Dream Theater en Lima: Under Peruvian Skies

Una de las noches para el recuerdo, fui consciente que al ir a la explanada sin una entrada en la mano me iba a quedar afuera escuchando a una de las mejores bandas de nuestro tiempo (sino la mejor), sentado en la vereda con mi amigo del alma, que dicho de paso también es fanático del metal y el rock progresivo. Llevé, al igual que él, unas 100 lucas para probar suerte pero estaba seguro que los revendedores iban a cobrar mínimo unos 120 por una entrada que orginalmente valía 86, así que me fui resignado. Sin embargo, había muy poca gente a los alrededores de la explanada, no muchos conocen a esta genial banda y muy pocos saben que es una de las bandas más respetadas del metal progre, mis esperanzas comenzaron a brotar, con la poca gente que había tal vez estén vendiendo las entradas un poco más barato, pero nunca pensé que sería TAN barato.

Estábamos a medio camino entre el famoso óvalo y la explanada cuando una persona se nos acercó y nos dijo: "Tengo Octavarium a precio rebajado". Me detuve y le pregunte a cuánto vendia dos entradas y nuestro salvador de la noche nos respondío: "20 lucas cada una nomás". Dudé por momentos y le pedí que nos acompañe a la entrada. El hombre era muy amigable, nos dijo que estaba en este negocio ya casi 15 años y como todo profesional nos dio su tarjeta de presentación y nos dijo que para cualquier entrada para conciertos o partidos de fúbol lo llamásemos sin titubear porqué él nos las podía conseguir a precios reducidos. Esta situación fue una de las más extrañas que haya vivido, en la tarjeta decía su nombre (que permanecerá anónimo), su DNI, teléfonos, mail y por supuesto el enganche "Reservación de Entradas", todo un profesional, el par de entradas que compramos estaban más que bien.

Pero ahora a lo que en verdad interesa, Dream Theater fue un expectáculo musical increíble, el virtuosismo de sus músicos va más haya del entendimiento de una persona normal, los punteos de Petrucci, la habilidad del incansable Portnoy con su batería de tres bombos, el impresionante solo de Rudess, la concentración de Myung y la impecable voz de LaBrie, eso es señores la escencia del progresivo, cada uno de sus músicos es un virtuoso instrumentista sin que se le permita falla alguna, y así fue el concierto perfección pura. Hubo un momento en que grite: "El progresivo vive".

Los temas épicos que nunca escucharemos en la radio porque simplemente la radio peruana es una mierda sonaron en su totalidad de principio a fin, abriendo con "A Nightmare to Remember" de 16 minutos, le siguió "A Rite of Passage" de 9, ambas de su último disco "Black Clouds & Silver Linings".

Pero no todo fueron temas progre sin fin, el metal salió a flote con temas como "Constant Motion" con el que mi pata ya estaba experimentando su primer orgasmo de la noche. La cátedra que dio Jordan Rudess en su expectacular solo de teclados, la tranquila pero coreada "The Spirit Carries On" sacada de la obra maestra de la banda llamada "Metropolis 2", el increíble duelo entre Petrucci y Rudess que dejó a todos los expectadores con la boca abierta, la poderosísima "As I am" y contra todo pronostico de quienes dudaban que no iban a tocarla: "Pull Me Under", no voy a hablar de esta canción porque todos saben lo que esta significa.

La banda se retiro por momentos pero regresó con Mike Portnoy vistiendo la camiseta del Perú para regalarnos lo que todos esperábamos, un tema que debía ser tocado por obligación en nuestro país y sólo en él, "Peruvian Skies" fue tocada por primera y única vez por la banda en esta gira, la banda finalizó su impecable presentación con otra odisea musical progre metalera titulada "The Count of Tuscany" de 19 minutos. LaBrie y compañia se despidieron gratamente flñameando la bandera peruana diciendo: “Lima, por fin lo hicimos. Esperamos por años para llegar a acá. No tardaremos tanto en volver la próxima vez. Gracias por esta gran noche. Gracias”. Esperarémos enntonces otra mágica noche cuando el Teatro de los Sueños esté nuevamente 'under peruvian skies'.

Setlist:
1. A Nigthmare to Remenber
2. A Rite of Passage
4. Extractos de "La Lista de Schindler" (John Petrucci)
3. Hollow Years
4. Constant Motion
5. Keyboard solo (Jordan Rudess)
6. Erotomania
7. Voices
8. The Spirit Carries On
9. As I am
10. Pull Me Under
---Itermisión---
11. Peruvian Skies
12. The Count Of Tuscany

Mejores discos del 2001: Lo mejor de la década (Parte II)

En el 2001 hubo una gran cantidad de discos que exigían un cambio en el mainstream. Comparando el año 2001 con el 2000, hubo una mejora en cuanto a la cantidad de discos buenos, pero no lograron igualar la calidad de discos como el "Kid A" o el "Lift Your Skinny Fists...", aun asi los lanzamientos de este año comenzaron a consolidar al indie rock como el nuevo género musical que rebasaría con todos los demás y poco a poco se convertiría en el mainstream musical gracias al empujón que le dieron bandas como The Strokes o The White Stripes. Sin embargo otra corriente musical lograría frenar por momentos el estallido indie, los lanzamientos de Tool y Björk nos darían un puñetazo en el vientre redescubriendo el metal y la electronica respectivamente, pero de una manera más experimental. Para mí el 2001 no puede abreviarse en un top 5, así que aquí les muestro el top 10 del año 2001:

10. "Terria" de Devin Townsend: Townsend se caracteriza por ser un rockero de metal progresivo pero con este disco el cantautor y su banda nos muestran otro lado de su increible talento musical, más minimalista y ambiental; pero no dejen que este término los asuste, es ambiental a la manera que Townsend lo entiende. Sin embargo la banda no se olvida se sus raices y hay momentos de explosión metalera con grandes solos de guitarra que, aunque no sean tan fuertes como en otros discos, nos dejan completamente satisfechos.

9. "Girls Can Tell" de Spoon: Spoon se convirtió en una gran banda representante del indie rock con este gran disco, tranquilo y fácil de escuchar, temas muy bien pensados y aunque son tocados con toda simpleza son muy precisos. Lo mejor del disco es que es muy variado, muchos temas son totalmente contrarios a otros pero siempre se mantiene la característica de ser un disco indie. En los siguientes años la banda demostraría su gran talento y nos deleitarían con un par de discos más que quedar-an en la memoria de todo fan indie.

8. "Blackwater Park" de Opeth: Opeth es una banda de death metal sueca, pero esta no es una más de las cientos de bandas suecas de metal, hoy en día es reconocida mundialmente por miles de fanáticos y críticos musicales como una de las mejores de su tiempo. Después de su exitoso disco "Still Life" de 1999, las personas esperarón con ansias este disco y no defraudó. La banda cambió considerablemente su estilo con este disco, haciendo temas mucho más trabajados con buenos arreglos y cambios de tiempo consolidándose en el mundo del metal.

7. "La Revancha del Tango" de Gotan Project: Primer disco de esta genial banda integrada por un francés, un argentino y un suizo que combina el tango con la electrónica, jazz y hasta trip-hop. "La Revancha del Tango" se inspira en la genial música de Astor Piazzolla para luego ir combinándola con varios estilos musicales. Así también en este disco le rinde tributo otros músicos haciendo covers de Frank Zappa con "Chunga's Revenge" y a Gato Barbieri con el tema de la película "El Último Tango en París". Sin duda este es un disco que ningún fanático de Astor o del tango en general debe perderse.

6. "Amnesiac" de Radiohead: Tom Yorke y compañía volvieron raudamente luego del éxito del "Kid A" para mostrarnos otro trabajo del cual también deben sentirse orgullosos. Algunos podrán decir que este disco es el hijo (o hasta los desechos) del "Kid A", ya que ambos fueron creados en las mismas sesiones de grabación, paero la banda ha objetado firmemente que ambos deben considerarse como trabajos por separado. Y aunque el disco no alcanza ser tan grande como su antecesor, hay temas como "Pyramid Song", "Knives Out" o "I Might Be Wrong" que pueden ser considerados como grandes logros de la banda.

5. "Lateralus" de Tool: Tool podrá ser considerada una de las bandas más extrañas y misteriosas que ha existido, pero eso no le quita el prestigio que ahora tiene. "Lateralus" fue el tercer disco de estudio de la banda y al igual que en sus demás lanzamientos, la banda nos propone un tipo de música muy visceral. En este disco la banda se aleja un poco del metal y se vuelve más progresiva y experimental, recordando los buenos tiempos de King Crimson pero aún más fuerte y extraño. Los temas gozan de una genial estructura, cambios de ritmo y una bien pensada instrumentación que cualquier otra banda podría desear.

4. "Origin Of Symmetry" de Muse: La influencia de Muse es clara, es un Radiohead un poco más fresco, mientras los creadores del "Amnesiac" se iban por corrientes más experimentales, Muse decidió retomar lo que Tom Yorke y sus secuaces dejaron atrás. Sin embargo, la experimentación no les es totalmente ajena, hay varios temas en los que se usan instrumentos poco comunes y distorsiones guitarrescas las cuales le dan a la banda un toque personal y, en definitiva, un punto de disparidad con el clásico Radiohead noventero. Muse hoy en día es una de las bandas más queridas en el mundo musical y principalmente se lo deben a este disco que, aunque no fue tan exitoso comercialemete como el "Absolution" del 2003, lográ superarlo musicalmente.

3. "Is This It" de The Strokes: Pocos discos debut logran ser tan exitosos como este, The Strokes sonaba en todos lados, desde radios hasta discotecas, todo el mundo cantaba sus canciones y de pronto todos se dieron cuenta que este sería el nuevo mainstream, aunque le faltara un pequeño empujoncito para serlo al 100%. Pero lo que tocaban estos chicos era un rock muy simple pero pegajoso y con buen ritmo. Sin embargo, esta simplicidad se basa en décadas de influencia, desde el garage rock, el reggae, el post-punk, el britpop, el grunge, etc. cada tema posee un sonido característico lo que hace al álbum muy colorido y variado. Sin duda alguna este disco permitió abrir las puertas a una gran cantidad de bandas garage e indie para que al año siguiente invadieran las radios.

2. "White Blood Cells" de The White Stripes: Fue difícl decidir qué disco se quedaba en este lugar, pero por muy poco margen considero al "White Blood Cells" mejor que el "Is This It" y el porqué es el siguiente: el disco fue el despegue de una de las mejores bandas de la década, temas como "Fell In Love With a Girl", "Death Leaves and a Dirty Ground" y "Hotel Yorba" son para mí temas destinados a ser grandes clásicos del rock y cuando tenga 50 y vuelva a escuchar el disco me saldrán lágrimas. El disco es mucho más fuerte y con más actitud que el de The Strokes, la genial guitarra de Jack White puede confirmarlo. El duo musical se consolidaría rápidamente y se abrirían paso para crear su obra maestra: "Elephant".

1. "Vespertine" de Björk: Desde su primer disco en adelante Björk nos ha mostrado que su música evoluciona cada vez más a una forma más ecléctica, si se originó siendo pop, pasando a la electrónica y al trip-hop, "Vespertine" nos muestra a una Björk que explora tantos géneros para mostrarnos algo que ella misma califica como 'sonidos para hibernar' y tal vez sea ese el calificativo al que más se adecua este disco lleno de susurros y música tan pura con la que simplemente te da ganas de sentarte y escuchar. La artista no abandona sus raices, se puede apreciar la música electrónica pero con un toque más ambiental, parece que estos dos géneros se reproducieron para ver nacer al "Vespertine", que a su vez también nos decía: si Björk sigue evolucionando, ¿qué nos traerá después?... tal vez un tipo de música que se sienta hasta la médula.

Mejores discos del 2000: Lo mejor de la década (Parte I)

Año 2000, la música estaba indecisa en este momento y lo mejor que se pudo hacer en este año fue experimentar, al indie le faltaría un poco más para convertirse en mainstream y las bandas experimentadas (como por ejemplo Radiohead) ya miraban a otros rumbos, la década comenzaba desoladora, pero hubo unos cuantos discos que quedaron en la memoria y entre ellos dos de las más grandes obras maestras de la década, una salida del cerebro de Tom Yorke y compañía, y la otra de un grupito de 9 canadienses totalmente anticomerciales. Aquí el top 5 de los mejores discos del año 2000:

5. "Relationship of Command" de At The Drive-In: Un par de portorriqueños y compañía salian a la luz con este disco y aunque todavía no encontraban 'su sonido' éste fue un éxito instantáneo. Este fue el tercer disco disco de la banda que combina harcore metal con melodiosos y emotivos temas. A pesar del éxito del disco, la banda se disolvió al poco tiempo y sólo los dos portorriqueños lograron salir adelante para formar una nueva banda, sus nombres: Cedric Bixler y Omar Rodríguez-López; la banda: The Mars Volta.

4. "The Moon And Antarctica" de Modest Mouse: Una gran banda alternativa que reformó su sonido con este disco, pero lo mejor de este es sin dudas su letra escrita con una inspiración al borde de todo, su sonido nos hace acordar por momentos a Neutral Milk Hotel pero se nota que le dan un toque personal que lo diferencia de todas las bandas indie-alternativas. Este fue un disco que tuvo la mala suerte de competir con el "Parachutes" de Coldplay en las discotiendas, la banda perdió la batalla en ventas, pero músicalmente es cien veces mejor, lástima que la mayoría de personas no se den cuenta de ello.

3. "Perfect Element, Part I" de Pain of Salvation: Esta banda sueca de metal progresivo ahora es considerada como una de las mejores del mndo y fue con este disco que llegaron a ser respetados por otras bandas del mismo corte como Dream Theater y Tool. En este disco la banda muestra sus dotes en la guitarra y en sus grandes cambios de total agresividad a pasajes lentos y calmados viendo así el virtuosismo de sus integrantes en el cambio de ritmos. "Perfect Element, Part I" es un disco conceptual que narra la historia de un niño y una niña desde su terrible niñez a su adolescencia y en cada canción se explotan varios temas como la sexualidad, las drogas, el sufrimiento, el amor, la ira y el abuso sexual.

2. "Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven" de Godspeed You! Black Emperor: Esta es una banda muy especial para mi, una de las mejores bandas de la década sin duda, hermosa música, hermosos arreglos, creo que todo es hermoso en este disco. Un amigo mio me dijo que musicalmente nada malo puede salir de Canadá, y es cierto, desde Neil Young pasando por Rush, Harmonium y Arcade Fire, ningún solista o banda es malo, pero esta banda tiene algo más, Godspeed You! Black Emperor, su nombre es tan lago como sus canciones, en este disco doble e instrumental no hay tema que baje de 20 minutos, en sus solo 4 temas se nota una gran influencia sinfónica / post-rock,, temas en crescendo separados en varios movimientos que explotan en nuestras narices. Una obra de arte absoluta. (Recomiendo ver el video, que además de mostrar una pequeña parte del tema "Storm" hay interesantes animaciones e imágenes algo fuertes).

1. "Kid A" de Radiohead: Para algunos tal vez era muy obvio, pero es que este disco sobrapasa los límites que la propia banda fijo con su anterior disco "O.K. Computer", la banda se influenció del krautrock alemán de los años 70's, de la música clásica de comienzos del siglo XX y del free jazz de los años 60's, dicha ecuación dio como resultado al "Kid A", uno de los mejores discos de la década (sino el mejor) y la razón de porqué el disco de Godspeed You! no está en primer lugar. Este disco experimental nos hace recordar a los discos instrumentales de King Crimson como el "Lizards" o el "Islands" donde se crea una atmósfera que te absorbe al primer minuto, la banda alcanza la maduración con esta peculiar pero perfecta combinación de estilos para convertirse en verdaderos maestros de la música contemporánea. Fue precisamente con este disco que Radiohead abadonaría por completo el pop y desde ese entonces trasladaría su música a corrientes más experimentales.

Los mejores discos de la década que se nos fue

Pensé muy en serio hacer un top 10 de los discos del 2009 pero me convencí finalmente en hacer un top de los mejores discos de toda la década, asi q en los proximos posts publicaré, año por año, los que a mi parecer son los mejores discos que nos dejó.
Sin lugar a dudas la pasada fue una década de mucha fusión de estilos, el indie y la música electrónica se renovaron gracias a las nuevas tecnologías y, por supuesto, la gran revolución musical la protagonizó la internet, que practicamente monopolizó el mercado discografico a tal punto de hacer ceder a bandas de gran calibre a lanzar sus discos y venderlos (o si se deseaba regalarlos) por medio de la web. Tal vez esta haya sido una de las más confusas musicalmente hablando ya que casi todas las bandas del medio se influenciaron de la música de los 70's, 80's y sobre todo 90's dejando así a la primera década del nuevo siglo sin una característica musical propia como las demás décadas la tuvieron.
Sin embargo, la gran diversidad de estilos, géneros y subgéneros musicales creados en los últimos diez años es de tal magnitud que nos hace pensar en cómo los músicos y las bandas del futuro se influenciarán de esta innovadora música. 

Metallica en Lima... y nada más

Tal vez uno de los conciertos más esperados en nuestra capital, estaba en boca de todos y miles se cagaban por ir, el escenario fue uno poco conocido para quien ha asistido a varios conciertos estos últimos años, pero se prestaba para que todos los verdaderos fanáticos pudiesen asistir y reventar sus timpanos con los fortísimos riffs de guitarra de una de las bandas metaleras más famosas y reconocidas de todos los tiempos.

Personalmente no escuchaba Metallica desde hace tres años y cuando recibí la noticia de que venían tampoco pense escuchar ningún disco con el propósito de que me sorprendan ese mismo día, dicho y hecho, abrir con "Creeping Death" fue uno de los actos más salvajes que he visto en mi vida, le siguieron "From Whom The Bells Tolls" y "Fuel", la gente estaba loca y no paraba de gritar y saltar, la adrenalina no daba más y recién era el comienzo, tanto así era el desenfreno que si poníamos un emo en medio de la zona 'M' lo despedazaban.

Los temas del último álbum "That Was Just Your Life", "Broken, Beat & Scarred" y "Cyanide" calamron un poco los ánimos pero la gente respondió igual de bien, se notó que el nuevo disco fue mucho más exitoso que el St. Anger.

El momento cumbre del concierto fue sin dudas tocaron seguidos cinco de los mejores temas de la banda: "One", "Master Of Puppets", "Battery", "Nothing Else Matters" y "Enter Sandman", la combinación fue simplemente genial y la que más resalto es "One" con un un inspiradísimo Lars Ulrich.

Por último los 4 jinetes del apocalipsis hicieron un encore con tres grandes temas: "Am I Evil?", un cover de la banda Diamond Head, que aunque la gente no la conocía igual saltaba con toda la furia, luego "Blackened" uno de los temas más conscientes de la banda que habla sobre la destrucción de la tierra por el hombre, y finalmente la infaltable en todos los conciertos de Metallica "Seek And Destroy" para cerrar este show inolvidable.

Sin embargo, el concierto no pudo ser 100% satisfactorio y lo resumo en una solo palabra: "Unforgiven". No tocar un tema tan emblemático como "Unforgiven" lo considero un pecado y casi una ofensa para todos los presentes, hay muchas personas que en su momento no les importó, pero después todos decían: "oye, pero no tocaron Unforgiven ¿no?". Si, es verdad, el concierto fue bueno y se tocaron los temas que todos sabían que se iba a tocar, pero eso es decir que no sorprendieron a nadie con temas impensados como muchas bandas lo hicieron como por ejemplo cuando Iron Maiden tocó "Phantom Of The Opera" y todos quedaron boquiabiertos . Bueno, en el fondo no hay muchas personas que se quejen de eso pero que falte "Unforgiven" dejo a mucho con un sabor agridulce en la boca. Pero quien sabe, tal vez se reivindiquen con otro concierto en nuestra capital, ellos saben que los esperamos.

"The Black Saint & The Sinner Lady" de Charles Mingus (1963)

Si no conoces mucho de jazz entonces este es el mejor momento para comenzar a escucharlo, y si todavía no te convence estonces no sabes lo que te estás perdiendo. Pero lo comprendo, tal vez todavía no has terminado de escuchar la discografía de una de tus bandas de rock favoritas, pero si alguna vez se te ocurre escuchar jazz del bueno, qué mejor que 'El Santo Negro y la Dama Pecadora'.

Charles Mingus tal vez nos pueda sonar familiar pero él no entra en la categoría de los clásicos músicos de jazz que tocaban dixie (subgénero jazzistico muy comercial), sino en los jazzistas de vanguardia de comienzos de los 60's. El subgénero conocido como free-jazz se cría y madura en dicha década con jazzistas de la talla de Sun Ra, Ornette Coleman y el mágnífico John Coltrane.

¿Pero porqué este disco es tan especial? La respuesta es sencilla, el disco tiene todo lo que debería tener y desear cualquier otro disco de jazz, es sin lugar a dudas uno de los más completos jamás grabados, once talentosos músicos tocando bajo, trompetas, saxos, tubas, flautas, trombones, piano y hasta guitarra acústica tocando en plena 'libertad' y suena tan bien como se lee.

Mingus fue un reconocido bajista en su tiempo y ahora es considerado como el mejor bajista que haya tenido el mundo del jazz, además de ello componía sus propios temas y los de este disco no fueron la excepción, sin embargo, había algo diferente en este trabajo, Mingus quería explotar su talento musical al máximo, para ello escribió seis piezas instrumentales donde se necesitaría un gran apoyo de su banda entre los cuales estaban los célebres Jerome Richardson y Charlie Mariano tocando los saxos. El resultado final de esta obra orquestral es uno de los puntos más álgidos no sólo en la carrera de Mingus sino en la historia de la música jazz.

Tan vibrante y vertiginosa, es difícil poder describir cada tema en palabras, lo que si se puede decir es la marcada influencia que esta tiene, por momentos Mingus evoca a su maestro Duke Ellington y le rinde tributo en ciertos momentos, también podemos notar la presencia de una guitarra acústica, tocada 'a la española', la magnifica presencia de los instrumentos de viento-metal se acompañan en perfecta armonía a pesar de tener muchos solos. Lo cierto es que es esta obra maestra Mingus crea un innovador estilo orquestral, al cual él mismo bautizó como una ´'música folk-dance étnica'.

Personalmente he empezado a escuchar jazz 'en serio' hace poco más de un año, sobre todo el free-jazz y artistas como Coltrane, Davis y el que lleva título de este post y quiero decir que con mi modesto conocimiento de este género este disco se la lleva en grande (claro que no por tanta diferencia pero... ejem) recomiendo a más no poder esta joya musical, un disco que debería escuchar un verdadero melómano.

Lista de Temas:

1. Track A - Solo Dancer (Stop! Look! and Listen, Sinner Jim Whitney!) – 6:39

2. Track B - Duet Solo Dancers (Hearts' Beat and Shades in Physical Embraces) – 6:47

3. Track C - Group Dancers (Soul Fusion Freewoman and Oh, This Freedom's Slave Cries) – 7:25

4. Mode D - Trio and Group Dancers (Stop! Look! and Sing Songs of Revolutions!) / Mode E - Single Solos and Group Dance (Saint and Sinner Join in Merriment on Battle Front) / Mode F - Group and Solo Dance (Of Love, Pain, and Passioned Revolt, then Farewell, My Beloved, 'til It's Freedom Day) – 18:41

* Aquí el tema "C - Group Dancers"

Descarga Megaupload

The Wall: 30 años de construída

30 años no se cumplen en vano, para el ser humano es la edad en la que uno ya empieza a pensar en que ya se está volviendo viejo, pero para un disco de música es simplemente una confirmación de su trascendencia. Pero me explico mejor, cualquier disco puede cumplir 30 años y ser pasado por alto, pero estamos hablando de EL DISCO. El 30 de noviembre de 1979, cuando el progresivo ya parecía extinguirse salió su último gran respiro para decirle hasta siempre a la década que lo vio brillar en su máximo esplendor... despúes de este disco, Pink Floyd y todas las bandas de su generación no volvieron a ser más las mismas y quedaron atrapadas en las crueles redes de la música sintetizada de los 80's, triste pero cierto, nuevas bandas salieron, un nuevo mainstream surgió y colorín colorado... Sin embargo los fanáticos y los no tan fanáticos recuerdan ese temita tan sonado -we don´t need no education- y todos los demás 25 temas de este maravilloso disco doble -we don't need no thought control- ahora daré mi pequeño tributo celebrando sus treinta, sin oscuros sarcasmos en la clase...

Comenzando en decir que es una obra maestra absoluta de la música moderna, esta ópera rock de dos discos escrita casi en su integridad por Roger Waters, es uno de los discos conceptuales más perfectos y completos jamás escritos, y llega casi al límite de trascender sobre la misma música del compacto.

El álbum nos cuenta la historia de "Pink", un estrella de rock que debido a sus traumas de niñez por la temprana muerte de su padre, la sobreprotección materna y la castrante educación escolar, construye simbólicamente un muro a su alrededor alejándose así de todo contacto humano y volviéndose un personaje autodestructivo que fantasea con un mundo de violencia y anarquía.

El disco (y la historia) comienza con "In The Flesh?" un tema donde predomina una guitarra con punteos fuertes y marcados, la letra nos da la bienvenida al "show" y termina con los llantos de un bebé recién nacido: Pink.

Los dos siguientes temas "The Thin Ice" y "Another Brick In The Wall (Part 1)" nos narran cómo Pink afrontó la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial. En el primer tema en mención Pink todavía era un niño y no tenía juicio para reconocer la muerte de su padre, pero en el segundo tema ya es capaz de comprenderlo y cae en depresión poniendo así los primeros ladrillos en el muro.

"Another Brick In The Wall (Part II)", el himno de protesta de la música rock (ya todos conocen su letra y su gran solo de guitarra), aquí Pink pone más ladrillos en el muro debido a la represión que sufría en la escuela y crea también sus primeros pensamientos destructivos al fantasear con echar abajo la escuela.

La hermosa "Mother" que con cierto sarcasmo Waters canta con voz melodiosa las castrantes y sobreprotectoras manías de la madre de Pink: "...Hush now baby, don't you cry / Mama's gonna make all of your nightmares come true / Mama's gonna put all of her fears into you / Mama's gonna keep you right here under her wing / she won't let you fly but she might let you sing...". La segunda parte del primer disco nos cuenta cómo Pink se casa y se vuelve una estrella de rock, pronto cae de nuevo en la depresión cuando su esposa lo engaña terminando así de construir el muro.

"Hey You" con su hermoso arpegio inicial y los buenos solos de Gilmour cuentan cómo Pink se arrepiente de construir el muro y observa que le es imposible escapar de su encierro. Al mantenerse encerrado del mundo y la sociedad, Pink comienza a perder la razón, y por primera vez se mencionan a "The Worms -los gusanos-" personajes que participarían luego como causantes de sus síntomas de locura, de allí en una linea del tema se menciona: "And the worms ate into his brain".

"Comfortably Numb" una de las mejores canciones del disco, el diálogo de Pink y su doctor excelentemente interpretado vocalmente por Roger Waters y David Gilmour respectivamente, junto con uno de los mejores solos de guitarra jamás tocados. Aquí Pink hace un repaso de toda su vida para intentar salvarse, pero finalmente colapsa y es llevado de emmergencia al hospital.

La trilogía "In The Flesh", "Run Like Hell" y "Waiting For The Worms" representan la locura de Pink y su mundo de fantasía con "The Worms", un grupo radical facista del cual Pink es el lider, su propósito es renacer a Britania con toda su pureza, aniquilando así a todos los homosexuales judios, negros, etc. Por supuesto esta es una concepción totalmente diferente a la de Pink, su demencia llega al límite y por ello en el tema "Stop" quiere saber si es el culpable de su encierro.

"The Trial" una de los temas más ambiciosas del disco, la música deja de ser progresiva para ser puramente sinfónica, la banda toma prestado los servicios de la sinfónica de Nueva York para tocar este tema en el cual Pink enfrenta a todos sus traumas en un autojuicio. Su madre, su profesor y su ex esposa se presentan atemorizándolo y finalmente, el juez lo acusa de hacer crímenes contra sí mismo, por ello decreta el derrumbe del muro, por lo cual Pink queda libre de todo aislamiento. *

Como muchos lanzamientos dobles, hay partes del álbum que pueden llegar ser tediosas, pero sin duda hay partes destacables. Aunque musicalmente no sea superior a anteriores trabajos como "Dark Side Of The Moon" o "Wish You Were Here"; "The Wall" se destaca más por la historia que cuenta, no es un disco conceptual de temas diversos (como por ejemplo de sentimientos o temas sociales) , sino es una historia con principio y final, con un personaje principal que vive diversas situaciones. Nunca antes se había creado una historia tan completa para ser narrada en un disco, tal vez el "Tommy" de The Who y el "The Lamb Lies Down On Broadway" de Genesis pueden ser los más semejantes, sin embargo ambos discos no narran una historia tan concreta y abierta como la apreciada en "The Wall".

La música de este disco puede llegar a ser muy densa y se puede notar que en muchas partes se da más cabida al concepto del disco más que a la música en sí, esto es algo que llega ser una característica en la carrera de Waters solista así como en sus últimos discos con Pink Floyd, y fue precisamente a finales de los 70's en que comenzaban a haber grandes disputas entre los miembros de la banda, ya que Waters tomaba el protagonismo completo del disco escribiendo casi todas las canciones (como así también fue en el "Animals", 1977).

Luego de "The Wall", Richard Wright se marcharía de la banda y solo regresaría hasta la salida de Waters en 1985. Por su parte Waters haría un último disco formando parte de Pink Floyd ("The Final Cut", 1981) para luego seguir con su carrera solista.

* Gracias a Daniel Paz-Soldán por dejarme citar algunas notas de su tesis "Psicoanálisis de The Wall".

Lista de canciones:
CD 1:

1. In the Flesh? - 3:18

2. The Thin Ice - 2:28
3. Another Brick in the Wall (Part I) - 3:41)
4. The Happiest Days of our Lives - 1:21
5. Another Brick in the Wall (Part II) - 3:56
6. Mother - 5:32
7. Goodbye Blue Sky - 2:48

8. Empty Spaces - 2:06

9. Young Lust - 3:29

10. One of My Turns - 3:37

11. Don't Leave Me Now - 4:22

12. Another Brick in the Wall (Part III) - 1:17
13. Goodbye Cruel World - 1:05

CD2:
14. Hey You - 4:41
15. Is There Anybody Out There? - 2:40

16. Nobody Home - 3:25

17. Vera - 1:39

18. Bring the Boys Back Home - 0:51

19. Comfortably Numb - 6:49

20. The Show Must Go On - 1:37

21. In the Flesh - 4:17

22. Run Like Hell - 4:23

23. Waiting for the Worms - 3:56
24. Stop - 0:33

25. The Trial - 5:18

26. Outside the Wall - 1:42

Descargar CD 1 Rapidshare

Descargar CD 2 Rapidshare

Zeuhl: El Lado más Extraño del Rock

Tal vez nadie haya escuchado esa palabra, pero valga decir que esta no es tan solo una palabra común y silvestre, Zeuhl es para algunos la palabra más consagrada del la lengua Kobaiana... Y ahora ustedes dirán ¡¿Pero qué demonios es la lengua Kobaiana y que carajos es Zeuhl?!, bueno, sin más preámbulos prepárense para conocer, sin lugar a dudas, el lado más extraño de la música rock...

Zeuhl es un subgénero del rock progresivo que, adémas de tener la clásica combinación de' rock-jazz-música docta', adopta diversos elementos de otros subgéneros musicales como por ejemplo el 'fusion' (de bandas como Mahavishnu Orchestra pero sin el virtuosismo guitarresco) y el noeclasisismo (de músicos de inicios del siglo XX como Stravinsky o Debussy, pero desde luego y valga la redundancia, sin el virtuosismo de aquellos maestros).

Los dos elementos ya mencionados marcan una diferencia con el rock progresivo "clásico", ya que el género fusion es, como lo dice su nombre, una fusión de jazz con otros géneros musicales (ya sea rock, folk, electrónica, etc.), es totalmente instrumental y opta por la improvisación y músicos de alto nivel de virtuosismo, como lo fueron los grandes músicos del 'Free Jazz'.

Sin embrago esas no son sus características más resaltantes, ya que han existido y hasta hoy existen (aunque en menor medida) bandas con esas características. El Zeuhl se llega a distinguir por medio de la voz, es decir, que este subgénro tendría otras dos características que lo aislarían por completo de todo tipo de música habida y por haber hasta llegar a ser considerado por algunos como un género musical independiente. Estas características son, en primer lugar, la utilización de cánticos tribales africanos y, en segundo lugar, la utilización del idioma Kobaiano.

La lengua Kobaiana es para los fánaticos del Zeuhl lo que es el klingon para los fanáticos de Star Trek, es una lengua artificial creada por Christian Vander, baterista del grupo Magma, banda creadora del Zeuhl. Tras la muerte de John Coltrane en 1967, Vander consideró que era inadmisible tocar jazz trás tremenda pérdida, por ello decide crear su propio estilo juntando el jazz de John Coltrane, el neoclasisismo de Igor Stravinsky y el rock de Frank Zappa, basándose así, según Vander, en tratar de alcanzar la perfección musical buscando el 'Zeuhl'. Traducción de Kobaien-Español, Zeuhl = Celestial

Magma es la banda más reconocida del Zeuhl, y tendría que serlo ya que fue la que lo creó hace ya 40 años en Francia, tierra del amor, del baguette, del queso y desde 1969, del Zeuhl. Sin embargo después de una enorme cantidad de discos producidos, podemos ver que el estilo de esta banda es muy cambiante, pero de ello también se trata el concepto de esta: la eclecticidad. Vander puede tener una gran similitud con Robert Fripp (líder de King Crimson) por ir cambiando de tiempo en tiempo los integrantes de la banda para que estos le den un aire más fresco y renovador, por ello podemos ver la gran variedad de músicos, no solo franceses sino de Europa en general, tales como: Yannick Top, Didier Lockwood, los hermanos Paganotti, etc.

Pero es necesario afirmar que el Zeuhl no vive solamente gracias a Magma, en los años 70's y 80's se han creado bandas que le pagan un tributo a Vander y compañía como creadora de este estilo tales como la genial Dün, que crea un Zeuhl un poco más apasible a los oídos o también Koenjihyakkei, banda japonesa creada en los 90's y que hasta ahora sigue tocando su extraña pero interesante música. Es justamente en estos dos países, Francia y Japón donde se pueden encontrar bandas Zeuhl, otras que puedo mencionar son: Art Zoyd, Eskaton y Ruins.

Quiero afirmar que el Zeuhl es un subgénero no apto para personas que recién empiezan a escuchar progresivo y mucho menos a personas que escuchan música pop, el Zeuhl es muy experimental, más allá de los límites de Zappa, y muy selecto, tanto así de ser clasificado como música de culto. Sin embargo, si te animas a escuchar, acá dejo tres discos imprescindibles del Zeuhl:

Magma - Mekanik Destruktiw Kommandoh (o "M.D.K.")

1. Hortz Fur Dëhn Stekëhn West (9:34)

2. Ïma Sürï Dondaï (4:28)
3. Kobaïa Is De Hündïn (3:35)
4. Da Zeuhl Wortz Mekanïk (7:48)
5. Nebëhr Gudahtt (6:00)
6. Mekanïk Kommandöh (4:08)
7. Kreühn Köhrmahn Iss De Hündïn (3:14)
Bonus Track:
8. M.D.K. - Alt. Version (*) C. Vander (34:35)

Descargar Rapidshare

Dün - Eros

1. L'Epice (9:25)
2. Arrakis (9:36)
3. Bitonio (7:09)
4. Eros (10:17)
5. Bitonio (alternate) (10:20)
6. Arrakis (alternate) (5:07)
7. Eros (alternate) (7:11)
8. Acoustic Fremen (unreleased) (6:17)





Descargar Rapidshare

Koenjihyakkei - Angherr Shisspa

1. Tziidall Raszhisst (7:16)

2. Rattims Friezz (7:04)
3. Grahbem Jorgazz (4:08)
4. Fettim Paillu (4:24)
5. Quivem Vrastorr (4:24)
6. Mibingvahre (4:10)
7. Angherr Shisspa (6:37)
8. Wammilica Iffirom (8:39)

Descargar Rapidshare

... y eso que no pongo la trilogía de "obras maestras" de Magma, pero con M.D.K. es suficiente por ahora, aunque prometo que en el futuro hablaré más a fondo de esta banda.

Mujeres Rockeras (solo vocalistas)

Le he dedicado un buen tiempo a este post, pensé haberlo terminado hace algunos meses pero volviéndolo a ver tuve que hacer unos pequeños arreglos y quien sabe, tal vez de acá a unos tres meses mi opinión cambie, pero creo que por ahora la siguiente lista es sólida. Atención que solo son mujeres rockeras, así que no digan después porqué no incluí a Joan Baez o a Aretha Franklin (las dos son increíbles cantantes pero... no son rockeras). Bueno después de esa aclaración he aquí, en mi humilde opinión, el top 10 de las mejores vocalistas del genero rock de la historia:

10. PJ Harvey: Británica de nacimiento, una de las mejores representantes del rock alternativo de los años 90, su álbum "Dry" es considerado hoy como uno de los mejores discos de aquella década. Influenciada por bandas como Television o Sonic Youth, y teniendo como gran maestra a Patti Smith, PJ Harvey se convirtió en una rockera de culto en la era dorada del rock alternativo. Este año lanzó su última producción discográfica titulada "A Woman a Man Walk By" donde hay un notable cambio en su música: mucho más experimental y mucho más folkie. Ademas de escribir sus propias canciones, PJ toca la guitarra, el piano, el arpa, el violín y hasta la hamónica. He aquí su ultimo single, titulado "Black Hearted Love" con John Parish.

9. Beth Gibbons: Con su voz hipnótica y calmada, la lideresa de Portishead hizo que sus miles de fanáticos reafirmen la grandeza de esta banda cuando el año pasado lanzaron después de 11 largos años su tercera producción discográfica y el que es para mí el mejor disco del 2008: “Third”. Su apasible voz cae como anillo al dedo para el género musical del que Portishead es parte, el trip-hop. Aunque sus éxitos sean más reconocidos en la década anterior, Gibbons sigue con una voz intacta hasta ahora y no se le puede peir nada más. En el 2002 lanzó su álbum solista titulado "Out of Season", que contó con la colaboración de Runstin Man, ex Talk Talk. Aquí el tema "Mysteries" del nombrado disco.

8. Patti Smith: la maestra de PJ Harvey tenía que estar en una mejor posición que ella. Patti Smith inicio su carrera en 1975 lanzando su disco “Horses”, disco que junto a otros más supusieron el levantamiento de un género bautizado como punk rock. La actitud y rebeldía de Patti junto con su música y letras tal vez hayan sido uno de los factores que más han influenciado a las rockeras femeninas de las décadas siguientes, ella y su banda marcaron una gran huella en la historia del rock que será imposible borrar. Un punto aparte es que además de ser una reconocidísima cantante, ha publicado varios libros de poesía, su otra pasión artística. En el siguiente video veremos a Patti Smith tocando "Horses" y "Hey Joe" en un concierto de 1976.

7. Christina Scabbia: Una de las mejores voces e esta lista, la vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), y aunque la posición de vocalista es compartida con Andrea Ferro, Scabbia es la que se lleva los puntos a favor por su potente e inmejorable voz. Ha estado presente en todas las producciones de Lacuna Coil y además ha cantado temas junto a bandas como Megadeth, Apocalyptica y After Bridge. En abril de este año Lacuna lanzó su último disco titulado "Shallow Life", no fue bien recibido por la crítica ya que se nota un cambio muy grande a comparación a sus anteriores producciones, pero en algunos temas se nota su escencia metalera. Aquí el videoclip de "Spellbound".

6. Ann Wilson: Las hermanas Wilson tal vez hayan sido parte de la mejor banda liderada por mujeres de todos los tiempos. Heart es una banda compuesta por Ann WIlson en voces y Flauta, su hermana Nancy en guitarra rítmica, Roger Fisher en guitarra principal, Steve Forsser en bajo y los geniales Michael DeRosier en percusión y Howard Leese en teclados. Aunque Heart sea considerada como un Led Zeppelin femenino debido a la notable influencia, Heart tiene su sello propio: la increible flauta de Ann Wilson (que recuerda muchas veces a la de Ian Anderson), la gran bateria de DeRosier y por supuesto el toque femenino que le dan las hermanas Wilson a esta gran banda de hard rock. Por momentos pensé en poner un video de sus mejores temas como "Barracuda" o "Crazy on You", pero opté por poner una presentación donde los músicos explotan al máximo sus habilidades instrumentales (¡¡es un videazo, lo recomiendo mucho!!).

5. Nico: Su verdadero nombre fue Christa Päffgen y digo 'fue' porque Nico es una de las dos rockeras de esta lista que ya no están entre nosotros. Cantauntora, actriz, modelo y musa de Andy Warhol, fue el mismo artista el que la introdujo a la banda vanguardista The Velvet Underground para que cantara en el álbum debut, y aunque Lou Reed nunca estuvo de acuerdo, fue Nico la que dio cierto equilibrio con su hermosa y grave voz en varios de los temas de uno de los discos más importantes en la historia de la música. Al poco tiempo de lanzado el disco, Nico e alejó de la Velvet y comenzó su carrera solista con moderado éxito. Su trágica muerte en un accidente donde ella paseaba en bicicleta poco antes de cumplir 50 años fue un duro golpe al mundo de la música. Aquí Nico cantando con la Velvet "Femme Fatale", en un concierto de 1968.

4. Annie Haslam: Su expectacular voz que llega hasta las 5 octavas (para una persona común y silvestre es ya difícil llegar a 4) fue admirada en la decada de los 70's, en especial en la corriente del rock progresivo que hasta ese momento era un subgénero del rock donde las mujeres no habían tenido mucha relevencia. Annie Haslam abrió las puertas a cantantes contemporáneas de goth metal o metal sinfónico (como por ejemplo a la ya nombrada Christina Scabbia). Annie Haslam se unió a la banda Renaissance en 1971 y convirtió a una banda en declive a una de las mejores representantes del folk-rock progresivo y a ella misma en una de las mejores voces que este género haya visto nacer. Aquí en un concierto de 1983 tocando una mezcla de "Song of Scheherazade" y "Ocean Gypsy" del álbum de 1975.

3. Björk: La cantautora islandesa tal vez sea una de las más reconocidas en esta lista, desde sus inicios con numerosas bandas demostró su potente voz y no fue hasta llegar a su carrera solista donde pudo llegar casi instantáneamente a la fama, de Islandia para todo el mundo. Aunque en sus primeros discos creo música más tranquila y amigable a los oídos donde fusiona electrónica y rock contrastando con baladas y temas pop, poco a poco Björk fue tomando forma a lo que llegaría a convertirse a lo que es hoy, el trip-hop, el rock industrial y la música experimental son los nuevos aliados de esta artista, una de las más eclécticas de nuestro tiempo y una de las mentes más brillantes, musicalmente hablando. Aquí uno de sus videoclips más aclamados, tan extraños como su música, "Bachelorette" del disco Homogenic.

2. Grace Slick: Hermosa mujer y hermosa voz, el verano del amor no hubiese existido sin su flor más hermosa. Grace Slick, vocalista de Jefferson Airplane con su potente voz de contralto, nos hizo llegar con su canto, su música y sus letras a un mundo totalmente psicodélico. En 1967, Jefferson Airplane lanza "Surrealistic Pillow" y supone junto a otras obras maestras musicales, el estallido del rock psicodélico. Jefferson Airplane y su hermosa cantante fueron los responsables por darle al mundo de la música un rol privilegiado a la mujer en un mundo donde los hombres eran los únicos que podían desenvolverse (recordemos que eran los 60's pero con la psicodelia todo cambió). J.A. es una banda que debería ser tomada en cuenta por todo ser humano que le interese el rock en su totalidad, un imperdible de todo amante de la música. Aquí la banda toca dos de sus temas más famosos "White Rabbit" y "Somebody to Love" en un programa de TV.

1. Janis Joplin: Y nos quedamos en los 60's, la que no podía faltar en ninguna lista semejante, si no fuese por ella ninguna mujer hubiese aprendido cómo rockear. Comenzó su carrera con Big Brother & the Holding Company y después del inmenso éxito que tuvo la banda junto a Jimi Hendrix en el festival de Monterrey, Janis comenzó su carrera solista. Su voz, claramente basada en el blues, ha inspirado a cientos de cantantes tanto femeninos como masculinos. Su música, un blues-rock que enamora a cualquiera, también sirvió como claro ejemplo a seguir para muchos músicos. A pesar de tener pocos álbumes de solista es reconocida en el mundo entero como una de las mayores artistas musicales femeninas y sin duda encabeza la lista de mujeres rockeras. Aquí Janis cantando "Summertime" en un concierto en Suecia en 1968, lo raro en ello; instrumentos de viento. Disfrútenlo.

Otras féminas en el mundo del rock que no quedaron dentro de la lista:

- "Mama" Cass Elliot (The Mamas & The Papas)

- Siouxsie Sioux (Siouxsie and The Banshees)

- Kim Gordon (Sonic Youth)
- Shirley Manson (Garbage)
- Kim Deal (The Pixies)

* Si me olvido de una no duden en dejar un comentario.