Principe Di Un Giorno de Celeste (Letra y Traducción)

Una vez más volvemos al rock progresivo italiano, esta vez mostraremos otra banda poco conocida. "Celeste" es una banda ultra rara, las pocas personas que han logrado apreciarla podrán dar razón en que no se caracteriza por compartir el virtuosismo o las intrincadas composiciones que sus congéneres paisanos tenían (llámese bandas como PFM o Banco del Mutuo Soccorso). Esta banda se caracterizaba más por sus hermosos y melódicos pasajes, muchos de ellos acústicos influenciados no por la 'tarantella' pueblerina, sino por el sofisticado neoclasicismo italiano de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. 

El siguiente tema es un 'bello pezzo di canzone' dividido en tres claros pasajes: el primero, muy influenciado por la música docta, una introducción que me recuerda al épico intermezzo de "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni compuesta a finales del siglo XIX; el segundo, predominado por los sonidos acústicos, guitarra y flauta traversa acompañan perfectamente a la voz; y el tercero, un buen pasaje instrumental con flauta, piano, mellotron, guitarra acústica y, por supuesto, un sorprendente saxo que se lleva de encuentro a los demás instrumentos. ¡DISFRÚTENLO!

Principe Di Un Giorno

Principe di un giorno 

cerchi un prato a riposare sogni

saggio l'uomo in bianco

che t'indica la via verso

regni senza fini

dove il vento non essiste piú

Suddito tuo amico un cavallo che

bacia ora l'altra terra abbandonata te

lago e steli cambia il color

salgono cori verso te

Chiara luce templi verdi

porta al fondo te.

Trono veroin acque pure chiama giusto re.

Raggiungi il tuo castello, voltati

adesso sei, spechiatti.

Príncipe de un Día

Príncipe por un día

busca un prado para resposar sueños

sabio hombre de blanco

que te indica que el camino a través de

reinos sin final

donde el viento ya no existe más.

Sujeto tu amigo a un caballo que

besa ahora otra tierra abandonada

Lago y tallos, cambia el color

coro creciente hacia tí.

Claras luces de templos verdes

te lleva a la parte inferior.

Trono verdadero en aguas puras llama al justo rey

Alcanzar tu castillo, da la vuelta

eres ahora, espejo.

Aquí la hermosa obra de Pietro Mascagni, conducida por el maestro Lim-Kek Tjiang, y la influencia que el compositor italiano tuvo en la banda:

Traducción: Carlos Racchumi R.

"Rain Dogs" de Tom Waits (1983)

A Tom Waits se le puede considerar como uno de los músicos más versátiles que hayan pisado el planeta, su música va desde el jazz a lo experimental, y con su inigualable voz ronca crea de por sí un estilo muy personal.

Su música, alejada por completo de lo comercial, pero aun así con grandes reconocimientos en cuanto a la crítica se refiere, comenzó a flirtear con la experimentación precisamente a mediados de los ochentas, cuando se sentía decepcionado de la música de ese tiempo, saturada con el uso del sintetizador, donde muchos músicos dependían totalmente de ello convirtiéndolos en artistas mediocres. 

La respuesta de Waits ante el sonido electrónico de la época fue en su anterior disco llamado "Swordfishtrombones" de 1983, pero llego a ser un manifiesto con "Rain Dogs" en 1985, estas propuestas musicales abandonan el uso del sintetizador y los efectos de doblaje de los estudios para llenar la musicalización con una gran gama de instrumentos "organicos" (y los llamo así por ser la contraparte de electrónicos) que, además de las básicas guitarras, bajos y baterías, utiliza acordeones, trompetas, trombones, tubas, contrabajos y demás.

Éste tipo de experimentación no-electrónica no se hacía desde los tiempos en que Bob Dylan se volvió rock-star, después de estó las demás bandas han creado nuevos sonidos con una pequeña ayuda de sonidos electrónicos, pero como afirmaba Waits, a inicios de los ochentas ya se había llegado al exceso.

"Rain Dogs" llega a ser chocante si no se conoce mucho de la carrera musical de Waits (que se extiende desde 1973), con influencias de jazz, blues y folk, éste cantautor crea un rock tan matizado que cada una de las canciones de éste álbum llega a representar cada una de sus etapas musicales, por ello muchos críticos entran en un dilema en encasillar a éste disco en un género o estilo musical: "Time" es una suave balada folk, "Union Square" parece un rockabilly cincuentero, "Anywhere I Lay My Head" es un gospel apasionado, "Walking Spanish" parece un jazz-impro de Louis Armstrong y "Cementery Polka" parece la más extraña canción circense.

No entreré a detallar los temas del disco, como ya dije es una producción sin género definido, pero aún así es uno de los mejores trabajos musicales de los ochentas, un disco fuera de época que se enfrentó sin miedo al mainstream y logró ganar varios seguidores.

"Rain Dogs" es un álbum de vanguardia por excelencia, representa la escencia musical de Tom Waits y lo lleva al clímax de su carrera artística. Hoy en día se le consiera como uno de los músicos mas importantes del siglo XX, y no es para exagerar. Músicos como Bob Seeger, Tori Amoss y hasta la hermosísima Scarlett Johanson, en su disco debut, han hecho sendos covers de las canciones de éste álbum y toman a Waits como gran influencia en su música. Sorprendente disco y recomendadísimo para cualquier melómano que desee adentrarse a la música experimental.

Lista de canciones:

1. Singapore – 2:46

2. Clap Hands – 3:47

3. Cemetery Polka – 1:51

4. Jockey Full of Bourbon – 2:45

5. Tango Till They're Sore – 2:49

6. Big Black Mariah – 2:44

7. Diamonds & Gold – 2:31

8. Hang Down Your Head – 2:32

9. Time – 3:55

10. Rain Dogs – 2:56

11. Midtown – 1:00

12. 9th & Hennepin – 1:58

13. Gun Street Girl – 4:37

14. Union Square – 2:24

15. Blind Love – 4:18

16. Walking Spanish – 3:05

17. Downtown Train – 3:53

18. Bride of Rain Dog – 1:07

19. Anywhere I Lay My Head – 2:48 

Mejores discos del 2008: Lo mejor de la década (Parte IX)

El año 2008 fue un año musicalmente bajo en relación al contundente 2005 o al estupendo 2000, y en general a comparación de otros, fue un año muy experimental. Desde el avant-garde jazz, el post rock, el trip-hop y hasta el indie folk, hubo una exquisita variedad de bandas, sobre todo nuevas o que empezaban a hacerse conocidas (MGMT, Fleet Foxes, Il Bacio Della Medusa y Deerhunter, por ejemplo). Igualmente, bandas ya mencionadas en estas listas lanzaron sus respectivos discos que no serán obviados en lo mejor de este año, sin embargo, el 2008 también será recordado como el año de los grandes retornos, que nos dicen que 11 años no fueron esperados en vano. ¿A ver si adivinas cuál fue?

10. "Oracular Spectacular" de MGMT: Una banda muy carismática que combina el rock alternativo noventero británico y new wave con toques bien marcados en la psicodelia. Este fue un disco que sonó en todas partes del mundo con canciones como "Time To Pretend", "Kids" y "Electric Feels", respectivos singles de la producción discográfica. A pesar de ser el primer disco de MGMT, este reboza de personalidad y sonoridad muy peculiar, y a pesar de ser un lanzamiento en extremo comercial (y casi en contra de lo que tratamos de mostrar en este blog de música un poco más desconocida), vale la pena que esté metido de lleno en esta lista por su sonido casi único.

9. "Un Mañana" de Luis Alberto Spinetta: Una de las mejores obras actuales del 'flaco' Spinetta, hoy por hoy, un endiosado músico de culto, tan introspectivo como nadie de su generación (y de la actual). Este disco fue para mí el verdadero retorno de L.A., si bien sus dos producciones discográficas anteriores "Para los Árboles" (2003) y "Pan" (2005) eran aceptables y para nada malas, se sentía que les falaba 'algo más', y eso 'algo más' apareció en "Un Mañana", estupendo disco con la voz del flaco como en sus años mozos, un sonido muy bien depurado que nos hace acordar a esa exquisita música que hacía en los ochentas e inicios de los noventas, esa música que podías poner de fondo en una amena y tranquila reunión sin nuca aburrirte y maravillarte a la vez.

8. "Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante" de Il Bacio Della Medusa: El beso de la medusa, una banda que he escuchado hace poco y no le tuve muchas esperanzas por ser un disco casi desfasado, fuera de la gloriosa época del rock progresivo italiano. Sin embargo, me calló la boca al escuchar la impecabilidad de su música, rememorando bandas como Metamorfosi o Quella Vecchia Locanda, donde el uso de la música sinfónica es muy marcada. No obstante, la banda también opta usualmente por la música eléctrica con muy buenos solos de guitarra, cambios de ritmo y progresiones hechas por evidentes músicos profesionales. El disco conceptual está basado en la historia de Paolo y Francesca, personajes de La Divina Comedia de Dante Alighieri, donde el amante desciende al inframundo para rescatar a su amada acompañado por una fiel música que retrata la conjugación entre el amor y la muerte.

7. "Watershed" de Opeth: Noveno disco de estudio de la banda emblema del death metal progre, en esta ocasión con una integración renovada con el baterista  Martin Axenrot y el guitarista Fredrik Åkesson, y confirma una vez más por su apego al metal progre de bandas como Dream Theater o Porcupine Tree, el death metal que la banda adoptó en sus inicios hace ya más de 15 años, ha sufrido grandes modificaciones para convertirse en un tipo de música más profesional, mucho mejor trabajada y limpia, y aunque muchos fanáticos hayan objetado su cambio de estilo, es un hecho que esta banda sueca aspira a mucho más. OJO QUE LANZAN OTRO DISCO ESTE AÑO.

6. "Fleet Foxes" de Fleet Foxes: Una banda muy peculiar de indie folk (aunque a veces más folk que rockero), muy influenciada por bandas pop de fines de los sesentas como The Byrds y The Beach Boys llegando a asimilar su música con el denominado 'pop barroco'. Este fue el primer disco de la banda de Seattle y una de las cosas que más destaca de la producción es la armonía vocal (una constante en todos los temas del disco), las piezas acústicas y, sin lugar a dudas, la estupenda letra. En fin, tres puntos claves para que un disco con un estilo poco común merezca ser escuchado.

5. "The Bedlam In Goliath" de The Mars Volta: Cuarta producción discográfica del dúo rockero experimental de sangre latina y, sin duda, el disco más fuerte de los Volta. El disco fue injustamente obviado y es necesario reconocer el talento de Omar Rodríguez y Cedric Bixler en su esfuerzo por seguir estando al tope de la escena vanguardista. La única diferencia marcada de este disco con los tres anteriores de los banda es que no tiene los cambios bruscos de suave a fuerte o lento a rápido, sino que sigue una linea recta: fuerte y rápida. Riffs estridentes en una guitarra más loca que nunca, sonidos que nos hace difícil pensar que salen de una simple guitarra eléctrica. (?) WTF.

4. "Lucifer: The Book of Angels Vol. 10" de Bar Kokhba: Hablamos hace algunas semanas de Electric Masada, una de las bandas de John Zorn, un estupendo saxofonista de avant-garde jazz. Bueno, Bar Kokhba es otro de sus experimentos y para nada fallidos. Esta vez deja de lado el estilo eléctrico y opta por música más 'oriental' (por así decirlo), el sonido de Bar Kokhba (también llamado Bar Kokhba Sextet) rememora al mundo árabe e hindú sin alejarse del sello personal de Zorn. Al igual que Electric Masada, Bar Kokhba toma prestadas canciones de los libros de Masada y les da una vuelta a la tuerca para que suenen así de bien.

3."Microcastle" de Deerhunter: Una banda que sorprendió para ese año con su mezcla de art-punk, rock experimental y pizcas de post-rock. Deerhunter en sí es considerada una banda indie, esta fue su primera producción discográfica y podremos apreciar en la primera mitad del disco canciones suaves y vistosas, con buen ritmo, simples pero buenas, en la segunda mitad del disco comienza la experimentación, una mezcla de influencias entre Sonic Youth y The Clash. El álbum es buenísimo y por lo poco difundido que ha llegado a ser fue un gran descubrimiento personal del 2008, sin embargo le falto más actitud para ser el mejor disco del año.

2. "Með Suð I Eyrum Við Spilum Endalaust" de Sigur Rós: Traducido al español como "Con un zumbido en nuestros oidos jugamos eternamente", Sigur Rós es una banda que no deja de sorprenderme, aunque hay gente que dice que esta fue su producción más pobre desde el "Von", no voy a decir que es falso pero igual este disco contiene la misma gran atmósfera de los demás discos y también esos temas que nos llevan a lugares donde solo la mente puede ir . La diferencia de este disco con los demás es que contiene en su mayoría temas acústicos y en cierta medida temas más accesibles y sencillos, o sea, más pop. Pero a pesar de todo igualmente siguen siendo esos chicos del país de las maravillas que exporta músicos de primera categoría, siguen siendo Sigur Rós.

1. "Third" de Portishead: Sin duda la mayor sorpresa del año fue el retorno de Portishead al mundo musical después de 11 largos años, tal vez muchos pensaron que no sonaría igual que en tiempos del 'Dummy', pero la voz de Beth Gibbons sigue igual de intacta. El gran plus de este disco en comparación con las anteriores producciones de la banda es la manera en que está construído, los sintetizadores y guitarras se mezclan y crean un sonido peculiar, un sonido que hace mucho no escuchabamos, el trip-hop vuelve a la vida en su forma más pura. Y a lo mejor no pura, sino un trip-hop radical, totalmente desnudo que hasta se le pueden ver las entrañas, muy difícil de digerir en un comienzo pero cuando ya te acostumbras te das cuenta que es una magnifica producción de este trio británico, 11 años no pasan en vano y confirmamos que las mejores bandas no se oxidan.

April de Deep Purple (Letra y traducción)

Llegó el mes de abril y no encuentro mejor forma de celebrarlo que con este temón de una de las bandas más pros de los 70. Recuerdo que una vez le preguntaron a Yngwie Malsteem cuál era mejor banda Led Zappelin o Black Sabath, y luego de unos breves segundos respondió con contundencia: Deep Purple. Para serles francos nunca hubiera pensado lo mismo que Yngwie si no habría escuchado "April", para mí, la mejor canción del púrpura profundo. Un tema fatalista acerca de este mes, nublado y solitario, triste pero hermoso a la vez, según lo describen.

Sin embargo, la letra pasa a segundo plano ya que este se enfoca en tres movimientos claves y muy distintos: el primero, acústico; el segundo, sinfónico; y el tercero, eléctrico. Una gran variedad de instrumentos de los cuales nos podemos extasiar. Si no la han escuchado, prepárense para unos 12 minutos intensos... ah si, son 12 minutos y es al minuto 8 cuando Rod Evans se digna a cantar... PACIENCIA ANTE TODO que no se van a defraudar. Viva abril.

"April"

April is a cruel time

Even though the sun may shine

And world looks in the shade as it slowly comes away

Still falls the April rain

And the valley's filled with pain

And you can't tell me quite why

As I look up to the grey sky

Where it should be blue

Grey sky where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

Maybe once in a while I'll forget and I'll smile

But then the feeling comes again of an April without end

Of an April lonely as they come

In the dark of my mind I can see all too fine

But there is nothing to be done when I just can't feel the sun

And the springtime's the season of the night

Grey sky, where it should be blue

Grey sky, where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

I don't know

"Abril"

Abril es un tiempo cruel

pero aún así el sol puede brillar

y el mundo mira la sombra como si esta lentamente se fuera

aún cae la lluvia del abril

y el valle lleno de dolor

pero no puedes decirme bien por qué

mientras miro hacia el cielo gris

donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué deberia ser tan...

gritaré, decir que no sé

Tal vez de vez en cuando olvidaré y sonreiré

pero luego el sentimiento vuelve de un nuevo abril sin final

de un abril solitario como viene

en la oscuridad de mi mente puedo ver todo claro

pero no hay nada que hacer cuando no puedo sentir el sol

y la primavera es la temporada de la noche

cielo gris, donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué debería ser tan...

gritare, decir que no lo sé

no lo sé

Traducción: Carlos Racchumi R.

¿Paul McCartney en Lima? ¡Si, huevón!

La historia de Paul McCartney en Lima ya parecía la fábula de Juanito y el lobo. Por lo menos, los productores de conciertos en Lima nos habían engañado con ese cuento un par de veces y con la última noticia que salió hace tres días sobre otro posible concierto del ex beatle, ya me pareció un descaro total. Sin embargo, parece que Juanito esta vez dijo la verdad.

Paul McCartney 'SI' viene a Lima. Por primera vez en la pobre historia conciertera de nuestro país (que en los últimos cuatro años se está dejando respetar), vendrá un beatle a tocar en vivo. La noticia ya está repercutiendo en fanáticos, no tan fanáticos y poseros musicales de todas las edades, pero lo cierto es que es una cita imperdible e quizá irrepetible. Pero ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Cómo? ¿Por qué? y, sobre todo, ¿cuánto es?

La cita es el lunes 9 de mayo (si, para joda primer día de la jodida semana) en el Estadio Monumental (ojo, no explanada). Así que preparen carpas porque van a haber por lo menos 40 mil personas alrededor del coloso universitario. Lo único que se sabe de los precios de las entrada es que la más barata estará alrededor de los 75$ así que hay que ahorrar muchachos y muchachas porque faltan menos de dos meses.

Mientras tanto y para calmar la angustia un videíto del maestro:

White Rabbit de Jefferson Airplane (Letra y traducción)

Una de las más emblemáticas canciones de la corriente psicodélica en San Francisco. Jefferson Airplane fue una banda de grueso calibre y con su disco de 1967 "Surrealistic Pillow" dieron vuelta y media el globo con sus temas que evocaban a la juventud, el amor y, sobre todo, a las drogas. El tema que representa mejor esa tendencia a evocar las 'sustancias psicotrópicas' es precisamente "White Rabbit", haciendo una impecable metáfora con el cuento de "Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll.

El tema fue escrito por Grace Slick (una de las mejores mujeres rockeras que han existido) allá en el año 65, cuando todavía no formaba parte de la banda. Fue recién con el "Surrealistic..." que se instrumentó y fue lanzado obteniendo un enorme éxito.

"White Rabbit"

One pill makes you larger,

And one pill makes you small,

And the ones that mother gives you,

Don't do anything at all,

Go ask Alice,

When she's ten feet tall.

And if you go chasing rabbits,

And you know you're going to fall,

Tell 'em a hookah smoking caterpillar,

Has given you the call,

Call Alice,

When she was just small.

When men on the chessboard,

Get up and tell you where to go,

And you've just had some kind of mushroom,

And your mind is moving slow,

Go ask Alice,

I think she'll know.

When logic and proportion,

Have fallen sloppy dead,

And the White Knight is talking backwards,

And the Red Queen's "off with her head!"

Remember what the dormouse said;

"Feed your head".

"Conejo Blanco"

Una pastilla te hace más grande,

y otra pastilla te hace pequeño,

y las que te dió mamá,

no les hagas nada,

ve a preguntarle a Alicia,

cuando ella mida diez pies de alto.

Y si tú estás cazando conejos,

y sabes que vas a caer,

díselo a una oruga fumadora,

te dará la llamada,

llama a Alicia,

cuando estuvo pequeña.

Cuando los hombres en el tablero de ajedrez,

te levantan y te dicen dónde ir,

y justo has tomado una clase de hongo,

y tu mente se mueve lentamente,

pregúntale a Alicia,

pienso que ella lo sabrá.

Cuando la lógica y proporción,

han caído suavemente muertas,

y el rey blanco habla a espaldas,

y la reina roja dice "abajo su cabeza",

recuerda lo que dijo la perilla:

"alimenta tu cabeza,

alimenta tu cabeza".

Top 10 mujeres Rockeras/Metaleras + asadas y bien molestas

Me parece que el nombre del top 10 lo dice todo referente a este, salvo que considero que los grupos a los que pertenecen son de gran calidad y que están ubicadas del 1 al 10 por agresividad y no por que considere que alguna o grupo al que pertenezca alguna de estas mujeres sea mejor que los otros del top, ya que casi todas pertenecen a estilos diferentes.

N° 10 Mary Elizabeth McGlynn

Mary Elizabeth McGlynn participa en los soundtracks del juego Silent Hill, este juego es muy exitoso, no solo por sus tramas, también por su excelente música, compuesta por Akira Yamaoka, Mary participa como vocalista y también escribiendo letras de algunos temas, La combinación de Mary y Akira da como resultado unos temas oscuros y tristes, la música de Silent Hill es simplemente única.

N° 9 Anza Ōyama

Anza comenzó su carrera como ídolo pop adolescente en diversos grupos, Luego se retiró de esas payasadas y decidió intentar carrera como solista, En el proceso Anza conoció a un guitarrista Hiro, junto con él y Mar, hermano de Hiro, formaron la banda de Nu Metal Deep Blue. Luego consiguieron a Kawady el bajista y al baterista Okaji, después consiguieron lanzar su primer single, "Escapism" en el año 2000, justo antes de cambiar el nombre de la banda por Headphones President.

N° 8 Christina Scabbia

La vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), Su registro vocal es muy aterciopelado y fuerte, Figura en el puesto 94 dentro del listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.

N° 7 Courtney Love

Courtney Love fue miembro fundador de Hole, banda de grunge, durante sus dos primeros discos “Pretty on the inside”(recontra asado, perdónalos payashito!!!) y “Live Through This” (sin duda su más grande pieza discográfica), luego vino un tercer disco Celebrity Skin (el fresita de la discografía), el cual no resulto y termino por causar la separación de la banda, el 27 de abril del año pasado, después de 12 años Hole lanza su cuarto álbum de estudio, "Nobody's Daughter", el se empezó a desarrollar durante la estadía de Love en un el centro de rehabilitación por haber violado su libertad condicional por tenencia de drogas legales en setiembre del 2005, Love se encontraba en una completa depresión, gracias a la ayuda de Linda Perry a cargo de la producción y Billy Corgan como guitarrista y arreglador (tengo q corroborar esto!!!, ya que aún no escucho este disco), y a otros músicos. Sea como sea, tengo fe en en el cuarto disco de Hole y cualquier otro disco que provenga de algunas experiencias desastrosas, el Grunge está volviendo, Hole, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, nunca murió…chacky se pasan!!!

N° 6 Crucified Barbara

Crucified Barbara es un grupo Sueco formado por mujeres, su sonido es una acertada combinación entre Hard Rock y Metal, en mi opinión es el grupo de mejor sonido de este top 10, aunque en realidad la diversidad de estilos de este top no permite hacer una comparación que tenga sentido respecto al sonido. Crucified Barbara está formado por Mia Coldheart (guitarra solista y voz), Klara Force (guitarra y coros), Ida Evileye (bajo y coros) y Nicki Wicked (batería y coros), si solo vas a ver uno de los videos que sea este.

N°5 Jada Koren Pinkett Smith

Actriz casada con el famoso actor Will Smith, ha participado en varias películas, algunas de las más reconocidas fueron la saga de Matrix, Collateral, Kingdoom Come, Reign Over Me Madagascar, World Ablaze y Ali, Jada es la vocalista de la banda de Nu Metal 'Wicked Wisdom'.

N° 4 Agnete Maria Kjolsrud

Agnete Maria Kjolsrud, actualmente vocalista del grupo Djerv , perteneció anteriormente al grupo noruego Animal Alpha, grupo de metal que lastimosamente decidió separarse, este grupo se caracterizaba por el look de haber salido de alguna alguna cinta de cine fumado y tener una gran energía en sus temas (recomiendo el disco "Pheromones"), este grupo me atrajo al comienzo porque me recordaba un poco a Mars Volta. Desconozco el trabajo de Agnente en Djerv, pero francamente dudo que pueda ser algo tan bueno como lo que fue Animal Alpha.

N° 3 Drain STH

Drain STH es una banda Sueca de Metal formada por cuatro mujeres, María Sjöholm (Voz), Flavia Canel (Guitarra), Anna Kjellberg (Bajo), Martina Axén (Batería), El sonido de Drain podría calificarse de crudo y tenebroso, además tiene cierto parecido con Alice in Chains , Drain se escribe con “STH” por Estocolmo (Stockholm), capital de Suecia.

N°2 Alissa White-Gluz

Alissa White-Gluz cantautora de The Agonist, banda canadiense de Death Metal Melódico, además de ser una de las pocas mujeres que usan voces guturales como su estilo principal de canto, tiene la cualidad de cambiar radicalmente a una voz melódica sin dificultad. Siendo ella una amante de los animales, trabaja activamente con PETA, También pertenece al movimiento Straight Edge y lleva una vida vegana, quizás por todo esto no parece tan asada, pero cuando escuches algún tema de The Agonist, sabrás por qué tiene el segundo puesto.

N°1 Angela Nathalie Gossow

Segunda vocalista de Arch Enemy, banda alemana de Death Metal, se describe a sí misma como una persona ambivalente que ama lo extremo y quien gozó de una niñez salvaje y maravillosa, en sus propias palabras: «disgustar perfectamente a mis altamente cristianos padres».

El año 2000, Arch Enemy estaba buscando un vocalista para reemplazar a Johan Liiva, por lo que preguntaron a Gossow si estaría interesada en audicionar para la banda, ellos ya conocían la calidad de la voz gutural de Gossow gracias a un demo que ella les entrego en una entrevista cuando trabajaba para una revista de música en línea que abarcaba el rock y el metal, Angela contesto a la propuesta de audición con un rotundo: "¡FUCK YES!".

Que Rico es Compartir!!!

Cuando se hace realidad un "Sueño Siamés"

Hace unas semanas el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan reveló una de las noticias más bizarras e increíbles que hasta ahora no sé ¡¡¿¿cómo no he posteado nada de esto en el blog??!!

Corgan 'twiteó' desde su cuenta Twitter.com/Billy que la actual bajista de la banda, Nicole Fiorentino, es una de las dos niñas que aparece en la portada del disco "Siamese Dream" de 1993: "Just found out the weirdest news: our bass player Nicole just admitted she is one of the girls on the cover of 'Siamese Dream'”.

Nicole, que ahora tiene 31 años, debió haber tenido unos 13 para el tiempo en que se tomó la foto y, aunque no dijo cuál de las niñas es, hay varios rumores sobre si esta afirmación es cierta o no. En fin, compárenlo ustedes mismo y nos lo dicen ¿Será cierto?

Personalmente creo que se parece más a la de la derecha, pero no creo que ninguna de las niñas tenga 13 años, a menos que la foto haya sido tomada mucho antes. Para amenizar el debate, te mostramos una pequeña reseña de este grandioso disco, uno de los mejores de los años 90:

"Siamese Dream" de The Smashing Pumpkins (1993)

Siamese Dream es uno de esos álbumes en los cuales los músicos ponen todo su empeño y talento por el hecho de seguir adelante y ser los mejores, o al menos ser reconocidos, y es que para 1993 la banda de las "increíbles calabazas" tuvo su época más catastrófica en lo que en relaciones internas se refiere, y de éste disco dependió si la banda seguiría tocando o se desintegraría.

En los años 92 y 93 el baterista Jimmy Chamberlin comenzaría su adicción a la heroína (caso que más adelante se agravaría), James Iha y D'arcy Wretzky, guitarrista y bajista respectivamente, terminarían su larga relación amorosa violentamente, dejando marcada a la banda con resentimientos y, por su lado, Billy Corgan, cayó en una depresión a punto de pensar en el suicidio.

Sin embargo, esta familia disfuncional crearía uno de los discos más influyentes y aclamados de la era alternativa. Siamese fue un álbum nacido de la cólera, la presión y la desesperación, y es dificil pensar que en tiempos tan difíciles se crearía un disco tan bien trabajado y construído.

A diferencia del primer álbum de la banda ("Gish" de 1991) que tuvo influencias claras de los setentas con un éxito relativo en las ventas, el Siamese tendría influencias conjuntas con la música de los ochentas, mucho más trabajado en lo que a efectos se refiere y resaltando la increíble combinación de talentos de Corgan y Chamberlin.

El proceso de grabación fue duro, la tensión que había entre Iha y D'arcy era notoria; Chamberlin faltaba por días seguidos a consecuencia de las drogas, lo cual hacía a la banda temer por su vida; el perfeccionismo de Corgan también ponía a los demás miembros de la banda bajo mucha presión, se tenía que volver a grabar partes una y otra vez, trabajando así mas de 15 horas diarias por varias semanas, el estrés fue tanto que habían veces que los miembros se encerraban en los cuartos de los sets de grabación. El incansable Corgan y el productor Butch Vig (quien fue su mano derecha en el proceso de grabación y doblaje) fueron quienes terminaron toda la grabación, Corgan tuvo que tocar varias veces las partes de Iha y D'arcy ya que estos últimos no se presentaban en las grabaciones finales, hay algunas canciones que se editaron con varios sonidos de guitarra (por ejemplo en "Soma" se pueden escuchar hasta 50 sonidos de guitarra diferentes que fueron editados para el álbum).

En cuanto a la temática de las canciones, se notan claramente los sentimientos que Corgan tuvo al escribirlas; el resentimiento, la tristeza y la depresión son los conceptos más visibles. "Cherub Rock" es un llamado de atención a cómo los medios masivos explotaban la música indie/alternativa al punto de convertirla en un negocio; esta canción está compuesta por un increíble solo de Corgan, el magistral talento de Chamberlin también sale a flote para luego ser catalogado como un de los mejores bateritas de los noventas.

"Today" con su reconocido punteo, nos muestra con cierta ironía los momentos que la banda sufrió previamente al lanzamiento del álbum, las estrofas nos hablan con sarcasmo de la alegría de vivir, plasmada en la primeras líneas de la canción "Today is the greatest day i've ever known", contrastando luego con el coro y sus letras oscuras, donde prácticamente el autor se autodestruye. Esta canción fue escrita cuando Corgan tenía en mente el suicidarse.

"Disarm", más acústico y con el uso de un cello y un violín, es una de las canciones más personales de Corgan, hablando de su niñez, la relación con sus padres y su depresión, la canción fue en un inicio censurada en el Reino Unido por su oscura letra: "The killer in me is the killer in you" o "cut that little child" generaron controversia en el sector conservador, sin embargo, con la censura, el tema fue un éxito y fue uno de los más queridos por los fans.

"Rocket" con un un buen riff que se repite a lo largo de la canción, nos muestra metafóricamente las ganas que Corgan tuvo de sobresalir con su banda siendo un "cohete" que vuela a las estrellas. "Geek U.S.A." sin duda la canción mas fuerte del disco, personalmente es una de las mejores performances de bateria que haya escuchado, perfectas y precisas en todo momento, igualmente el solo de Corgan es excelente, el tema es una construcción musical 100% hard rock.

"Soma", escrita por Corgan e Iha, es una de esas canciones que sólo los fanáticos la han escuchado, ya que no fue lanzada como single, tal vez una de las mejores trabajadas en el disco, con un comienzo lento que va en aumento y luego otra vez desciende, el solo de Corgan es (otra vez) excelente, el uso de efectos fue la clave para la realización del tema, siempre se van a escuchar cortos sonidos de fondo, quiebres precisos. El nombre de la canción hace referencia a una antigua droga que fue leída en un libro por Corgan, comparándola así con las complicaciones de las relaciones amorosas (tan peligrosas y relajantes como el opio, segun Corgan).

(Mi versión familiar del Siamese Dream)

Finalmente puedo decir que este fue el álbum que logró sacar del fondo a una banda que lo merecía, es una de las mejores combinaciones de guitarra-bateria que jamás haya escuchado, y sin duda, un impulso a lo que luego vendría, el "Mellon Collie & the Infinite Sadness", el mayor momento de inspiración y éxitos de una de las mejores bandas de los noventas.

Lista de canciones:

1. Cherub Rock – 4:58

2. Quiet – 3:41

3. Today – 3:19

4. Hummer – 6:57

5. Rocket – 4:06

6. Disarm – 3:17

7. Soma – 6:39

8. Geek U.S.A. – 5:13

9. Mayonaise – 5:49

10. Spaceboy – 4:28

11. Silverfuck – 8:43

12. Sweet Sweet – 1:38

13. Luna – 3:20

“Perseverance” de Hatebreed

Hatebreed es una banda de Hardcore Metal, formada por Jamey Jasta, Dave Russo, Larry Dwyer y Chris Beattie, en el año de 1994, Perseverance es su tercer disco (2002), en una primera oportunidad no supe apreciar este disco, su sonido era demasiado pesado para mí en ese momento, en aquel tiempo yo pensaba que Disturbed era pesado por ejemplo ( con eso no pretendo desprestigiar a Disturbed, de hecho creo que es genial) meses después volví a escucharlo y pude, apreciar lo especial que es este disco… imagínate un explosivo de la marca Acme de los que usa el coyote Willy para acosar a su némesis el correcaminos, ahora imagínate que tú eres el coyote, el correcaminos es todas esas personas que odias, las que no comprendes, las persona que tan solo por existir amargan tu vida, que respiran nuestro aire y no tiene entre sus discos uno solo de progre o metal, tan animales que creen que Batman vuela, que Shakira hace música, finalmente tienes al correcaminos por el cuello con una de tus manos, giras tu cabeza para observar tu otra mano, y que es lo que encuentras?... el explosivo de color rojo con una mecha negra?...no, aparentemente lo es, en realidad es más que eso, es odio, si eso que tus ridículos prejuicios se han tomado el trabajo de archivar en ti, de hacerte crecer, un poco más gracioso y otro poco más insano, este disco te da la herramienta que necesitas, sea para tu vendetta personal, robar un banco vestido de Darth Vader, aprender a respetarte, desfogar enormes cantidades de odio(quizás sobre alguien), utilizarlo para estimularte al salir a correr o en algún gimnasio donde ponen lo mejor del pop y los 80s, o otro tipo de música capaz de matarte del aburrimiento, cometer cualquier otra estupidez o finalmente derribar la puerta de tu hermano o hermana y darle esa patada en el culo que tanto se merece… este disco es una herramienta forjada con violencia, voluntad y odio.

Si mi forma de comentar sobre este disco está cargada de un exceso de humor negro… eso y en realidad la violencia no resuelve nada (aunque eso es una pena) pero según mi opinión este es sencillamente el disco de Hardcore Metal más grande que ha existido, y se merece ser publicado con algún plus, para terminar quisiera agregar que el tema para empezar a conocer el disco es I Will Be Heard, que creo por poco es mejor que el resto.

Lista de Canciones "Perseverance" (2002)

1. Proven
2. Perserverance
3. You're Never Alone
4. I Will Be Heard
5. A Call For Blood
6. Below The Bottom
7. We Still Fight
8. Unloved
9. Bloodsoaked Memories
10. Hollow Ground
11. Final Prayer
12. Smash Your Enemies
13. Healing To Suffer Again
14. Judgment Strikes (Unbreakable)
15. Remain Nameless
16. Outro

Hatebreed Perseverance

Hatebreed Proven

Hatebreed - I Will Be Heard

Darth Vader robs Bank (Darth Vader asalta banco)

Que rico es compartir!!!