Frank Zappa & The Mothers Of Invention - Freak Out (1966)

Primer disco de la extensísima discografía de Frank Zappa junto a The Mothers Of Invention, lanzado originalmente como doble LP, esta ópera prima es considerada como uno de los discos más vanguardistas de todos los tiempos debido a su compleja musicalización y originalidad, pero también por ser uno de los primeros discos conceptuales producidos hasta la época.

The Mothers, originalmente llamada The Soul Giants, era una banda de chicos blancos que tocaban covers de música blues. Frank Zappa entró a mediados de 1965 en reemplazo del guitarrista principal y su presencia cambió radicalmente a la banda, desde el nombre hasta la propuesta musical (que llegó a ser la más ambiciosa de la época).

El género y estilo musical de The Mothers of Invention fue él más diferenciado y sobresaliente de finales de los sesentas, cuando la psicodelia empezaba a golpear fuertemente, la genialidad de Zappa brotó, no yendo en contra de la psicodelia sino, llevándola a su lado más oscuro y extremo. Sus métodos: una bizarra mezcla de sonidos instrumentales y vocales que jamás antes se habían hecho. Más que definirla simplemente como rock experimental, califico a este género como un tipo psicodelia vanguardista.

El concepto del álbum nos narra la perspectiva de la banda hacia la cultura pop norteamericana de modo satírico e irónico, mostrando así sus vicios, faltas y atrocidades, pero sin olvidar su lado positivo. Ejemplo de esto está el tema "Trouble Every Day", uno de los temas más rockeros del disco, que nos narra los problemas raciales y de violencia, y cómo los medios explotan esta información de manera negativa.

La compleja "You Didn't Try To Call Me", que a pesar de ser un tema pop, hace sobresalir el talento de Zappa en cuanto a composición musical se refiere. Dividida en pequeñas secciones que no se repiten creadas por arreglos al detalle y una extensa instrumentación, que incluye trompas, tubas y flautas.

"Anyway The Wind Blows" escrita por Zappa en 1963, fue originalmente un canción romántica influenciada por músicos de los años 50. El demo de esta canción fue rechazado por varias disqueras y tres años después pudo ver la luz en este disco, solo que con varios arreglos y efectos incorporados.

"Hungry Freaks, Daddy" con su entrada de bajo y sus buenos solos de guitarra nos cuanta la historia de Mister America, quien intenta protegerse de la enferma generación joven que infesta a su país con sus nuevas ideologías. Claramente un llamado de atención a las personas que ven a las nuevas generaciones con disgusto, pero sin perder la sátira característica de Zappa.

Y por último pero no menos importante, tengo que resaltar el tema de doce minutos "The Return Of The Son Of Monster Magnet", tal vez la más ambiciosa del disco, un collage de sonidos subtitulado "Unfinished Ballet in Two Tableaux: I. Ritual Dance of the Child-Killer; II. Nullis Pretii (No Commercial Potential)". La canción abre con un diálogo entre Suzy Creamcheese (personaje imaginario) y la voz de su conciencia preguntándole qué es lo que le ha pasado ("What's got into you?"). El tema fue grabado como una improvisación en un estudio donde Zappa juntó, además de los instrumentos básicos, un piano, vientos y, sobre todo, sonidos vocales con efectos de velocidad o sonidos sobrepuestos para finalizar con voces en velocidad aumentada repitiendo la palabra "creamcheese". El tema nunca se pudo terminar y fue lanzado incompleto. El objetivo del extenso tema fue dar la impresión de que habían locos sueltos en el estudio de grabación, aunque la misión no fue del todo cumplida, el tema fue alabado por músicos de vanguardia. Ante la desilución de Zappa de no poder culminarla, hizo al año siguiente un trabajo parecido pero más complejo en el álbum "Lumpy Gravy".

Cabe resaltar finalmente que éste disco es uno de los más vanguardistas de la historia, y lo seguirá siendo no importa lo que pase. Uno de los primeros discos dobles, uno de los primeros discos conceptuales, uno de los primeros discos de rock experimental. Pero también es destacable la influencia que tuvo... con tan solo decir que sirvió de empuje para la creación de la obra maestra de los Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Heart's Club Band" ya es suficiente.

Frank Zappa siguió con The Mothers of Invention hasta mediados de los 70's pero siguió con una prolífica carrera solista, donde produjo innumerables discos de rico material musicla, donde se mezclan los gñeneros y se experimenta con los diversos estilos musicales. Vale la pena darle algunos minutos para escuchar a este, el padre del rock experimental.

Lista de canciones:
LP 1, lado 1:
1. Hungry Freaks, Daddy – 3:32
2. I Ain't Got No Heart – 2:34
3. Who Are the Brain Police? – 3:25
4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder – 3:43
5. Motherly Love – 2:50
6. How Could I Be Such a Fool? – 2:16

LP 1, lado 2:
7. Wowie Zowie – 2:55
8. You Didn't Try to Call Me – 3:21
9. Any Way the Wind Blows – 2:55
10. I'm Not Satisfied – 2:41
11. You're Probably Wondering Why I'm Here – 3:41

LP 2, lado 1:
12. Trouble Every Day – 5:53
13. Help I'm a Rock – 8:37
a. Okay To Tap Dance
b. In Memoriam, Edgar Varèse
14. It Can't Happen Here

LP 2, lado 2:
15. The Return of the Son of Monster Magnet – 12:22
a. Ritual Dance of the Child-Killer
b. Nullis Pretii (No Commercial Potential)

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"Rain Dogs" de Tom Waits (1983)

A Tom Waits se le puede considerar como uno de los músicos más versátiles que hayan pisado el planeta, su música va desde el jazz a lo experimental, y con su inigualable voz ronca crea de por sí un estilo muy personal.

Su música, alejada por completo de lo comercial, pero aun así con grandes reconocimientos en cuanto a la crítica se refiere, comenzó a flirtear con la experimentación precisamente a mediados de los ochentas, cuando se sentía decepcionado de la música de ese tiempo, saturada con el uso del sintetizador, donde muchos músicos dependían totalmente de ello convirtiéndolos en artistas mediocres. 

La respuesta de Waits ante el sonido electrónico de la época fue en su anterior disco llamado "Swordfishtrombones" de 1983, pero llego a ser un manifiesto con "Rain Dogs" en 1985, estas propuestas musicales abandonan el uso del sintetizador y los efectos de doblaje de los estudios para llenar la musicalización con una gran gama de instrumentos "organicos" (y los llamo así por ser la contraparte de electrónicos) que, además de las básicas guitarras, bajos y baterías, utiliza acordeones, trompetas, trombones, tubas, contrabajos y demás.

Éste tipo de experimentación no-electrónica no se hacía desde los tiempos en que Bob Dylan se volvió rock-star, después de estó las demás bandas han creado nuevos sonidos con una pequeña ayuda de sonidos electrónicos, pero como afirmaba Waits, a inicios de los ochentas ya se había llegado al exceso.

"Rain Dogs" llega a ser chocante si no se conoce mucho de la carrera musical de Waits (que se extiende desde 1973), con influencias de jazz, blues y folk, éste cantautor crea un rock tan matizado que cada una de las canciones de éste álbum llega a representar cada una de sus etapas musicales, por ello muchos críticos entran en un dilema en encasillar a éste disco en un género o estilo musical: "Time" es una suave balada folk, "Union Square" parece un rockabilly cincuentero, "Anywhere I Lay My Head" es un gospel apasionado, "Walking Spanish" parece un jazz-impro de Louis Armstrong y "Cementery Polka" parece la más extraña canción circense.

No entreré a detallar los temas del disco, como ya dije es una producción sin género definido, pero aún así es uno de los mejores trabajos musicales de los ochentas, un disco fuera de época que se enfrentó sin miedo al mainstream y logró ganar varios seguidores.

"Rain Dogs" es un álbum de vanguardia por excelencia, representa la escencia musical de Tom Waits y lo lleva al clímax de su carrera artística. Hoy en día se le consiera como uno de los músicos mas importantes del siglo XX, y no es para exagerar. Músicos como Bob Seeger, Tori Amoss y hasta la hermosísima Scarlett Johanson, en su disco debut, han hecho sendos covers de las canciones de éste álbum y toman a Waits como gran influencia en su música. Sorprendente disco y recomendadísimo para cualquier melómano que desee adentrarse a la música experimental.

Lista de canciones:

1. Singapore – 2:46

2. Clap Hands – 3:47

3. Cemetery Polka – 1:51

4. Jockey Full of Bourbon – 2:45

5. Tango Till They're Sore – 2:49

6. Big Black Mariah – 2:44

7. Diamonds & Gold – 2:31

8. Hang Down Your Head – 2:32

9. Time – 3:55

10. Rain Dogs – 2:56

11. Midtown – 1:00

12. 9th & Hennepin – 1:58

13. Gun Street Girl – 4:37

14. Union Square – 2:24

15. Blind Love – 4:18

16. Walking Spanish – 3:05

17. Downtown Train – 3:53

18. Bride of Rain Dog – 1:07

19. Anywhere I Lay My Head – 2:48 

"The Spirit Of Eden" de Talk Talk (1988)

Tras una larga y reconocida carrera inmersos en el género new wave y synthpop, Talk Talk tomaría un giro de 180 grados y sorprenderia (y en algunos casos defraudaría) a sus miles de fanáticos. Mark Hollis, lider multinstrumentalista de la banda siempre estuvo interesado en los sonidos minimalistas, o mejor dicho en el silencio, la mínima cantidad de instrumentación, pero que a la vez es precisa y goza de perfección.

Hastiado de los sonidos eléctronicos y despreciando totalmente el uso del sintetizador, Hollis y compañía emprendieron lo que llegaría a ser un disco pionero del género post-rock, la experimentación y cambio más radical que tendría cualquier banda new wave en toda la historia. Se optaron por sonidos orgánicos y no electrónicos combinando así rock, jazz, música clásica, minimalismo y la emergente música ambiental. Ante tal combinación de géneros muchos de los críticos que alabaron el álbum bautizaron a este nuevo estilo musical con el nombre de "post-rock", genero que con el paso de los años sería uno de los más poderosos en la música no comercial.

Debido al gran éxito de su anterior disco "The Colour Of Spring" y la gran cantidad de ventas que tuvo dicha producción, la banda tuvo presupuesto suficiente para grabar un disco "diferente", dejaron de lado los sintetizadores y en lugar de depender de rápidos y repetitivos arreglos o construcciones se optaron por largas horas de improvisación que la banda aprovechaba al máximo.

La productora del disco, EMI, dejó una total libertad y tiempo de grabación a la banda, si embargo el tiro salió por la culata. El disco no fue nada comercial, por más que los críticos endiosaron el álbum, los fanáticos no respondieron de manera positiva, las ventas decayeron precipitadamente y al parecer eso no le importaba a los miembros de la banda , quienes optaron también por no hacer ninguna gira para promocionar el disco. Lo más gracioso del tema es que EMI demandó a la banda por hacer "un disco poco comercial", caso que terminó siendo rechazado.

EMI tenía razón en decir que el disco es poco comercial, pero ¿quién dice que lo poco comercial es malo?, de por sí la atmósfera que construye Talk Talk es tan fuerte y tan relajante a la vez, repleto de temas caracterizados por su volatilidad e intensidad, explora temas tal vez demasiado profundos que solo pueden ser entendidos por medio de la música y no de la letra.

"The Rainbow" donde predomina el silencio con pequeñas entradas de saxofón llega a una pequeña explosión donde se conjugan la guitarra eléctrica de Tim Fiese-Greene y la tranquila voz de Hollis, este al igual que cas todos los temas se caracterizan por sus largos silencios y su gran atmósfera, la base de arreglos de jazz y las explosiones que tiene para iniciar los coros.

"I Believe In You" fue el único single lanzado por la banda (por obligación de la productora), su letra rebaza lo espiritual y la genial música apoya este concepto, los hermosos arreglos y acordes que se tocan cada diez segundos que a pesar de su poca instrumentación goza de perfección.

En verdad no podría destacar más canciones porque todas tienen una fuerte intensidad, muy característica del post-rock. Sus prolongados silencios, su base jazzistica, su influencia ambiental, su poderosa atmósfera y hasta su poca accesibiliad al público en general hacen de este disco uno de los más personales que puedan existir. Un disco que se adelantó a su época y abrió un gran camino a muchas bandas de los noventas y de hoy. Una obra maestra posmoderna.

Lista de canciones;

1. The Rainbow - 8:02

2. Eden - 7:39

3. Desire - 7:17

4. Inheritance - 5:24

5. I Believe In You - 6:16

6. Wealth - 6:44

Zeuhl: El Lado más Extraño del Rock

Tal vez nadie haya escuchado esa palabra, pero valga decir que esta no es tan solo una palabra común y silvestre, Zeuhl es para algunos la palabra más consagrada del la lengua Kobaiana... Y ahora ustedes dirán ¡¿Pero qué demonios es la lengua Kobaiana y que carajos es Zeuhl?!, bueno, sin más preámbulos prepárense para conocer, sin lugar a dudas, el lado más extraño de la música rock...

Zeuhl es un subgénero del rock progresivo que, adémas de tener la clásica combinación de' rock-jazz-música docta', adopta diversos elementos de otros subgéneros musicales como por ejemplo el 'fusion' (de bandas como Mahavishnu Orchestra pero sin el virtuosismo guitarresco) y el noeclasisismo (de músicos de inicios del siglo XX como Stravinsky o Debussy, pero desde luego y valga la redundancia, sin el virtuosismo de aquellos maestros).

Los dos elementos ya mencionados marcan una diferencia con el rock progresivo "clásico", ya que el género fusion es, como lo dice su nombre, una fusión de jazz con otros géneros musicales (ya sea rock, folk, electrónica, etc.), es totalmente instrumental y opta por la improvisación y músicos de alto nivel de virtuosismo, como lo fueron los grandes músicos del 'Free Jazz'.

Sin embrago esas no son sus características más resaltantes, ya que han existido y hasta hoy existen (aunque en menor medida) bandas con esas características. El Zeuhl se llega a distinguir por medio de la voz, es decir, que este subgénro tendría otras dos características que lo aislarían por completo de todo tipo de música habida y por haber hasta llegar a ser considerado por algunos como un género musical independiente. Estas características son, en primer lugar, la utilización de cánticos tribales africanos y, en segundo lugar, la utilización del idioma Kobaiano.

La lengua Kobaiana es para los fánaticos del Zeuhl lo que es el klingon para los fanáticos de Star Trek, es una lengua artificial creada por Christian Vander, baterista del grupo Magma, banda creadora del Zeuhl. Tras la muerte de John Coltrane en 1967, Vander consideró que era inadmisible tocar jazz trás tremenda pérdida, por ello decide crear su propio estilo juntando el jazz de John Coltrane, el neoclasisismo de Igor Stravinsky y el rock de Frank Zappa, basándose así, según Vander, en tratar de alcanzar la perfección musical buscando el 'Zeuhl'. Traducción de Kobaien-Español, Zeuhl = Celestial

Magma es la banda más reconocida del Zeuhl, y tendría que serlo ya que fue la que lo creó hace ya 40 años en Francia, tierra del amor, del baguette, del queso y desde 1969, del Zeuhl. Sin embargo después de una enorme cantidad de discos producidos, podemos ver que el estilo de esta banda es muy cambiante, pero de ello también se trata el concepto de esta: la eclecticidad. Vander puede tener una gran similitud con Robert Fripp (líder de King Crimson) por ir cambiando de tiempo en tiempo los integrantes de la banda para que estos le den un aire más fresco y renovador, por ello podemos ver la gran variedad de músicos, no solo franceses sino de Europa en general, tales como: Yannick Top, Didier Lockwood, los hermanos Paganotti, etc.

Pero es necesario afirmar que el Zeuhl no vive solamente gracias a Magma, en los años 70's y 80's se han creado bandas que le pagan un tributo a Vander y compañía como creadora de este estilo tales como la genial Dün, que crea un Zeuhl un poco más apasible a los oídos o también Koenjihyakkei, banda japonesa creada en los 90's y que hasta ahora sigue tocando su extraña pero interesante música. Es justamente en estos dos países, Francia y Japón donde se pueden encontrar bandas Zeuhl, otras que puedo mencionar son: Art Zoyd, Eskaton y Ruins.

Quiero afirmar que el Zeuhl es un subgénero no apto para personas que recién empiezan a escuchar progresivo y mucho menos a personas que escuchan música pop, el Zeuhl es muy experimental, más allá de los límites de Zappa, y muy selecto, tanto así de ser clasificado como música de culto. Sin embargo, si te animas a escuchar, acá dejo tres discos imprescindibles del Zeuhl:

Magma - Mekanik Destruktiw Kommandoh (o "M.D.K.")

1. Hortz Fur Dëhn Stekëhn West (9:34)

2. Ïma Sürï Dondaï (4:28)
3. Kobaïa Is De Hündïn (3:35)
4. Da Zeuhl Wortz Mekanïk (7:48)
5. Nebëhr Gudahtt (6:00)
6. Mekanïk Kommandöh (4:08)
7. Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn (3:14)
Bonus Track:
8. M.D.K. - Alt. Version (*) C. Vander (34:35)

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Dün - Eros

1. L'Epice (9:25)
2. Arrakis (9:36)
3. Bitonio (7:09)
4. Eros (10:17)
5. Bitonio (alternate) (10:20)
6. Arrakis (alternate) (5:07)
7. Eros (alternate) (7:11)
8. Acoustic Fremen (unreleased) (6:17)





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Koenjihyakkei - Angherr Shisspa

1. Tziidall Raszhisst (7:16)

2. Rattims Friezz (7:04)
3. Grahbem Jorgazz (4:08)
4. Fettim Paillu (4:24)
5. Quivem Vrastorr (4:24)
6. Mibingvahre (4:10)
7. Angherr Shisspa (6:37)
8. Wammilica Iffirom (8:39)

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... y eso que no pongo la trilogía de "obras maestras" de Magma, pero con M.D.K. es suficiente por ahora, aunque prometo que en el futuro hablaré más a fondo de esta banda.