiempo. Sin embargo, ese calificativo fue totalmente rechazado por el artista en una entrevista que realizó para la revista Rolling Stone, días antes de su muerte: "No me interesa ser una mierda de héroe muerto… olvídalo", fueron las palabras del beatle el cinco de diciembre, tres días antes. No obstante procuremos que esa frase no se cumpla, Lennon podrá ser un héroe pero nunca morirá.

* No voy a poner 'Imagine' o 'Woman' porque van a haber cientos de blogs y páginas que las van a poner, el tema que elegím es "God", un tema nada religioso que va más a la creencia de uno mismo y de su pareja.

Woody Allen, ese delgado-neurótico-judío/ateo-maestro del cine... y de la música

Hoy, 1 de diciembre del 2010, se cumplen 75 años del nacimiento de Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, director de cine, escritor, actor, dramaturgo, músico, neurótico/paranoico, pero sobre todo, un maestro que dejó plasmado su legado en cintas de 35 mm. uno de los directores más influyentes de los últimos 50 años.
Allen ha participado hasta la fecha en 60 películas, de las cuales ha dirigido 46, un número increíblemente alto, pero que es comprensible, ya que desde 1992 ha dirigido por lo menos una película por año (y, según él, lo seguirá haciendo).
Filmes muy personales que prácticamente retratan su vida y sus principales intereses: las mujeres, las relaciones, las infidelidades, la muerte, la religión judía, Manhattan, el cine, el jazz, el psicoanálisis y el sexo. Aunque también toma influencias de otros grandes maestros del cine como Ingmar Bergman, Federico Fellini y Groucho Marx.
Sin embargo, una de las tantas pasiones de Woody es la música, fanático acérrimo del jazz, es un prodigioso clarinetista que toca seguidamente en pubs y hoteles de su querida Manhattan. Ocasionalmente acude junto a su banda a festivales internacionales de jazz. Su estilo es más pegado al clásico jazz de Nueva Orleans, el dixieland de Jelly Roll Morton, que luego sería reivindicado por Louis Armstrong en los años 40.
A veces me pongo a pensar que tremenda agrupación pudo haber sido si Woody se hubiese dedicado a full a la música en lugar del cine. No importa, la banda es impecable y lo suyo en verdad es el séptimo arte y no el cuarto, aquí un video de una de sus tocadas:

Serú Girán.... y nada más

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

Almendra y el disco que revolucionó al rock sudamericano

Tan sólo 2 años habían pasado desde la primera revolución del rock en español. Los Gatos, con su líder Litto Nebbia, lanzaron su primer álbum con un nuevo sonido proveniente del norte, muy raro y tal vez prematuro para las personas que no conocían este tipo de música, pero ya era tiempo de que nazcan bandas así.

Junto a Los Gatos en 1967, vino Manal, un poco más bluesera pero con claras influencias de Cream; y junto a estas dos se sumó Almendra, más folk rock pero con algunos arranques hard rock. Éstas tres bandas fueron las precursoras del rock argentino, o mejor dicho del rock sudamericano.

Luis Alberto Spinetta para ese tiempo se perfilaba como uno de los más grandes artistas de la Argentina, músico autodidacta con un gran intelecto respresentado por la poesía lírica de las letras de sus temas. Dichos temas fueron lanzados en 1968 (año en que Manal también lanzaría sus primeras canciones), sus dos primeros singles "Tema Del Pototo / El Mundo Entre Las Manos" y "Hoy Todo El Cielo En La Ciudad / Campos Verdes" fueron un éxito rotundo por el refinado estilo musical y sus hermosas letras. Para 1969 ya contaban con innumerables presentaciones y seguidores en toda la Argentina, por lo cual las modestas y poco avanzadas discográficas de la época ofrecieron a toda costa ofertas para la producción de un álbum, el cual también se convertiría en otro éxito instantáneo que los llevó inmediatamente a la producción de un segundo disco.

No me explayaré demasiado y en esta oportunidad hablaré exclusivamente del primer disco de la banda comenzando con su tema más celebrado. "Muchacha (Ojos De Papel)", un temazo considerado hoy como una de las mejores canciones de rock argentino de todos los tiempos, acompañado por una guitarra acústica, la letra es una de las más hermosas jamás escritas por Spinetta:

"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?
Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más.
Quédate hasta el alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón no corras más.
Tu tiempo es hoy".

"Figuración" narra una historia en segunda persona, un llamado directo al personaje (algo muy raro en la letra de una canción, incluso si hablamos de canciones en otros países), el tema es acompañado con una suave flauta y guitarra acústica jugando con pronunciados quiebres.

"Ana No Duerme" y "Color Humano" son temas con influencias hard rock, donde el guitarrista de la banda, Edelmiro Molinari, demuestra su virtuosismo en su instrumento, sobre todo en el larguísimo solo del segundo tema mencionado.

"Que El Viento Borró Tus Manos" es un jazz marcado por los precisos acordes de piano y la hermosa flauta despues de cada estribillo. Este tema nos hace ver las diversas influencias de la banda en cuanto a estilos.

"Laura Va", la entrada de violines que se prolongan hasta el final del tema y la entrada de un acordeón y flauta, muy parecida a la construcción musical del clásico tango argentino, combinada con la hermosa lírica hace de este tema uno de los más celebrados por el público de la época.

Luego de las incontables giras de la banda, ésta terminó separándose por desacuerdos entre los integrantes, cada uno tomaría su rumbo, pero Spinetta sería el que tendría un futuro mucho más fructífero, formando su carrera solista y siendo líder de importantísimas agrupaciones del rock de su país como Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade; de los cuales hablaré en otra ocasión sin lugar a dudas.

Lista de canciones:
01. Muchacha (Ojos De Papel) - 03:07
02. Color Humano - 09:13
03. Figuración - 03:32
04. Ana No Duerme - 02:47
05. Fermín - 03:21
06. Plegaria Para Un Niño Dormido - 04:03
07. A Estos Hombres Tristes - 06:01
08. Que El Viento Borró Tus Manos - 02:38
09. Laura Va - 02:53

En muchas ediciones, el disco viene con los cuatro temas de sus dos primeros singles y otros temas póstumos al álbum, sumando un total de 20 canciones.

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Nick Drake, el mártir olvidado del folk

Si tienen la suerte de conocer a este santificado cantautor entonces tienen mi consideración y respeto absoluto, en caso contrario, esta es la mejor oportunidad para conocer a uno de los más grandes personajes que este magnifico arte de las musas nos ha dado.

Si Jeff Buckley (o Kurt Cobain para los que levantaron una ceja) nos abandonó prematuramente en la década de los 90's y el melancólico Ian Curtis en los 80's, Nick Drake se gana la posición de "genio musical con trágica muerte a temprana edad" en la década de los 70's, y aunque muchos discrepen de ello, no hay figura musical que se le compare y que comparta un final tan triste como él.

De padres ingleses, Nick Drake nació el 19 de junio de 1948 en Birmania. ¿Birmania?. Si, Birmania, tierra muy lejana en la que vivió una parte de su infancia debido a que su padre, Rodney Drake, trabajaba en una empresa de ese país. Nick comenzó a interesarse por la música en sus años de escuela, dejando de lado sus estudios y su relación con sus compañeros, formó una pequeña banda y luego se compró su primera guitarra acústica con la cual iba a iniciar sus primeros experimentos de acordes.

Drake Ingresó a la universidad de Fitzwilliam en 1966, ahí empezó a ingerir drogas y a su vez a descubrir a los grandes músicos de la escena folk norteamericana. Drake se entusiasmó tanto que comenzó a compomer sus primeras canciones y a explotar los diferentes sonidos que podía crear con su guitarra afinando y desafinando cuerdas. La joven promesa se presentaba en clubes londinenses demostrando su talento hasta que fue descubierto por Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention. Hutchings introdujo a Drake a la industria musical y le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien se encargó de lanzar la primera de sus tres obras maestras.

"Five Leaves Left" de 1969 revivió el folk escuchado a inicios de los 60's y lo fusionó con exquisitos arreglos orquestales de cuerda y viento, pero sin dudas el instrumento que prima es la guitarra acústica y sus innovadores acordes y afinaciones, parece en momentos que hay dos guitarristas tocando, pero en realidad es un acorde de guitarra con clústeres tonales.

Al año siguiente Drake lanzo su segundo LP tirulado "Bryter Layter", mucho más rico en intrumentación, los arreglos orquestales son acompañados ahora con saxo, piano y hasta una guitarra eléctrica en algunos temas, pero sin duda el plus del disco es que como artista invitado estaba el genial John Cale, ex integrante de la Velvet Underground, tocando el órgano y la viola.

Su último trabajo fue en 1972 titulado "Pink Moon", al estar descontento con el resultado de "Bryter Layter", Drake optó por un sonido minimalista, en tan solo dos sesiones de grabación el genio compuso los 11 temas del disco, los cuales contaban con solamente su guitarra y su voz, con una introducción de piano en el buenísimo tema homónimo. A pesar de ser diferente a sus otros dos lanzamientos este disco es increíblemente hermoso en toda su simplicidad, perfecto para hacer el amor en una noche de cielo desejado, se los recomiendo mucho.

Luego de lanzar su tercer disco, Drake se retiró de la música y cortó lazos con todos sus conocidos al ir a vivir con sus padres, estaba exhausto y muy deprimido, la fama y fortuna le eran esquivas a pesar de su gran talento, rápidamente se quedó sin dinero y cuando pensaba volver al mundo musical para grabar su cuarto disco sucedió la tragedia.

Nick Drake falleció el 25 de noviembre de 1974 en la casa de sus padres debido a una sobredosis de antidepresivos, fue encontrado en su tendido en su cama y aunque no se encontró una nota de suicidio, los investigadores del caso creen que debido a sus cuadros de depresión crónica, Drake solo necsitaba apretar el gatillo, tenía tan solo 26 años

En los años póstumos Drake siguió siendo un músico poco conocido, pero a fines de los 70's comenzó a tener varios seguidores a tal punto de convertirse en una figura de culto. En los 90's el nombre de Nick Drake se hizo mucho más popular al ser publicado en revistas, periódicos, reediciones de discos y películas documentales, donde finalmente su música fue valorada con todo merecimiento.
Con tan solo cuatro años de carrera musical y 3 discos en su haber nunca tuvo un gran éxito comercial y por ello no fue tan famoso o valorado en su tiempo como lo es ahora. Drake ha inspirado a artistas como R.E.M., The Cure, Elliot Smith, etc. y es pieza clave en la historia de la música no solo folk, sino en la historia de la música mundial.

Aquí les doy los links de descarga de sus tres discazos, sé que por respeto, y es obvio decir, que una vez escuchados los borren, si les gusta mucho cómprenlos, será un pequeño aporte y tributo al legado de su hermosa música:

1969 - Five Leaves Left

Descargar "Five Leaves Left"

1970 - Bryter Layter

Descargar "Bryter Layter"

1972 - Pink Moon

Descargar "Pink Moon"

The Wall: 30 años de construída

30 años no se cumplen en vano, para el ser humano es la edad en la que uno ya empieza a pensar en que ya se está volviendo viejo, pero para un disco de música es simplemente una confirmación de su trascendencia. Pero me explico mejor, cualquier disco puede cumplir 30 años y ser pasado por alto, pero estamos hablando de EL DISCO. El 30 de noviembre de 1979, cuando el progresivo ya parecía extinguirse salió su último gran respiro para decirle hasta siempre a la década que lo vio brillar en su máximo esplendor... despúes de este disco, Pink Floyd y todas las bandas de su generación no volvieron a ser más las mismas y quedaron atrapadas en las crueles redes de la música sintetizada de los 80's, triste pero cierto, nuevas bandas salieron, un nuevo mainstream surgió y colorín colorado... Sin embargo los fanáticos y los no tan fanáticos recuerdan ese temita tan sonado -we don´t need no education- y todos los demás 25 temas de este maravilloso disco doble -we don't need no thought control- ahora daré mi pequeño tributo celebrando sus treinta, sin oscuros sarcasmos en la clase...

Comenzando en decir que es una obra maestra absoluta de la música moderna, esta ópera rock de dos discos escrita casi en su integridad por Roger Waters, es uno de los discos conceptuales más perfectos y completos jamás escritos, y llega casi al límite de trascender sobre la misma música del compacto.

El álbum nos cuenta la historia de "Pink", un estrella de rock que debido a sus traumas de niñez por la temprana muerte de su padre, la sobreprotección materna y la castrante educación escolar, construye simbólicamente un muro a su alrededor alejándose así de todo contacto humano y volviéndose un personaje autodestructivo que fantasea con un mundo de violencia y anarquía.

El disco (y la historia) comienza con "In The Flesh?" un tema donde predomina una guitarra con punteos fuertes y marcados, la letra nos da la bienvenida al "show" y termina con los llantos de un bebé recién nacido: Pink.

Los dos siguientes temas "The Thin Ice" y "Another Brick In The Wall (Part 1)" nos narran cómo Pink afrontó la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial. En el primer tema en mención Pink todavía era un niño y no tenía juicio para reconocer la muerte de su padre, pero en el segundo tema ya es capaz de comprenderlo y cae en depresión poniendo así los primeros ladrillos en el muro.

"Another Brick In The Wall (Part II)", el himno de protesta de la música rock (ya todos conocen su letra y su gran solo de guitarra), aquí Pink pone más ladrillos en el muro debido a la represión que sufría en la escuela y crea también sus primeros pensamientos destructivos al fantasear con echar abajo la escuela.

La hermosa "Mother" que con cierto sarcasmo Waters canta con voz melodiosa las castrantes y sobreprotectoras manías de la madre de Pink: "...Hush now baby, don't you cry / Mama's gonna make all of your nightmares come true / Mama's gonna put all of her fears into you / Mama's gonna keep you right here under her wing / she won't let you fly but she might let you sing...". La segunda parte del primer disco nos cuenta cómo Pink se casa y se vuelve una estrella de rock, pronto cae de nuevo en la depresión cuando su esposa lo engaña terminando así de construir el muro.

"Hey You" con su hermoso arpegio inicial y los buenos solos de Gilmour cuentan cómo Pink se arrepiente de construir el muro y observa que le es imposible escapar de su encierro. Al mantenerse encerrado del mundo y la sociedad, Pink comienza a perder la razón, y por primera vez se mencionan a "The Worms -los gusanos-" personajes que participarían luego como causantes de sus síntomas de locura, de allí en una linea del tema se menciona: "And the worms ate into his brain".

"Comfortably Numb" una de las mejores canciones del disco, el diálogo de Pink y su doctor excelentemente interpretado vocalmente por Roger Waters y David Gilmour respectivamente, junto con uno de los mejores solos de guitarra jamás tocados. Aquí Pink hace un repaso de toda su vida para intentar salvarse, pero finalmente colapsa y es llevado de emmergencia al hospital.

La trilogía "In The Flesh", "Run Like Hell" y "Waiting For The Worms" representan la locura de Pink y su mundo de fantasía con "The Worms", un grupo radical facista del cual Pink es el lider, su propósito es renacer a Britania con toda su pureza, aniquilando así a todos los homosexuales judios, negros, etc. Por supuesto esta es una concepción totalmente diferente a la de Pink, su demencia llega al límite y por ello en el tema "Stop" quiere saber si es el culpable de su encierro.

"The Trial" una de los temas más ambiciosas del disco, la música deja de ser progresiva para ser puramente sinfónica, la banda toma prestado los servicios de la sinfónica de Nueva York para tocar este tema en el cual Pink enfrenta a todos sus traumas en un autojuicio. Su madre, su profesor y su ex esposa se presentan atemorizándolo y finalmente, el juez lo acusa de hacer crímenes contra sí mismo, por ello decreta el derrumbe del muro, por lo cual Pink queda libre de todo aislamiento. *

Como muchos lanzamientos dobles, hay partes del álbum que pueden llegar ser tediosas, pero sin duda hay partes destacables. Aunque musicalmente no sea superior a anteriores trabajos como "Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here"; "The Wall" se destaca más por la historia que cuenta, no es un disco conceptual de temas diversos (como por ejemplo de sentimientos o temas sociales) , sino es una historia con principio y final, con un personaje principal que vive diversas situaciones. Nunca antes se había creado una historia tan completa para ser narrada en un disco, tal vez el "Tommy" de The Who y el "The Lamb Lies Down On Broadway" de Genesis pueden ser los más semejantes, sin embargo ambos discos no narran una historia tan concreta y abierta como la apreciada en "The Wall".

La música de este disco puede llegar a ser muy densa y se puede notar que en muchas partes se da más cabida al concepto del disco más que a la música en sí, esto es algo que llega ser una característica en la carrera de Waters solista así como en sus últimos discos con Pink Floyd, y fue precisamente a finales de los 70's en que comenzaban a haber grandes disputas entre los miembros de la banda, ya que Waters tomaba el protagonismo completo del disco escribiendo casi todas las canciones (como así también fue en el "Animals", 1977).

Luego de "The Wall", Richard Wright se marcharía de la banda y solo regresaría hasta la salida de Waters en 1985. Por su parte Waters haría un último disco formando parte de Pink Floyd ("The Final Cut", 1981) para luego seguir con su carrera solista.

* Gracias a Daniel Paz-Soldán por dejarme citar algunas notas de su tesis "Psicoanálisis de The Wall".

Lista de canciones:
CD 1:

1. In the Flesh? - 3:18

2. The Thin Ice - 2:28
3. Another Brick in the Wall (Part I) - 3:41)
4. The Happiest Days of our Lives - 1:21
5. Another Brick in the Wall (Part II) - 3:56
6. Mother - 5:32
7. Goodbye Blue Sky - 2:48

8. Empty Spaces - 2:06

9. Young Lust - 3:29

10. One of My Turns - 3:37

11. Don't Leave Me Now - 4:22

12. Another Brick in the Wall (Part III) - 1:17
13. Goodbye Cruel World - 1:05

CD2:
14. Hey You - 4:41
15. Is There Anybody Out There? - 2:40

16. Nobody Home - 3:25

17. Vera - 1:39

18. Bring the Boys Back Home - 0:51

19. Comfortably Numb - 6:49

20. The Show Must Go On - 1:37

21. In the Flesh - 4:17

22. Run Like Hell - 4:23

23. Waiting for the Worms - 3:56
24. Stop - 0:33

25. The Trial - 5:18

26. Outside the Wall - 1:42

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Zeuhl: El Lado más Extraño del Rock

Tal vez nadie haya escuchado esa palabra, pero valga decir que esta no es tan solo una palabra común y silvestre, Zeuhl es para algunos la palabra más consagrada del la lengua Kobaiana... Y ahora ustedes dirán ¡¿Pero qué demonios es la lengua Kobaiana y que carajos es Zeuhl?!, bueno, sin más preámbulos prepárense para conocer, sin lugar a dudas, el lado más extraño de la música rock...

Zeuhl es un subgénero del rock progresivo que, adémas de tener la clásica combinación de' rock-jazz-música docta', adopta diversos elementos de otros subgéneros musicales como por ejemplo el 'fusion' (de bandas como Mahavishnu Orchestra pero sin el virtuosismo guitarresco) y el noeclasisismo (de músicos de inicios del siglo XX como Stravinsky o Debussy, pero desde luego y valga la redundancia, sin el virtuosismo de aquellos maestros).

Los dos elementos ya mencionados marcan una diferencia con el rock progresivo "clásico", ya que el género fusion es, como lo dice su nombre, una fusión de jazz con otros géneros musicales (ya sea rock, folk, electrónica, etc.), es totalmente instrumental y opta por la improvisación y músicos de alto nivel de virtuosismo, como lo fueron los grandes músicos del 'Free Jazz'.

Sin embrago esas no son sus características más resaltantes, ya que han existido y hasta hoy existen (aunque en menor medida) bandas con esas características. El Zeuhl se llega a distinguir por medio de la voz, es decir, que este subgénro tendría otras dos características que lo aislarían por completo de todo tipo de música habida y por haber hasta llegar a ser considerado por algunos como un género musical independiente. Estas características son, en primer lugar, la utilización de cánticos tribales africanos y, en segundo lugar, la utilización del idioma Kobaiano.

La lengua Kobaiana es para los fánaticos del Zeuhl lo que es el klingon para los fanáticos de Star Trek, es una lengua artificial creada por Christian Vander, baterista del grupo Magma, banda creadora del Zeuhl. Tras la muerte de John Coltrane en 1967, Vander consideró que era inadmisible tocar jazz trás tremenda pérdida, por ello decide crear su propio estilo juntando el jazz de John Coltrane, el neoclasisismo de Igor Stravinsky y el rock de Frank Zappa, basándose así, según Vander, en tratar de alcanzar la perfección musical buscando el 'Zeuhl'. Traducción de Kobaien-Español, Zeuhl = Celestial

Magma es la banda más reconocida del Zeuhl, y tendría que serlo ya que fue la que lo creó hace ya 40 años en Francia, tierra del amor, del baguette, del queso y desde 1969, del Zeuhl. Sin embargo después de una enorme cantidad de discos producidos, podemos ver que el estilo de esta banda es muy cambiante, pero de ello también se trata el concepto de esta: la eclecticidad. Vander puede tener una gran similitud con Robert Fripp (líder de King Crimson) por ir cambiando de tiempo en tiempo los integrantes de la banda para que estos le den un aire más fresco y renovador, por ello podemos ver la gran variedad de músicos, no solo franceses sino de Europa en general, tales como: Yannick Top, Didier Lockwood, los hermanos Paganotti, etc.

Pero es necesario afirmar que el Zeuhl no vive solamente gracias a Magma, en los años 70's y 80's se han creado bandas que le pagan un tributo a Vander y compañía como creadora de este estilo tales como la genial Dün, que crea un Zeuhl un poco más apasible a los oídos o también Koenjihyakkei, banda japonesa creada en los 90's y que hasta ahora sigue tocando su extraña pero interesante música. Es justamente en estos dos países, Francia y Japón donde se pueden encontrar bandas Zeuhl, otras que puedo mencionar son: Art Zoyd, Eskaton y Ruins.

Quiero afirmar que el Zeuhl es un subgénero no apto para personas que recién empiezan a escuchar progresivo y mucho menos a personas que escuchan música pop, el Zeuhl es muy experimental, más allá de los límites de Zappa, y muy selecto, tanto así de ser clasificado como música de culto. Sin embargo, si te animas a escuchar, acá dejo tres discos imprescindibles del Zeuhl:

Magma - Mekanik Destruktiw Kommandoh (o "M.D.K.")

1. Hortz Fur Dëhn Stekëhn West (9:34)

2. Ïma Sürï Dondaï (4:28)
3. Kobaïa Is De Hündïn (3:35)
4. Da Zeuhl Wortz Mekanïk (7:48)
5. Nebëhr Gudahtt (6:00)
6. Mekanïk Kommandöh (4:08)
7. Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn (3:14)
Bonus Track:
8. M.D.K. - Alt. Version (*) C. Vander (34:35)

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Dün - Eros

1. L'Epice (9:25)
2. Arrakis (9:36)
3. Bitonio (7:09)
4. Eros (10:17)
5. Bitonio (alternate) (10:20)
6. Arrakis (alternate) (5:07)
7. Eros (alternate) (7:11)
8. Acoustic Fremen (unreleased) (6:17)





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Koenjihyakkei - Angherr Shisspa

1. Tziidall Raszhisst (7:16)

2. Rattims Friezz (7:04)
3. Grahbem Jorgazz (4:08)
4. Fettim Paillu (4:24)
5. Quivem Vrastorr (4:24)
6. Mibingvahre (4:10)
7. Angherr Shisspa (6:37)
8. Wammilica Iffirom (8:39)

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... y eso que no pongo la trilogía de "obras maestras" de Magma, pero con M.D.K. es suficiente por ahora, aunque prometo que en el futuro hablaré más a fondo de esta banda.

40 Años en la Corte del Rey Carmesí

El 10 de octubre del año 1969 salió al mercado el disco que se convertiría en la primera obra maestra de King Crimson, este disco marcó una época y dio nacimiento a uno de los movimientos más grandes y sublimes de la música rock. Esta banda inglesa optó por una marcada influencia de blues, jazz y música clásica combinada con el rock de la época. Temas de larga duración, perfeccionismo en la instrumentación y gran variedad de instrumentos, sobre todo sinfónicos, caracterizaban a este disco que, en su tiempo, era una total extrañeza musical.

Considerado en sus inicios como un movimiento post-psicodélico, el estilo musical apuntaba a mucho más... por momentos era oscuro, por otros opuntaba a los silencios, luego a los estallidos de intrumentación y finalmente a sonidos armónicos. Discho estilo musical se bautizo al poco tiempo como rock progresivo, y si bien ya existían discos de rock progresivo antes de 1969, no se les conocia como tales hasta la creación de este disco, el precursor que abrió cientos de puertas y los introdujo al mainstream.

La genialidad del líder de la banda, Robert Fripp, que ya tenía una mediana carrera musical en donde experimentó combinando estilos de muchas maneras, finalmente salió con la propuesta de un rock semi-sinfónico. Junto a Greg Lake (futuro integrante de la súper banda "Emerson, Lake & Palmer"), el baterista Michael Giles (que junto a Fripp había iniciado su carrera musical en la banda "Giles, Giles & Fripp"), el vocalista Ian McDonald quien también tocaba los instrumentos de viento y, finalmente pero no menos inportante, Peter Sinfield, el genial compositor de la letra de las canciones.

La primera canción del disco "21st Century Schizoid Man", tiene un estilo hard rock más que cualquier otra cosa, fuertes y estridentes guitarras con una genial performance en la batería, pero sin embargo podemos escuchar trompetas, la voz sintetizada de Lake y un final sumamente bullicioso como pequeños razgos de lo que vendría en la segunda parte del disco.

"I Talk To The Wind" es una hermosa balada con influencias folk-rock donde predominan los intrumentos de viento muy bien tocados por McDonald, a pesar de lo bello del tema, este sigue sin demostrar el verdadero concepto del disco, el cual recién luciría sus dientes en la siguiente canción.

"Epitaph" es la clara referencia al nuevo estilo, los instrumentos sinfónicos acompañados con mellotron, un crescendo excelente, base de música jazz, y al igual que "Moonchild" se crean marcados silencios que luego son interrumpidos con explosiones de instrumentación.

Ahora 'el tema' es sin lugar a dudas la homónima "In The Court Of The Crimson King", su genial intro acompañados por la inspirada batería de Giles, los cambios de este tema son geniales, los solos instrumentales son perfectos, su falso final, y el mellotron tocado por Fripp hace de excelente acompañamiento con los instrumentos sinfónicos, la genial letra escrita por Sinfield es precisa para la música, oscura y épica que evoca lugares que solo pueden ser visitados por la imaginación: The purple piper plays his tune / The choir softly sing / Three lullabies in an ancient tongue /For the court of the crimson king.

Este es un disco que sin dudas me marcó, a pesar de ser uno de los primeros discos del progresivo, goza de una estupenda intrumentación envidiable para cualquier banda. Aunque el apetito experimental de Fripp hiciera que los demás integrantes de la banda se vayan y nuevos músicos vengan haciendo de King Crimson una de las bandas más eclecticas de todos los tiempos nunca se olvidará lo que este representa en el mundo de la música popular. A muchos les puede resultar fuerte, a otros aburrido, pero lo que se está escuchando es historia, una verdadera obra maestra.

Lista de canciones:

1. 21st Century Schizoid Man - 7:21

2. I Talk to the Wind - 6:06

3. Epitaph - 8:47

4. Moonchild - 12:11

5. The Court of the Crimson King - 9:25

* Este més se relanzó la remasterización del disco en tres diferentes formatos:
- 2 Cd's
- 1 Cd y 1 DVD
- 5 Cd's y 1 DVD (este formato hasta ahora no lo puedo creer)

Aquí un cover del tema "In the Court Of The Crimson King" tocado por John Wetton (ex bajista de Roxy Music), Steve Hackett (ex guitarrista de Genesis), Ian Macdonald y Chester Thompsons (ex baterista de la banda de Frank Zappa), mucha atención a la batería y el solo de flauta....