Top 10 mujeres Rockeras/Metaleras + asadas y bien molestas

Me parece que el nombre del top 10 lo dice todo referente a este, salvo que considero que los grupos a los que pertenecen son de gran calidad y que están ubicadas del 1 al 10 por agresividad y no por que considere que alguna o grupo al que pertenezca alguna de estas mujeres sea mejor que los otros del top, ya que casi todas pertenecen a estilos diferentes.

N° 10 Mary Elizabeth McGlynn

Mary Elizabeth McGlynn participa en los soundtracks del juego Silent Hill, este juego es muy exitoso, no solo por sus tramas, también por su excelente música, compuesta por Akira Yamaoka, Mary participa como vocalista y también escribiendo letras de algunos temas, La combinación de Mary y Akira da como resultado unos temas oscuros y tristes, la música de Silent Hill es simplemente única.

N° 9 Anza Ōyama

Anza comenzó su carrera como ídolo pop adolescente en diversos grupos, Luego se retiró de esas payasadas y decidió intentar carrera como solista, En el proceso Anza conoció a un guitarrista Hiro, junto con él y Mar, hermano de Hiro, formaron la banda de Nu Metal Deep Blue. Luego consiguieron a Kawady el bajista y al baterista Okaji, después consiguieron lanzar su primer single, "Escapism" en el año 2000, justo antes de cambiar el nombre de la banda por Headphones President.

N° 8 Christina Scabbia

La vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), Su registro vocal es muy aterciopelado y fuerte, Figura en el puesto 94 dentro del listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.

N° 7 Courtney Love

Courtney Love fue miembro fundador de Hole, banda de grunge, durante sus dos primeros discos “Pretty on the inside”(recontra asado, perdónalos payashito!!!) y “Live Through This” (sin duda su más grande pieza discográfica), luego vino un tercer disco Celebrity Skin (el fresita de la discografía), el cual no resulto y termino por causar la separación de la banda, el 27 de abril del año pasado, después de 12 años Hole lanza su cuarto álbum de estudio, "Nobody's Daughter", el se empezó a desarrollar durante la estadía de Love en un el centro de rehabilitación por haber violado su libertad condicional por tenencia de drogas legales en setiembre del 2005, Love se encontraba en una completa depresión, gracias a la ayuda de Linda Perry a cargo de la producción y Billy Corgan como guitarrista y arreglador (tengo q corroborar esto!!!, ya que aún no escucho este disco), y a otros músicos. Sea como sea, tengo fe en en el cuarto disco de Hole y cualquier otro disco que provenga de algunas experiencias desastrosas, el Grunge está volviendo, Hole, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, nunca murió…chacky se pasan!!!

N° 6 Crucified Barbara

Crucified Barbara es un grupo Sueco formado por mujeres, su sonido es una acertada combinación entre Hard Rock y Metal, en mi opinión es el grupo de mejor sonido de este top 10, aunque en realidad la diversidad de estilos de este top no permite hacer una comparación que tenga sentido respecto al sonido. Crucified Barbara está formado por Mia Coldheart (guitarra solista y voz), Klara Force (guitarra y coros), Ida Evileye (bajo y coros) y Nicki Wicked (batería y coros), si solo vas a ver uno de los videos que sea este.

N°5 Jada Koren Pinkett Smith

Actriz casada con el famoso actor Will Smith, ha participado en varias películas, algunas de las más reconocidas fueron la saga de Matrix, Collateral, Kingdoom Come, Reign Over Me Madagascar, World Ablaze y Ali, Jada es la vocalista de la banda de Nu Metal 'Wicked Wisdom'.

N° 4 Agnete Maria Kjolsrud

Agnete Maria Kjolsrud, actualmente vocalista del grupo Djerv , perteneció anteriormente al grupo noruego Animal Alpha, grupo de metal que lastimosamente decidió separarse, este grupo se caracterizaba por el look de haber salido de alguna alguna cinta de cine fumado y tener una gran energía en sus temas (recomiendo el disco "Pheromones"), este grupo me atrajo al comienzo porque me recordaba un poco a Mars Volta. Desconozco el trabajo de Agnente en Djerv, pero francamente dudo que pueda ser algo tan bueno como lo que fue Animal Alpha.

N° 3 Drain STH

Drain STH es una banda Sueca de Metal formada por cuatro mujeres, María Sjöholm (Voz), Flavia Canel (Guitarra), Anna Kjellberg (Bajo), Martina Axén (Batería), El sonido de Drain podría calificarse de crudo y tenebroso, además tiene cierto parecido con Alice in Chains , Drain se escribe con “STH” por Estocolmo (Stockholm), capital de Suecia.

N°2 Alissa White-Gluz

Alissa White-Gluz cantautora de The Agonist, banda canadiense de Death Metal Melódico, además de ser una de las pocas mujeres que usan voces guturales como su estilo principal de canto, tiene la cualidad de cambiar radicalmente a una voz melódica sin dificultad. Siendo ella una amante de los animales, trabaja activamente con PETA, También pertenece al movimiento Straight Edge y lleva una vida vegana, quizás por todo esto no parece tan asada, pero cuando escuches algún tema de The Agonist, sabrás por qué tiene el segundo puesto.

N°1 Angela Nathalie Gossow

Segunda vocalista de Arch Enemy, banda alemana de Death Metal, se describe a sí misma como una persona ambivalente que ama lo extremo y quien gozó de una niñez salvaje y maravillosa, en sus propias palabras: «disgustar perfectamente a mis altamente cristianos padres».

El año 2000, Arch Enemy estaba buscando un vocalista para reemplazar a Johan Liiva, por lo que preguntaron a Gossow si estaría interesada en audicionar para la banda, ellos ya conocían la calidad de la voz gutural de Gossow gracias a un demo que ella les entrego en una entrevista cuando trabajaba para una revista de música en línea que abarcaba el rock y el metal, Angela contesto a la propuesta de audición con un rotundo: "¡FUCK YES!".

Que Rico es Compartir!!!

Cuando se hace realidad un "Sueño Siamés"

Hace unas semanas el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan reveló una de las noticias más bizarras e increíbles que hasta ahora no sé ¡¡¿¿cómo no he posteado nada de esto en el blog??!!

Corgan 'twiteó' desde su cuenta Twitter.com/Billy que la actual bajista de la banda, Nicole Fiorentino, es una de las dos niñas que aparece en la portada del disco "Siamese Dream" de 1993: "Just found out the weirdest news: our bass player Nicole just admitted she is one of the girls on the cover of 'Siamese Dream'”.

Nicole, que ahora tiene 31 años, debió haber tenido unos 13 para el tiempo en que se tomó la foto y, aunque no dijo cuál de las niñas es, hay varios rumores sobre si esta afirmación es cierta o no. En fin, compárenlo ustedes mismo y nos lo dicen ¿Será cierto?

Personalmente creo que se parece más a la de la derecha, pero no creo que ninguna de las niñas tenga 13 años, a menos que la foto haya sido tomada mucho antes. Para amenizar el debate, te mostramos una pequeña reseña de este grandioso disco, uno de los mejores de los años 90:

"Siamese Dream" de The Smashing Pumpkins (1993)

Siamese Dream es uno de esos álbumes en los cuales los músicos ponen todo su empeño y talento por el hecho de seguir adelante y ser los mejores, o al menos ser reconocidos, y es que para 1993 la banda de las "increíbles calabazas" tuvo su época más catastrófica en lo que en relaciones internas se refiere, y de éste disco dependió si la banda seguiría tocando o se desintegraría.

En los años 92 y 93 el baterista Jimmy Chamberlin comenzaría su adicción a la heroína (caso que más adelante se agravaría), James Iha y D'arcy Wretzky, guitarrista y bajista respectivamente, terminarían su larga relación amorosa violentamente, dejando marcada a la banda con resentimientos y, por su lado, Billy Corgan, cayó en una depresión a punto de pensar en el suicidio.

Sin embargo, esta familia disfuncional crearía uno de los discos más influyentes y aclamados de la era alternativa. Siamese fue un álbum nacido de la cólera, la presión y la desesperación, y es dificil pensar que en tiempos tan difíciles se crearía un disco tan bien trabajado y construído.

A diferencia del primer álbum de la banda ("Gish" de 1991) que tuvo influencias claras de los setentas con un éxito relativo en las ventas, el Siamese tendría influencias conjuntas con la música de los ochentas, mucho más trabajado en lo que a efectos se refiere y resaltando la increíble combinación de talentos de Corgan y Chamberlin.

El proceso de grabación fue duro, la tensión que había entre Iha y D'arcy era notoria; Chamberlin faltaba por días seguidos a consecuencia de las drogas, lo cual hacía a la banda temer por su vida; el perfeccionismo de Corgan también ponía a los demás miembros de la banda bajo mucha presión, se tenía que volver a grabar partes una y otra vez, trabajando así mas de 15 horas diarias por varias semanas, el estrés fue tanto que habían veces que los miembros se encerraban en los cuartos de los sets de grabación. El incansable Corgan y el productor Butch Vig (quien fue su mano derecha en el proceso de grabación y doblaje) fueron quienes terminaron toda la grabación, Corgan tuvo que tocar varias veces las partes de Iha y D'arcy ya que estos últimos no se presentaban en las grabaciones finales, hay algunas canciones que se editaron con varios sonidos de guitarra (por ejemplo en "Soma" se pueden escuchar hasta 50 sonidos de guitarra diferentes que fueron editados para el álbum).

En cuanto a la temática de las canciones, se notan claramente los sentimientos que Corgan tuvo al escribirlas; el resentimiento, la tristeza y la depresión son los conceptos más visibles. "Cherub Rock" es un llamado de atención a cómo los medios masivos explotaban la música indie/alternativa al punto de convertirla en un negocio; esta canción está compuesta por un increíble solo de Corgan, el magistral talento de Chamberlin también sale a flote para luego ser catalogado como un de los mejores bateritas de los noventas.

"Today" con su reconocido punteo, nos muestra con cierta ironía los momentos que la banda sufrió previamente al lanzamiento del álbum, las estrofas nos hablan con sarcasmo de la alegría de vivir, plasmada en la primeras líneas de la canción "Today is the greatest day i've ever known", contrastando luego con el coro y sus letras oscuras, donde prácticamente el autor se autodestruye. Esta canción fue escrita cuando Corgan tenía en mente el suicidarse.

"Disarm", más acústico y con el uso de un cello y un violín, es una de las canciones más personales de Corgan, hablando de su niñez, la relación con sus padres y su depresión, la canción fue en un inicio censurada en el Reino Unido por su oscura letra: "The killer in me is the killer in you" o "cut that little child" generaron controversia en el sector conservador, sin embargo, con la censura, el tema fue un éxito y fue uno de los más queridos por los fans.

"Rocket" con un un buen riff que se repite a lo largo de la canción, nos muestra metafóricamente las ganas que Corgan tuvo de sobresalir con su banda siendo un "cohete" que vuela a las estrellas. "Geek U.S.A." sin duda la canción mas fuerte del disco, personalmente es una de las mejores performances de bateria que haya escuchado, perfectas y precisas en todo momento, igualmente el solo de Corgan es excelente, el tema es una construcción musical 100% hard rock.

"Soma", escrita por Corgan e Iha, es una de esas canciones que sólo los fanáticos la han escuchado, ya que no fue lanzada como single, tal vez una de las mejores trabajadas en el disco, con un comienzo lento que va en aumento y luego otra vez desciende, el solo de Corgan es (otra vez) excelente, el uso de efectos fue la clave para la realización del tema, siempre se van a escuchar cortos sonidos de fondo, quiebres precisos. El nombre de la canción hace referencia a una antigua droga que fue leída en un libro por Corgan, comparándola así con las complicaciones de las relaciones amorosas (tan peligrosas y relajantes como el opio, segun Corgan).

(Mi versión familiar del Siamese Dream)

Finalmente puedo decir que este fue el álbum que logró sacar del fondo a una banda que lo merecía, es una de las mejores combinaciones de guitarra-bateria que jamás haya escuchado, y sin duda, un impulso a lo que luego vendría, el "Mellon Collie & the Infinite Sadness", el mayor momento de inspiración y éxitos de una de las mejores bandas de los noventas.

Lista de canciones:

1. Cherub Rock – 4:58

2. Quiet – 3:41

3. Today – 3:19

4. Hummer – 6:57

5. Rocket – 4:06

6. Disarm – 3:17

7. Soma – 6:39

8. Geek U.S.A. – 5:13

9. Mayonaise – 5:49

10. Spaceboy – 4:28

11. Silverfuck – 8:43

12. Sweet Sweet – 1:38

13. Luna – 3:20

“Perseverance” de Hatebreed

Hatebreed es una banda de Hardcore Metal, formada por Jamey Jasta, Dave Russo, Larry Dwyer y Chris Beattie, en el año de 1994, Perseverance es su tercer disco (2002), en una primera oportunidad no supe apreciar este disco, su sonido era demasiado pesado para mí en ese momento, en aquel tiempo yo pensaba que Disturbed era pesado por ejemplo ( con eso no pretendo desprestigiar a Disturbed, de hecho creo que es genial) meses después volví a escucharlo y pude, apreciar lo especial que es este disco… imagínate un explosivo de la marca Acme de los que usa el coyote Willy para acosar a su némesis el correcaminos, ahora imagínate que tú eres el coyote, el correcaminos es todas esas personas que odias, las que no comprendes, las persona que tan solo por existir amargan tu vida, que respiran nuestro aire y no tiene entre sus discos uno solo de progre o metal, tan animales que creen que Batman vuela, que Shakira hace música, finalmente tienes al correcaminos por el cuello con una de tus manos, giras tu cabeza para observar tu otra mano, y que es lo que encuentras?... el explosivo de color rojo con una mecha negra?...no, aparentemente lo es, en realidad es más que eso, es odio, si eso que tus ridículos prejuicios se han tomado el trabajo de archivar en ti, de hacerte crecer, un poco más gracioso y otro poco más insano, este disco te da la herramienta que necesitas, sea para tu vendetta personal, robar un banco vestido de Darth Vader, aprender a respetarte, desfogar enormes cantidades de odio(quizás sobre alguien), utilizarlo para estimularte al salir a correr o en algún gimnasio donde ponen lo mejor del pop y los 80s, o otro tipo de música capaz de matarte del aburrimiento, cometer cualquier otra estupidez o finalmente derribar la puerta de tu hermano o hermana y darle esa patada en el culo que tanto se merece… este disco es una herramienta forjada con violencia, voluntad y odio.

Si mi forma de comentar sobre este disco está cargada de un exceso de humor negro… eso y en realidad la violencia no resuelve nada (aunque eso es una pena) pero según mi opinión este es sencillamente el disco de Hardcore Metal más grande que ha existido, y se merece ser publicado con algún plus, para terminar quisiera agregar que el tema para empezar a conocer el disco es I Will Be Heard, que creo por poco es mejor que el resto.

Lista de Canciones "Perseverance" (2002)

1. Proven
2. Perserverance
3. You're Never Alone
4. I Will Be Heard
5. A Call For Blood
6. Below The Bottom
7. We Still Fight
8. Unloved
9. Bloodsoaked Memories
10. Hollow Ground
11. Final Prayer
12. Smash Your Enemies
13. Healing To Suffer Again
14. Judgment Strikes (Unbreakable)
15. Remain Nameless
16. Outro

Hatebreed Perseverance

Hatebreed Proven

Hatebreed - I Will Be Heard

Darth Vader robs Bank (Darth Vader asalta banco)

Que rico es compartir!!!

Hoy sale "The King Of Limbs" el nuevo disco de Radiohead

Tras cuatro años de ausencia discográfica, la banda liderada por Thom Yorke lanza "The King Of Limbs", octavo trabajo de estudio de la banda de Oxford. Por lo poco que he escuchado del disco, puedo decir que este explora sonidos ya no tan experimentales como en el "In Rainbows", sino es mucho más agradable, aunque no llegando a ser parecido a uno de sus discos noventeros. Para ponerlo más sencillo: es un fiel hijo del "Kid A" (noticia buena al fin y al cabo).

A diferencia del "In Rainbows" del 2007, por el cual la descarga legal del disco era gratuita, el costo de este nuevo disco es de 9 dólares en formato .mp3, 14 en formato .wav y 48 dólares si deseas el formato físico, que contiene dos vinilos, un cd y el arte-carátula. Todo esto se puede conseguir a pedido en la página web de la banda www.radiohead.com

Aquí un tema que me gusto mucho y uno de los pocos que circulan ampliamente en la web:

Aquel 9 de febrero en The Cavern con The Beatles

Contrario a lo que cientos de medios de comunicación digan, la primera presentación de The Beatles NO fue en el popular y legendario bar "The Cavern". Sin embargo, fue ahí donde el cuarteto de Liverpool se hizo famoso en toda Inglaterra, fueron vistos por primera vez por su productor Brian Epstein y comenzaron a dar grandes pasos antes de grabar su primer disco, "Please Please Me".

La primera presentación de The Beatles en "The Cavern" fue el jueves 9 de febrero de 1961, hace ya 50 años. En esa ocasión el grupo había estado haciendo funciones en Hamburgo, Alemania en los clubes Idra y Keiserkeller. Desde ese jueves santo, la banda ofreció alrededor de 292 tocadas hasta alejarse del club a mediados de 1963 por su gira norteamericana.

No obstante, Lennon y McCartney ya habían estado tocando en el club desde 1958 con su anterior banda The Quarrymen, haciendo covers de Elvis y tocando algunos temas propios. Luego de la creaci{on de The Beatles retornaron con toda la furia aunque en esa primera presentación no estuvo Ringo sino Andy White (primer baterista de la banda hasta poco antes del lanzamiento del primer disco)... dato curioso que vale la pena mencionar.

Ahora hablemos del club en sí, The Cavern es literalmente lo que su nombre representa: un antro subterraneo con tres túneles conectados que se solía utilizar para conservar vinos a inicios de los años 50. Luego, el 7 de agosto de 1957 se inauguró este peculiar bar donde, además de lanzar a la fama a The Quarrymen y The Beatles, albergó tocadas de otras populares bandas inglesas como The Rolling Stones, The Yardbirds, The Hollies, The Kinks, The Who, Queen, Elton John, etc.

Hoy en día el club luce muy diferente a ese de 50 años atrás, reconstruido y modernizado pero con la misma vibra que en esos años... ¡Larga vida a The Cavern y The Beatles!.

Mejores discos del 2007: Lo mejor de la década (Parte VIII)

El 2007 fue un año muy esperado por los fanáticos de la música, bandas emblemáticas y bandas que proyectaban serlo lanzaron sus respectivos discos para ese año donde sorprendieron, en la algunos casos, con el cambio de sonido. En esta lista encontraremos bandas que ya han sido nombradas en las listas pasadas pero que no dejaron de evolucionar con su música. Otra vez con una humilde opinión, aquí está la lista de los 10 mejores discos del 2007:

10. "Sky Blue Sky" de Wilco: El sexto álbum de la banda estadounidense y donde logra dar un paso adelante luego de la gran carrera de fondo que se lanzo con su "Yankee Hotel Foxtrot" del 2002, este es el mejor disco de la banda luego de esa obra maestra que hicieron cinco años atrás. "Sky Blue Sky" fue uno de los tantos 'esperados' del 2007 y en él podemos encontrar cambios asombrosos, como por ejemplo la integración de Nels Cline, el nuevo guitarrista de la banda, quien hizo que el disco gozara de muy buenos solos en la mayoría de sus canciones. Además el disco deja de lado los toques experimentales que quiso tomar en su producción antecesora, en este álbum podemos notar claramente una múcia más influenciada por The Beatles o The Beach Boys, un claro ejemplo de eso es el temew "Hate It Here". No obstante, les mostraré el que me parece uno de los mejores temas del disco...

9. "Ga Ga Ga Ga Ga" de Spoon: Ya hemos hablado de esta muy buena banda indie y este disco la rompió en el 2007. Por pura coincidencia este también resulto ser la sexta producción de estudio de la banda, mucho más rockera y mejor producida que sus discos anteriores, y aunque para muchos pueda sonar como un disco indie más del montón, este tiene un plus que lo hace diferenciarse de los demás, algo que en realidad no logro explicar en palabras y hasta me atrevería en pecar al decir que este disco es mejor que "Kill The Moonlight" (disco considerado por los fanáticos como el mejor de la banda y uno de los mejores discos del 2002). Lo que hace a este disco tan especial es su sonido tan variado, por ejemplo, el tema "You Got Yr. Cherry Bomb" tiene hasta tres versiones diferentes, una de ellas adoptando el género space rock.

8. "Strawberry Jam" de Animal Collective: Sí, otra vez Animal Collective, en verdad le estaré enormemente agradecido a esa persona tan especial que me hizo escuchar a esta banda hace ya algunos meses. Este es el séptimo lanzamiento de estudio del cuarteto electrónico/experimental y se diferencia de los anteriores álbumes por contener un prominente uso de música hecha por computadora. Este disco es considerado por muchos como una evolución para la banda, los sonidos únicos y originales que se crearon para esta producción demuestran la enorme capacidad de sus compositores. Sin embargo, este disco es más una prueba de capacidades musicales que una verdadera producción discográfica. El álbum es por momentos muy extraño y no llega al nivel de anteriores discos de la banda pero se convertiría en un estandarte que abriría el paso para una de las obras más aclamadas en el 2009. Para rematarlo, ese mismo año hubo un disco infiltrado que silenció a esta producción, uno de esos cuatro 'experimentadores de sonidos' lanzó su propia propia producción de igual o mejor nivel.

7. "Person Pitch" de Panda Bear: Tercera producción de Noah Lennox, conocido en el mundo de la música como Panda Bear, uno de los cuatro integrantes de Animal Collective. El músico experimental decidió lanzar su disco a la par con el "Strawberry Jam" y aunque el corte musical es muy similar, Panda Bear le da un toque más vivaz y alegre, los ritmos no son tan extraños como los que podríamos encontrar en el álbum de Animal, ya que este disco nos hace acordar por momentos al "Sung Tongs" por su electrónica más orientada al pop. El disco fue ampliamente reconocido por la crítica especializada, considerándolo uno de los mejores discos del 2007 y de la década.

6. "Volta" de Björk: Sexto disco de estudio de la genial cantautora islandesa, en este disco en particular y al contrario de lo que hizo Radiohead, Björk dejó de lado su continua evolución hacia corrientes más experimentales y creó un disco más amigable y simple en cierto sentido. "Volta" es un ligero paseo a la Björk de los noventas, sin dejar de lado los toques de experimentación electrónica de discos como el "Vespertine". En este disco, la cantante islandesa expande sus estilos musicales gracias a los colaboradores de Timbaland, productor de R&B y hip-hop, y Antony Hegarty, líder de Antony & The Johnsons, que le dan un toque más hiphopero y hasta innovador al trabajo final.

5. "Boxer" de The National: Reencontramos a esta muy buena banda que estuvo en pasadas listas. Particularmente en este disco no cambia mucho su sonido con respecto al "Alligator" del 2005, sin embargo, ese mismo sonido contagiante y la potente voz de Matt Berninger, muy parecida a la de Leonard Cohen, te atrapa desde el inicio. La banda tiene un toque muy fino para ser una clasificada como indie, y no es que quiera menospreciar al género pero se nota una clara maduración en la forma de hacer música por el grupo. Su apacible sonido ya se ha vuelto una marca personal de la banda, sobre todo por la voz que destaca indiscutiblemente sobre todo lo escuchado. Punto extra: Sufjan Stevens colabora en el disco tocando el piano en "Racing Like a Pro" y "Ada".

4. "Neon Bible" de Arcade Fire: Después del discazo que lanzaron el 2004, la banda canadiense vuelve a sorprender con su segundo disco de estudio e hizo más popular al indie rock de lo que ya era. Los arreglos orquestales continúan retumbando al igual que la gran cantidad de instrumentos que toman prestados para crear atmósferas musicales muy inusuales (ejemplo es el tema homónimo "Neon Bible" con su instrumentación ecléctica). Arcade toma la posta desde ahí y se transforma en una de las bandas más profesionales de la década, sus toques de experimentación, su lírica, su impecable instrumentación fueron puntos de partida y de respeto por las nuevas bandas independientes. En fin, un disco que va al igual que el "Funeral" como uno de los mejores de la década, y vale decirlo ya que hay personas que afirman y reafirman que este álbum es mejor que el primero.

3. "In Rainbows" de Radiohead:  Discazo que no decepcionó para nada, sólo que pensé que podría ser mejor que el "Kid A" por la gran cantidad de gente que me lo recomendó. "In Rainbows" fue uno de los discos más esperados del año y es, sin más ni más, un producto que ya se veía venir de manos de la banda de Oxford: Una experimentación cada vez más ecléctica. Un parámetro que la banda ya viene siguiendo desde el maravilloso "OK Computer", los sonidos electrónicos y las guitarras distorsionadas son clave en esta producción., además también hay uso importante del piano en varios temas. En resumen, el disco es muy bueno y claro que vale la pena escucharlo, Esta tan bien compuesto que engancha rápidamente, "15 Step", "Bodysnatchers", "Weird Fishes" y la épica "Jigsaw Falling into Place" son ya clásicos de la banda.

2. "Doomsday Afternoon" de Phideaux: Extraño, extrañísimo disco del multinstrumentalista Xavier Phideaux. Catalogado como Prog Rock Psicodélico Gótico sus temas no son fuertes pero tienen un ambiente oscuro y especial. Tanto los temas "Microdeath Soft Star" como "Microsoft Deathstar" (trabalenguas intencional) me parecen cruciales en cómo la música del disco es presentada y desarrollada (ambos temas son el primero y último del álbum respectivamente) Tienen esos reprises que se presentan a lo largo de los 67 minutos que dura en su totalidad esta joya escondida. 

Un disco que me encanta y fue una revelación en ese 2007, posiblemente superado por muy, pero muy poco por otro estupendo lanzamiento de aquel año.

1. "Fear Of A Blank Planet" de Porcupine Tree: La primera vez que escuche este disco no me pareció tan bueno como otros del 'árbol de puercoespín', pero como a toda buena banda, hay que darle tiempo y escucha sosegada, el resultado: ¡un discazo de la puta madre! Porcupine Tree y sobre todo su líder, Steven Wilson, crean un obra maestra progresiva de nuestro tiempo a punto de llamarlo el "Dark Side of The Moon" de la década. La letra de los temas tratan sobre los problemas de los jóvenes del siglo XXI: carácter bipolar, probleas de atención, alienación social, drogadicción, etc. y canción a canción el disco nos cuenta la historia de un niño con esta clase de problemas, encerrado en su cuarto e indiferente al mundo exterior. Creo que no exagero en decir que todos los temas son muy buenos, pero en especial hay uno que te sacude el cerebro como ningún otro. "Anesthetize", un tema de más de 17 minutos partido en tres movimientos, la atmósfera que se construye en el tema es tan misteriosa y muy bien apoyada por la percusión (sin nombrar el gran solo de guitarra que Alex Lifeson, guitarrista de Rush, presta al tema), una genial construcción musical que da resultado al mejor tema de la banda hasta el momento. Recomiendo a gritos escuchar este tema, uno de los mejores de la década, y si te da flojera soplarte 17 minutos, entonces al menos escychate el coro... "electricity, from the pills in me".

Vendesi Saggezza de Locanda Delle Fate (Letra y traducción)

He estado escuchando harto rock progresivo de Italia últimamente, un país que ha producido tanto 'progreso' que hasta tiene un género propio, el llamado "Rock Progressivo Italiano" (nótese la doble 's') tiene tantas bandas como músicos clásicos de ópera. Lo curioso es que hasta el momento he escuchado en promedio 20 discos de esas numerosas bandas y ninguno me parece malo, es más, muchos de ellos son excelentes producciones envidiables para bandas como Genesis o ELP.

En fin, puedo nombrar a agrupaciones medianamente conocidas como Premiata Forneria Marconi (o PFM), Banco del Mutuo Soccorso o Le Orme, y algunas un poco más rebuscadas como Semiramis, Quella Vecchia Locanda, Area, Rovescio Della Medaglia, Museo Rosenbach, Balletto Di Bronzo, etc. Pero una que me cautivó por sus suaves pasajes, su virtuosa instrumentación y su letra fue Locanda Delle Fate, una banda que me hizo acordar a la canadiense francófona 'Harmonium' por su delicadeza, pero que tiene su toque 'italiano' que la hace diferenciar.

Su disco "Forse le Lucciole Non Si Amano Piú" (o "Tal Vez Las Luciérnagas No Se Aman Más") del año 1977 es hermoso en su totalidad -uno de los pocos discos 10 puntos que conozco- y el tema de a continuaci+ón es Vendesi Saggezza (traducido no tan literalmente como "Se vende Sabiduría" o "Venden Sabiduría" o "Sabiduría en Venta"). Disfruten del tema y no lloren.

"Vendesi Saggezza"

Voleranno sopra i vetri,

mille volte gli occhi,

cercando spazi di là.

E il cervello a una parete

o sopra un banco a vendere,

alla fine, trascinerei.

Per rubarmi ai vuoti di memoria,

forse quello che ci va.

Basta adesso alle orge senza senso

e ai rimorsi del di qua.

Chissà se quando la corda

stringerà il mio collo,

la bocca non griderà.

Ora è entrata una farfalla

che d'amore nato sui fiori mi parlerà.

Seguo già i suoi voli trasparenti

che tra poco tradirò.

Con le mani fresche

dei miei fianchi,

reti infine getterò.

Saggezza venderei

con il peso dei discorsi

sempre uguali

e in cambio chiedo a lei

i segreti immensi

delle sue stagioni.

Perché da Alice ora non compro più

Mosaici, rose e seta

e in fondo al buio sto spiandoti,

forse verrà a svegliarla.

Volerai tra pareti e fotocellule

invisibili e segrete.

Porte ne aprirai,

prati di moquette,

fiori quasi veri

e un senso di potere.

Ma poi ti accorgerai,

che non puoi più volare.

C'è un ladro nella stanza.

Non ti ruba argento ne monete d'oro.

Ma senza far rumore

strapperà ai tuoi voli gli alibi più veri.

Non basta, dammi i fiori che non ho,

non ho più voglia di spiegare.

Tu sarai grande più di Icaro,

ti guarderai volare.

"Venden Sabiduría (y un Cerebro de Segunda Mano)"

Vuelan sobre los cristales

miles de veces los ojos

buscando espacios ahí

Y el cerebro a una pared

o encima de una banca, a vender,

al final me arrastraría

para robarme los huecos de memoria

quizá es lo que se necesita

Basta ahora de las orgias sin sentido

y los remordimientos del aquí

Quién sabe si, cuando la soga

apriete mi cuello

mi boca no gritara?

Pero ahora ha entrado una mariposa

que del amor nace de las flores y me hablará

Ya sigo sus vuelos transparentes

que en poco tiempo traicionaré

Con las manos frescas

por mis llantos

redes poco seguras arrojaré

Sabiduría vendería

con el peso de los discursos

siempre iguales

Y en cambio le pido a usted

los intensos secretos

de sus estaciones

Porque de Alicia ya no compro más

mosaicos, rosa y seda

Y al fondo de la oscuridad estoy espiándote

tal vez vaya a despertarla

Volarás entre paredes y fotocélulas

invisible y secreta

puertas nos abrirás

a praderas de alfombra

flores casi verdaderas

y un sentido de poder

Pero entonces notarás

que ya no puedes volar

Hay un ladrón en la habitación

el no te roba monedas de plata ni de oro

Pero sin hacer ruido

arrancará de tus vuelos las coartadas mas certeras

No! Ya basta! Dame las flores que no tengo,

no tengo ganas de explicar,

Serás mas grande que Ícaro,

te verás volar.

Traducción: Carlos Racchumi R.

"Highway 61 Revisited" de Bob Dylan (1965)

Empezamos este año algo retrasados pero quería hablar de uno de los mejores discos que he escuchado y que, a decir de paso, no escucho hace tiempo. Pero en fin... qué mejor que empezar el año con una obra maestra de uno de los genios más puros y poéticos de la música, un disco que revolucionó la música en ese 1965, año que en nació el rock tal y como se le conoce hoy en día. Fueron tres discos los pioneros de este cambio, "The Who Sings My Generation" de The Who,"Rubber Soul" de The Beatles (del cuál hablamos hace poco), y este, "Highway 61 Revisited" del meastro Bob Dylan. A continuación una pequeña reseña de este disco del cual nunca voy a ser lo suficiente empeñoso en mencionar lo bueno que es.

Highway 61, o historia sobre el osado que se atrevió a combinar rock y folk en los sesenta:

La obra maestra de Bob Dylan que muestra su gran cambio de la música folk al folk-rock, en este álbum Dylan usa una banda de rock como fondo para todas sus canciones, algo parecido hizo en su anterior disco "Bringing It All Back Home" donde una mitad fue folk y la otra rock, y es que el cambio comenzó desde aquel, su quinto álbum; se arriesgó pero no lo suficiente, fue en el sexto, el "Highway 61" o también llamado "Highway Blues" que intentó experimentar y arriesgarse al 100% con un género que, en esa época era la contraparte de la música folk.

Dylan participó en el festival de New Port un mes después del lanzamiento del disco con el motivo de promocionarlo, la primera mitad del concierto tocó temas folk de sus discos pasados, después del receso Dylan apareció con The Butterfield Blues Band y tocó para disgusto de muchos y agrado de algunos un concierto rock. El público abucheó la performance de Dylan y su banda y este totalmente enojado se marchó para solo volver luego a tocar un par de canciones acústicas. La causa de estas reacciones por parte del público se deben en parte a que la mayoría eran folk fans y odiaban el sonido estridente de una guitarra eléctrica o de una percusión vertiginosa, se dice también que al público no le gusto el espectáculo debido al pésimo de los amplificadores.

En fin, el álbum fue un punto de quiebre en la carrera de Bob Dylan, perdío muchos fanáticos folk pero ganó muchos fanáticos del rock, finalmente el nombre de Dylan se hizo conocido mundialmente, maravillosas canciones como "Like a Rolling Stone", Desolation Row" o "Ballad Of A Thin Man" quedaron grabadas en la historia del rock y son consideradas como las mejores canciones jamás escritas, sobre todo la primera, la mejor mezcla de folk, rock y poesía.

"Like a Rolling Stone", escuchada o al menos reconocida por millones de personas, es una canción, o mejor dicho una historia escrita originalmente en 20 páginas, la cual fue resumida en un hermoso poema cantado en 6 minutos. Esta pieza nos cuenta la historia del debacle de una mujer que lo tuvo todo y luego lo perdió, el autor en enfatiza su pérdida gritádole "How does it feel, to be on your own, with no direction home, a complete unknown, like a rolling stone". El primer verso nos explica lo que ella era y cómo fue que comenzó a decaer, en los versos siguientes Dylan destruye la imagen de la mujer mostrándonos la miseria en la que vive, sin hogar y sin nadie en quien depender, pero en el verso final se muestra una pequeña esperanza cuando dice "When you got nothing, you got nothing to lose, You're invincible now, you got no secrets to conceal", un final simplemente hermoso. Esta canción fue reconocida por la revista Rolling Stone como la mejor canción de todos los tiempos por transformar las convenciones artísticas de su tiempo.

"Ballad Of A Thin Man", con su predominante piano, habla de un hombre llamado Mr. Jones, un erudito que cree que lo sabe todo, pero en realidad no se da cuenta de lo que pasa a su alrededor, la letra dice "You know that something is happening here but you don't know what it is" mostrando así la ignorancia del hombre ante los grandes sucesos que ocurrían en su época (a mediados de los sesentas a puertas de una revolución cultural).

La canción epónima "Highway 61 Revisited" es una mezcla de temas y críticas exaltantes, habla desde la religión, pasando por las negativas del capitalismo, hasta el incesto, cantado con un ritmo muy pegajoso.

Por último "Desolation Row", considerada una de las canciones más ambiciosas de Dylan en cuanto a poética se refiere, con mas de 11 minutos de duración, tomó influencia en libros (como por ejemplo "Cenicienta" y "El Este del Edén" de John Steinbeck), pero sobre todo habla del génesis de la biblia, hablando sobre Caín y Abel, y sobre Noé. Este es el único tema del disco que no lleva una guitarra eléctrica. La canción lleva ese nombre en memoria a un linchamineto de unos negros dueños de un circo en el pueblo donde Dylan creció, fueron acusados de violación y condenados sin ser procesados, en la primera estrofa de la canción se habla de este circo. Esta canción toma como referencia a la tensión racial que se vivía en los Estados Unidos, una admirable muestra del talento de Dylan como cantautor.

Todas las canciones del álbum están maravillosamente escritas, cada una tiene cierto tipo de energía que engancha al que la oye, "Tombstone Blues" y su letra surreal y sus solos de guitarra, "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry", un Folk-Blues-Rock hermosamente construído con letras desgarradoras, "From A Buick 6", con su compás de blues que provoca bailarlo, etc. Podría nombrar a todas porque TODAS son excelentes, el álbum es expectacular en su totalidad, el mismisimo Bob Dylan dijo: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía". Esta época fue la de mayor inspiración de Dylan, y este momento seguiría varios años después con otra obra maestra, el "Blonde on Blonde", la cual compite con el "Highway 61" entre los críticos y fanáticos para ser el mejor álbum de Bob Dylan.

Lista de canciones:

1. Like a Rolling Stone – 6:13

2. Tombstone Blues – 5:58

3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry – 4:09

4. From a Buick 6 – 3:19

5. Ballad of a Thin Man – 5:58

6. Queen Jane Approximately – 5:31

7. Highway 61 Revisited – 3:30

8. Just Like Tom Thumb's Blues – 5:31

9. Desolation Row - 11:21

"Desolation Row": tal vez la mejor del disco...

"In The Aeroplane Over The Sea" de Neutral Milk Hotel (1998)

Capaz uno de los discos más infravalorados de la historia, no por ser pasado por alto por la gente que lo haya escuchado, sino por su poca difusión. Creo que si no fuera por internet, nunca lo hubiese descubierto, con un poco de investigación y relación con otros discos del género, "In The Aeroplane Over the Sea" llegó a mis manos (bueno, no físicamente porque me lo bajé), y me pareció un brutal fuera-de-época, una de esas joyas que no guarda relación con lo que hayas escuchado antes, eso fe Neutral Milk...

El disco es simplemente hermoso, por momentos sencillo y por otros muy complejo, este no deja de ser una de las pocos discos de los 90's que yo podría clasificar como obra maestra. Pocas personas lo conocen (es más solo conozco a una persona que lo ha escuchado) y estas personas que desconocen de la existencia de este disco no saben de lo que se pierden. Su sonido folkie repleto de guitarras acústicas y de un sin número de instrumentos de viento hacen que este álbum sea único musicalmente hablando.

Neutral Milk Hotel basó este, su segundo y último disco, en la vida de Anne Frank y en sí en los cientos de familias judías que murieron durante la segunda guerra mundial, canciones como "Ghost", "Holland, 1945", "Oh Comely" dan tributo a Anne Frank y su trágico destino.

Vayamos ahora con los temas, las tres partes de"King Of Carrot Flowers" compuesta en los dos primeros temas del disco, dominados por guitarras acústicas con marcados acordes, los temas son tranquilos pero la letra nos cuenta con cierta ironía una infancia caótica donde el personaje principal no se daba cuenta de sus problemas, por un lado hermosamente canta: "And this is the room one afternoon I knew I could love you / And from above you how I sank into your soul / Into that secret place where no one dares to go". Y en la siguiente estrofa: "Your mom would drink until she was no longer speaking / And dad would dream of all the different ways to die / Each one a little more than he could dare to try".

La homónima "In The Aeroplane Over The Sea" trata sobre un joven que sabe que algún día morirá y simplemente no le importa y solo quiere vivir este momento. En este tema también domina la guitarra acústica pero hay momentos donde entran trombones y tubas.

"Two-Headed Boy", una de las mejores del disco, es un tema que explora la sexualidad en tiempos de adolescencia, la voz del vocalista Jeff Mangum llega a tonos tan altos que se distorsiona (cosa que a algunos puede parecer desagradable pero a mi me resulta muy bueno). Se nota que la voz no es profesional, hasta puede ser tildada de sucia, pero eso le da el toque diferente y personal a la banda, un toque muy particular e inconfundible.

"Holland, 1945", el único single del disco, aquí ya se usa una guitarra eléctrica distorsionada, el tema es poderoso y tiene unas geniales entradas de trompetas y un gran coro. La canción se puede considerar dentro del género noise-pop, muy influenciado por My Bloody Valentine.

"Oh Comely", de ocho minutos, es una hermosa canción acústica que explora temas como la muerte , la autodestrucción y finalmente la salvación, una oda a la memoria de Anne Frank, muy simple pero bonita.

Finalmente quiero señalar que este es uno de los mejores discos de los noventas , lo escuche hace casi dos años y en su momento no pude dejar de escucharlo. Lo recomiendo mucho a los que estén interesados en la música indie, no los va a defraudar. Como dije antes, las obras maestras absolutas de la pasada decada se pueden contar con los dedos, este es uno de esos discos.

Lista de canciones:

1. The King of Carrot Flowers Pt. One – 2:00

2. The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three – 3:06

3. In the Aeroplane over the Sea – 3:22

4. Two-Headed Boy – 4:26

5. The Fool – 1:53

6. Holland, 1945 – 3:12

7. Communist Daughter – 1:57

8. Oh Comely – 8:18

9. Ghost – 4:08

10. Untitled – 2:16

11. Two Headed Boy Pt. Two – 5:13