La noticia que de la noche a la mañana salió a la luz hizo que inmediatamente emocione hasta las entrañas a los miles de miles de seguidores de genio García en toda Sudamérica. En lo que nos concierne (y hablo del publico peruano), Charly se presentará en el Jockey Club el 30 de Junio por motivo del lanzamiento de su disco "60x60" y, por consiguiente, a sus 60 años de vida que pretende celebrar a lo grande con un slogan que dice mucho: 60 años, 60 canciones en vivo. Lo que no es seguro es si tiene 60 canciones para tocar a lo largo de la gira o 60 las que tocará precisamente en Lima. Sin embargo, vale la pena soñar... cruzemos los dedos de las manos y los pies.
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¡Oye Tú! Ahí afuera en el frío, quedándote solo, haciéndote viejo ¿puedes sentirme?
Cuando era niño jamás pensé que un músico pudiera salirse de sus casillas y no solo escribir canciones sino también crear historias narradas a través de ellas que se cuentan por episodios, tema tras tema. Roger Waters logró dar vida a este concepto que encierra The Wall, una historia de soledad, aislamiento, indiferencia y traumas de niñez que poco a poco se convierte en locura... y no creo que hay mejor tema que explique este proceso que "Hey You".
La historia de Pink -personaje principal- da un salto inesperado que se logra explicar en este tema. "Hey You" es el primer tema del segundo disco del álbum y, por lo tanto, es el primer tema que se canta una vez que Pink ha logrado contruír el muro en su totalidad.
Dentro del muro Pink se ha aislado completamente del mundo real y la sociedad y se da cuenta del grave error que ha cometido, este intenta retomar el contacto con el mundo externo pero no puede ver, oír o sentir qué es lo que sucede fuera del muro. Los inútiles esfuerzos del personaje hacen que poco a poco este vaya perdiendo las esperanzas de salir.
La desesperación de Pink consume sus pensamientos al punto de mostrar sus primeros indicios de locura. Una frase muy peculiar del tema es "...And the worms ate into his brain". Esta es la primera vez que se mencionan a the worms, estos luego tendrán un papel importante en el desarrollo de la historia y serán los grandes responsables de las futuras alucinaciones y delirios de Pink.
Dejando el concepto de lado, "Hey You" es un tema que retrata de forma cruda la soledad... aunque esta pueda ser interpretada de diversas maneras como en los filmes "Due Date" o "The Squid and the Whale" en sus respectivos tributos a este gran tema:
Para ser francos, el 2010 fue un buen año para despedir una década repleta de conjunciones musicales como no se ha visto en ninguna otra década en la historia de la música popular. Unos diez años que, por cierto, no estuvieron muy definidos a qué rumbo se dirigían y no hubo un género musical que se llevó por encuentro a los demás. Revivals por doquier y experimentaciones muy creativas completaron lo que fue la década pasada. De todas maneras, en la lista a continuación podemos ver un cierto tipo de unificación de estilos (salvo algunas excepciones): de Sun Kil Moon a Joanna Newson a Beach House a Sufjan Stevens a The National a Arcade Fire a Deerhunter... en fin, una vez más les presento, a mi humilde parecer, los mejores discos del 2010.
10. "Halcyon Digest" de Deerhunter: El cuarto álbum de estudio de esta banda estadounidense que sorprendió con su anterior producción, "Microcastle", disco revelación del 2008. De todas maneras, el disco no llega a ser tan sorprendente como su antecesor, pero sigue reviviendo estilos como el shoegaze y el noise rock. Bradford Cox (guitarra y voces) dijo que el concepto del disco está basado en experiencias vividas e inventadas. "Supone ser una colección de viejos despachos (...), tiene mucho que ver con la manera en que las personas romantizan el pasado, por más horrorífico que este haya sido", mencionó.
9. "Teen Dream" de Beach House: El dúo dream pop conformado por la francesa Victoria Legrand y el estadounidense Alex Scally dieron el gran salto con esta, su tercera producción discográfica, muy bien recibida por la crítica y la audiencia. La diferencia de esté disco con los anteriores de la banda es que tiene menos efectos tanto de voz como instrumental, sin embargo, fue la producción en donde más dinero se invirtió. De todas maneras la inversión se convirtió en ganancia, ya que hasta el momento ha sido el disco más vendido del dúo y en donde se aprecia un gran profesionalismo en la inigualable voz de Legrand y el ingenio musical de Scally.
8. "Admiral Fell Promises" de Sun Kil Moon: Sun Kil Moon es un proyecto musical de cantautor Mark Kozelek, conocido anteriormente por su banda Red House Painters. En este proyecto, Mark explora y acapara la escritura, composición y voces de todos los temas. Sin embargo, este no es un proyecto solitario, Kozelek es acompañado por bajo, guitarra y batería, aunque existe un gran número de canciones donde el cantautor simplemente toca su guitarra y canta. "Admiral Fell Promises" es un ejemplo de ello, Kolazek está solo con su guitarra acústica a lo largo de los 10 temas del disco, unos temas hermosos en lírica y sentimiento.
7. "Brothers" de The Black Keys: Sexto disco de estudio del dúo blues rockero original de Ohio. La producción del disco se realizó en medio de conflictos debido al trabajo solista de Dan Auerbach (vocalista y guitarrista) y los problemas matrimoniales de Patrick Carney (baterista y productor de la banda) que terminaron en divorcio. De todas maneras, el dúo se reunió para hacer un trabajo que reflejaba la larga amistad entre ambos, bautizando de esta manera al disco con el nombre de "Brothers", un título que resumía el reinicio de una fuerte relación. Este álbum gozó a su vez de una inmensa creatividad por el hecho de haber sido grabados los 16 temas del disco en tan solo 10 días con un sonido totalmente fresco, haciendo que esta sea una de las mejores producciones de la banda hasta el momento.
6. "The Social Network - BSO" de Trent Reznor y Atticus Ross: Uno de los mejores BSO de los últimos años. La popular película dirigida por David Fincher tuvo un toque macabro/oscuro con la música creada por el genio Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross (reconocido programador, productor y remixeador británico). La inigualable atmósfera creada para el filme contiene sonidos industriales y ambientales con el toque personal de Reznor, una música que si bien no es común en filmes comerciales, encapsula perfectamente las atmósferas de las escenas y la visión de los personajes. La producción ganó múltiples premios (incluyendo un Óscar al mejor banda sonora). Ahora solo queda esperar el próximo trabajo de este estupendo dúo en el BSO del filme "The Girl with the Dragon Tattoo".
5. "Il Tempio Delle Clessidre" de Il Tempio Delle Clessidre: Hermoso disco que homenajea al prog italiano de los 70 y cuenta entre sus filas a una leyenda de este estilo musical que casi se pierde en el tiempo. Stefano "Lupo" Galifi, vocalista de la banda Museo Rosenbach en su histórico disco "Zarathustra" (1973), fue invitado por la banda para hacer la voz en algunos conciertos. Pronto, fueron escribiendo temas inspirados en el rock clásico de la península itálica, tomando muy en cuenta la música de Museo Rosenbach y bautizando a la banda con el nombre de una de las canciones de la banda setentera. El resultado final fue un tributo al prog italiano pero con toques oscuros y alguna que otra influencia del rock escandinavo. Eso sí, la voz de Galifi sigue intacta.
4. "Have One On Me" de Joanna Newsom: Tercer disco de estudio de la arpista, cantautora y hermosa Joanna Newsom. En esta ocasión ofreciendo un disco triple, una arriesgada propuesta pero finalmente bien recibida por sus seguidores. Newsom continúa con su hermosa lírica y arreglos orquestales, pero, a diferencia de su producción antecesora (el genial disco "Ys" del 2006), "Have One On Me" contiene temas con marcada inspiración del blues y el jazz, otros donde se pueden apreciar la presencia de guitarras eléctricas y hasta algunos donde el piano reemplaza al arpa como instrumento principal. Recomiendo escuchar el disco de corrido, 18 temas (algunos de larga duración) que abarcan poco más de dos horas de bella música folk.
3. "The Age of Adz" de Sufjan Stevens: Sexto disco de estudio del cantautor nacido en Detroit, Michigan. En esta producción Sufjan retoma los trabajos de largo aliento luego de varios EPs y discos exploratorios lanzados entre 2006 y 2010. Lo cierto es que desde la obra maestra titulada"Illinois" del 2005, no se veía un trabajo conceptual por parte de Sufjan, pero, a diferencia de este, los elementos electrónicos toman un protagonismo importante conjunto con los arreglos orquestales. En una entrevista en el 2006, Stevens mencionó que ya se había cansado de las trompetas y banjos utilizados en gran parte de sus temas y en los años siguientes se dedicaría a experimentar con sonidos diferentes. El resultado final fue "Age of Adz! -leído Odds. El disco goza de infinidad de sonidos electrónicos y los explota al máximo en temas como 'Too Much', 'I Walked' o el monstruo de más de 25 minutos 'Impossible Soul', un ejemplo para que todos los fanárticos de Black Eyed Peas sepa lo que es mezclar de verdad.
2. "High Violet" de The National: Quinto disco de estudio de esta muy buena banda de Cincinnati, Ohio. Algunos podrían considerar al "High Violet" cómo el hijo perfecto entre el "Alligator" (2006) y "The Boxer" (2007) -ambos discos mencionados en pasadas listas. Sin embargo, este es un disco más oscuro donde se habla mucho del sufrimiento, la tristeza, el temor y el amor. A una primera escuchada es imposible asimilar el gran trabajo y esfuerzo que la banda puso en la producción del disco, pero es una joyita de esas que no debe pasar desapercibida a pesar de ser un disco más tranquilo que sus antecesores pero con una energía envidiable por cualquier otra banda.
1. "The Suburbs" de Arcade Fire: Capaz el lanzamiento más esperado del 2010 y no defraudó. El tercer disco de esta estupenda banda canadiense toma a los suburbios como tema principal ejemplificado en la cotidianeidad, las tristezas y alegrías de la vida suburbana enfocado, sobre todo, en la juventud. Win Butler describe el sonido de este disco como una mezcla de Depeche Mode y Neil Young, un estilo que no decae en los 16 temas del disco (su producción de más larga duración hasta el momento). Y es algo totalmente cierto, a pesar de las baladas, shoegaze, temas folk y toques de garage rock que contiene el disco, este no presenta bajones o momentos aburridos, un trabajo ciertamente difícil para cualquier agrupación. Sin duda esta fue una tremenda negación al imposible para los que pensaron que luego del "Funeral" (2004) y el "Neon Bible" (2007) podía haber un trabajo tan bueno como este.
A 20 años del fallecimiento de uno de los pocos personajes que pueden catalogarse como leyendas del rock, es imposible pasar por desapercibida esta fecha de luto musical. Sin embargo, el líder de Queen hubiera deseado que celebremos su vida y no su muerte al ritmo de una 'Rapsodia Bohemia'. Farrokh Bulsara (nombre real de Freddie Mercury), nace el 5 de setiembre de 1946 en la isla de Zanzibar (colonia británica en África). Sus estudios iniciales los realizaría en Bombay, India; donde a la edad de 12 años demuestra su talento para la música y recibe clases de coro y teatro hasta formar su primera banda "The Hectics". En 1964, de regreso a su ciudad natal, estalla la revolución de Zanzibar y la familia Bunsara huye a Londres, donde el joven Freddie ingresa a la Ealing College of Art y se vuelve seguidor de una singular banda conformada por Brian May, Tim Staffel y Roger Taylor llamada "Smile". A ellos se les sumaría luego John Deacon en el bajo.
El fanatismo y talento de Freddie hizo que en 1971 este se uniera al grupo ante la inminente salida de Staffel. Su llegada produjo dos cambios sustanciales, el primero sería su apellido por el de Mercury, y el segundo sería el nombre de la banda por "Queen", una de las bandas de rock más influyentes de todos los tiempos.
La historia de Queen ya es harto conocida, con 14 discos de estudio que gozan de una amplia diversidad musical pero que mantienen la hermosa armonía vocal de Mercury, la banda se mantuvo en el tope de la escena musical, especialmente con el rotundo éxito de discos como "Sheer Heart Attack", "A Night at The Opera", "News Of The World" o el espectacular concierto en Wembley.
Por otro lado, la alocada pero secreta vida de Freddie se complicó en 1987 cuando fue diagnosticado de SIDA, enfermedad que reveló que padecía solo 2 días antes de su muerte el 24 de noviembre de 1991. Tenía tan solo 45 años.
El 20 de abril de 1992, se ofrece un último adiós a Freddie por medio de un concierto tributo en Wembley, lugar donde ofreció su mejor performance en vivo. 72 mil espectadores asistieron al recital de 6 horas donde decenas de mega estrellas musicales ofrecieron su tributo a uno de los más geniales maestros del rock.
Para un conocedor de la música de King Crimsom, con tan solo escuchar el nombre de esta mítica banda, se le vienen a la mente temas fuertes y con un increíble poder y energía, capaces de desbaratar mentes por su exquisito virtuosismo instrumental, temas como lo son, por ejemplo, la agresiva "21st Century Schizoid Man", la épìca "In the Court of the Crimson King", la extrañísima "Lark's Tongues in Aspic", o la poderosísima "Starless". Sin embargo, la mente de Robert Fripp no vuela y experimenta solamente en ese estilo musical, existe un lado de KC que no ha sido tan tomado en cuenta como debería, ese lado que también enamora, embruja y hasta hace soltar una lágrima por la mejilla. Un lado atípico que deja de lado el virtuosismo guitarrero eléctrico y apuesta por una simpleza desinhibidora muy introspectiva y cautivante, pero que, a pesar de todo, mantiene el sello personal e inconfundible de la banda carmesí.
"I Talk to the Wind"
Segundo tema del primer disco de la banda. "In the Court of the Crimson King" fue un hito para la historia del rock en general, pero contenía un tema diferente a los demás. "I Talk to the Wind" se caracteriza por su paz y serenidad, un contraste total con tema que le precede en el disco ("21st Century Schizoid Man"). El tema inicia con la flauta tocada por Ian McDonald que se convierte en el instrumento principal desatando solos y un coda exquisito. La letra fue escrita, al igual que en las demás canciones del álbum, por el genio de Peter Sinfield.
"Cadence & Cascade"
Tercer tema del disco "The Wake of Poseidon", segunda producción de la banda. Muchos se refieren a esta hermosa canción como una secuela de "I Talk to the Wind", ya que mantiene la flauta traversa como uno de los instrumentos principales, la letra también es escrita por Sinfield, pero el flautista en esta ocasión es Mel Collins, quien se volvió en un recurrente para Fripp en varios discos de la banda. Aunque el tema se apoya más en la percusión y teclados, a la mitad del tema fluye este genial instrumento de viento con un bello solo que luego acompaña hasta el final de la canción.
"Book of Saturday"
Del genial y alocado disco "Lark's Tongues in Aspic", nace este tema que contrasta totalmente con todos los demás de esta, la quinta producción discográfica de la banda. La guitarra de Fripp hace magia en esta tranquila canción junto con el violín de David Cross y la voz de John Wetton (estos dos últimos, nuevos integrantes de KC). A decir, nada más, solo cierren los ojos y escuchen.
"Matte Kudasai"
Otra época, otra banda. King Crimson de las décadas de los 80 y 90 se cracterizó por las innovaciones musicales de la banda y un increíble virtuosismo con Andy Belew, Tony Levin y Bill Brufford acompañando a Fripp, una superbanda que con el disco "Discipline" de 1981, renació luego de 6 años de descanso. "Matte Kudasai" es uno de los temas más queridos de la banda, en ella Belew simula el sonido d unas gaviotas con un slide de guitarra y ruega que "esperes, por favor". Simplemente hermoso.
"Islands"
Uno de los mejores temas de la banda en general, a pesar de su sonido y estilo diferente al prog ecléctico que presenta Fripp y compañía. El tema nace del disco homónimo de 1971, y es el track más largo del álbum (casi casi 12 minutazos). Esta sería también la última colaboración de Sinfield en un disco de KC, y la mejor despedida que este genio nos podría otorgar. En el tema priman los vientos y el piano, pero luego de un par de minutos el saxo se alza como el instrumento con más preminencia. La parte instrumental de la canción es increíblemente cautivante, el crescendo que se inicia en el minuto seis hasta el final del tema tiene una fuerza increíble que solo la música podría despertar en el alma de las personas (sono cursi pero que chucha, eso es lo que se siente en verdad).
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El 2009 fue un gran año para nuevas bandas y reencuentros con el éxito para agrupaciones que se encontraban en breves hiatos. La escena musical poco comercial se caracterizó por un sonido mucho más agresivo, de ahí podemos importantes lanzamientos de bandas como Riverside, Mastodon, y el increíble regreso de la banda post-metal / experimental, Maudlin of the Well. Por otro lado, la obra más esperada del año por los seguidores de Christian Vander, fue la última parte de la trilogía de Kohntarkosz, la cuál fue aclamada por muchos como lo mejor de Magma en los últimos años. Otra obra muy particular fue la última producción de la banda de electrónica experimental, Animal Collective, reconocida por muchos fanáticos como el mejor disco de la agrupación hasta el momento. Pero hubo una banda 'gabrielesca' que pasó muchos años desapercibida y que corto las alas a cualquier producción que aspiraba a un primer lugar. Esta es, una vez más y en mi humilde opinión, los mejores discos del año 2009:
10. "Veckatimest" de Grizzly Bear: Tercer disco de estudio de esta banda de folk rock estadounidense, en esta oportunidad, el grupo integra a su música sonidos psicodélicos y se diferencia de sus dos previas producciones por flirtear con la complejidad y experimentación, la cuál fue gratamente valorada por los críticos. Aunque el grave hecho de que la versión no remasterizada del álbum se haya filtrado por internet semanas antes de su lanzamiento oficial, ello no perjudicó de que las ventas del disco hayan sido una catástrofe: alrededor de 33 mil copias fueron vendidas en tan solo su primera semana de lanzamiento, convirtiédolo en el mayor éxito comercial de la banda.
9. "Crack the Skye" de Mastodon: Cuarto disco de estudio de la banda de sludge metal con toques progresivos. "Crack the Skye" representa, al igual que los otros tres disco de la banda, un elemento clásico griego, los discos "Remission, "Leviathan" y "Blood Mountain", representan el fuego, agua y tierra respectivamente, lo que deja entrever que esta cuarta producción está dedicada al elemento del aire. Brann Dailor, baterista de la banda, mencionó también que el disco es una dedicatoria a su hermana, Skye Dailor, quien se suicidó a la temprana edad de 14 años, de ahí se prafrasea el nombre del disco, el cuál, según los integrantes de la banda, puede significar un sinnúmero de cosas.
8. "Mundos Bizarros" de Flor de Loto: La banda peruana de fusión regresa y traza nuevos horizontes con su tercera producción discográfica, esta vez con un nuevo flautista, Junior Pacora, con un estilo que se aleja más de lo andino pero recoge rockero/jazzero que se refleja a lo largo de los 13 temas del disco. Asimismo, podemos apreciar temas influídos por la música folklórica de otros países, "Danza Celta 2" y "Shamballa, por ejemplo, son tributos a la música celta y de medio oriente respectivamente. Otra particularidad del disco es aumento de temas vocales, particularidad que ha ido en aumento desde el primer disco, en esta producción podemos apreciar que los temas instrumentales y cantados se intercalan.
7. "Anno Domini High Definition" de Riverside: La banda polaca de Mariusz Duda y compañía retornan luego del genial "Second Life Syndrome" con un disco algo más pesado que anteriores entregas de la banda, temas mucho más largos pero, no obstante con un vistuosismo más reseco y menos pulido por parte de los integrantes de la banda. La razón de la diferencia de este disco con los anteriores tres es porque esta producción está fuera de la trilogía Reality Dream, qu seguían una línea musical muy bien definida caracterizada por su intensidad progre metalera. Pero esto no quiere decir que la musicalidad de la banda haya decaído, tan solo se tomo un rumbo diferente. El disco es de muy buena calidad, riffs potentísimos y teclados que priman en muchas partes de estos temas son lo que resalto de esta gran producción.
6. "The Whirlwind" de Transatlantic: Tercer disco de estudio de esta súper banda conformada por Neal Morse (teclados y voz, ex Spock's Beard y con una fructífera carrera solista), Pete Trewavas (bajista de Marillion), Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings, Kaipa y The Tangent) y Mike Portnoy (virtuoso baterista de Dream Theater). Por su complicada agenda, solo han logrado hacer esta gran obra luego de nueve años desde su anrterior producción. El disco contiene tan solo un tema de 78 minutos partido en 12 movimientos (digna obra progresiva), donde podemos apreciar breves tributos a bandas setenteras como Genesis, ELP, Supertramp y algunas badas italianas de esa misma década... Un hermoso trabajo y un dulce placer para los amantes del progre de todos los tiempos.
5. "Sing Along Songs for the Damned & Delirious" de Diablo Swing Orchestra: Después del "Butcher's Ballroom", gran disco debut de esta banda sueca de avant-garde metal, DSO lanza su segunda producción discográfica siguendo la línea de su antecesora, pero esta vez con muchas más mezclas de metal, swing, big band jazz y hasta trompetas mexicanas. Lo cierto es que este disco es mucho más solido que el primero, la propuesta de la banda de combinar sonidos fuertes y absurdos para dar esa atmósfera escalofriante y tenebrosa se cumple de extraordinaria manera y nos muestra un sonido único y diferente no apto para oídos conservadores.
4. "Ëmëhntëhtt-Ré" de Magma: Tercer y último disco de la trilogía Kohntarkosz, en este se cuenta la historia de Ëmëhntëhtt-Ré, un faraón egipcio que busca de la inmortalidad por medio de un viaje espiritual. Este disco viene a ser una precuela de los anteriores dos (Kohntarkosz de 1974, y Kohntarkosz Anteria de 2004), donde la búsqueda de la inmortalidad continúa en las manos de Kohntarkosz luego de la lmuerte del faraón. En cuanto a lo musical, se podría decir que este disco es uno de los más digeribles de Magma a pesar de su idioma inentendible y densa musicalidad, hasta me podría aventurar a decir que es el mejor disco de la mencionada trilogía y un regreso triunfal (luego de 5 años) por parte de Vander y su ambigua banda.
3. "Part the Second" of maudlin of the Well: Cuarto disco de esta genial banda post-rock/metal que, curiosamente, fue financiado por donaciones de los fanáticos y luego lanzado gratuitamente en internet. Las personas que donaron antes del lanzamiento del álbum fueron considerados como productores ejecutivos. Luego de los dos grandes disco lanzados en el 2001 (Bath y Leaving Your Body Map), la banda nos muestra una música mucho más calmada, sin tantos toques de metal vanguardista e inclinándose más por el post-rock. Los anteriores trabajos que la banda hizo en Kayo Dot, también quedan rezagados y se apoyan más en los instrumentos de cuerdas, así, podemos escuchar violines y cellos. Un muy buen regreso para esta banda que muchos creían perdida en el tiempo.
2. "Merriweather Post Pavillion" de Animal Collective: Octavo disco de estudio de esta banda reiteradamente mencionada en este blog, donde la electrónica, la psicodelia y la experimentación son sus principales armas. Este disco en especial se caracteriza por la falta de un elemento clava: la guitarra. Deakin, uno de los 4 miembros de la banda decidió separarse momentáneamente, lo cual hizo que los otros 3 aspiraran a alcanzar nuevos horizontes donde los samplers se convirtieron en su principal instrumento. El resultado fue un trabajo muy profesional (a pesar de que yo no sea muy entusiasta con los sampleos), la falta de Deakin no se hizo sentir y hasta podría decirse que es el disco más completo de la banda y, para muchos, el mejor.
1. "The Underfall Yard" de Big Big Train: DIS-CO-TE de esta gran banda inglesa que le da un 'revival' al rock progresivo de años dorados. El vocalista de la banda, David Longdon, merece una mención especial por ser el flamante reemplazo de Phil Collins en Genesis desde el año 1996 hasta su retorno, su voz 'gabrielesca' lo hizo merecedor de tal honor. A él, se le suma Nick D'Virgilio, baterista de Spock's Beard y también de Genesis en la época del ingreso de Longdon. Asimismo, completan la banda Gregory Spawton en guitarra y Andy Poole en bajo y teclados. El concepto del disco explora diversos temas acaecidos en la Inglaterra de inicios del siglo XX y de la era victoriana, pero lo más interesante del disco es sin duda su instrumentación: citaras, trombones, cellos, tubas, cornetas y trompas hacen que este disco se vuelva tan intenso y relevante para su época. Su tema instrumental e introductorio y los 5 temas restantes que no bajan de los 6 minutos de duración nos envuelven en una atmósfera de clamor y mesura única, que no he escuchado antes en una obra de gran aliento como esta que sin duda, es un gran indicio de que el rock progresivo todavía vive.
Con la explosión del minuto 2:30 y el coda, confirmé que este tema es una obra maestra:
Uno de los discos olvidados de los noventas (o al menos en esta parte del mundo), Jeff Buckley nos suena pero nunca lo hemos escuchado, esa era mi idea de este gran cantautor hace un par de años, pero cuando al fin me di la oportunidad de escucharlo me dije mi mismo que estupido fui al no darle su merecido tiempo.
Hijo del conocido músico de folk y rock experimental Tim Buckley, Jeff hizo facto el dicho de tal palo tal astilla al inspirarse de gran manera de la música de su padre, el folk y un gran número de bandas de los setentas.
Grace es un disco que fue muy poco valorado en su época y poco a poco fue tomando renombre y llegó a ser un disco de culto debido a la muerte de Jeff en el 97, pero descartando a los oportunistas se pueden encontrar verdaderos fanáticos de su música, unos temas muy folk y oros muy hard rock, Buckley combina diversos estilos sin caer o ser calificado como un amateur, él sabe lo que hace y lo hace muy bien, coros muy pegajosos, arreglos muy profesionales y sobre todo lo que más cautiva es la letra y la voz de Jeff, esos falsettos únicos y ese tono que por momentos es un Freddie Mercury, por otros un Robert Plant, en ocasiones un Peter Gabriel y en el mejor de los casos un Tim Buckley.
El comienzo del disco en crescendo, la mágica "Mojo Pin" perfecta para comenzar, extremadamente tranquila y relajante en su intro, la voz de Buckley comienza a ser más prominente y estalla con sus gritos. El disco esta repleto de temas que hoy están considerados como reliquias de culto en de la música alternativa, la genial "Grace" fue el primer single del disco, un temazo sin precedentes. la maravillosa "Last Goodbye" (que ha sido tocada como cover por varias bandas y solistas) uno de los mejores temas del disco que utiliza instrumentos de curda clásicos como apoyo y la voz de Buckley se hace tan intensa que le da un plus al tema.
El tema más folk del disco y tal vez el más conocido por la gente que no esta familiarizada con la música de Buckley es "Hallelujah", cover de Leonard Cohen del cual Jeff Buckley se declaró fanático, está conocidísima canción llegó a ser más famosa de lo que era gracias a esta versión que ahora es utilizada en decenas de series o comerciales de TV. Simplemente una guitarra y la voz de Buckley fueron necesarias para la cración de este tema.
Recomendadísimo disco para el que quiera escuchar lo mejor de la decada de los noventas y del rock alternativo, para el que quiera culturizar sus oídos escuchando a un músico no tan comercial, de ninguna manera se van a decepcionar.
Una vez más volvemos al rock progresivo italiano, esta vez mostraremos otra banda poco conocida. "Celeste" es una banda ultra rara, las pocas personas que han logrado apreciarla podrán dar razón en que no se caracteriza por compartir el virtuosismo o las intrincadas composiciones que sus congéneres paisanos tenían (llámese bandas como PFM o Banco del Mutuo Soccorso). Esta banda se caracterizaba más por sus hermosos y melódicos pasajes, muchos de ellos acústicos influenciados no por la 'tarantella' pueblerina, sino por el sofisticado neoclasicismo italiano de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.
El siguiente tema es un 'bello pezzo di canzone' dividido en tres claros pasajes: el primero, muy influenciado por la música docta, una introducción que me recuerda al épico intermezzo de "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni compuesta a finales del siglo XIX; el segundo, predominado por los sonidos acústicos, guitarra y flauta traversa acompañan perfectamente a la voz; y el tercero, un buen pasaje instrumental con flauta, piano, mellotron, guitarra acústica y, por supuesto, un sorprendente saxo que se lleva de encuentro a los demás instrumentos. ¡DISFRÚTENLO!
Principe Di Un Giorno
Principe di un giorno
cerchi un prato a riposare sogni
saggio l'uomo in bianco
che t'indica la via verso
regni senza fini
dove il vento non essiste piú
Suddito tuo amico un cavallo che
bacia ora l'altra terra abbandonata te
lago e steli cambia il color
salgono cori verso te
Chiara luce templi verdi
porta al fondo te.
Trono veroin acque pure chiama giusto re.
Raggiungi il tuo castello, voltati
adesso sei, spechiatti.
Príncipe de un Día
Príncipe por un día
busca un prado para resposar sueños
sabio hombre de blanco
que te indica que el camino a través de
reinos sin final
donde el viento ya no existe más.
Sujeto tu amigo a un caballo que
besa ahora otra tierra abandonada
Lago y tallos, cambia el color
coro creciente hacia tí.
Claras luces de templos verdes
te lleva a la parte inferior.
Trono verdadero en aguas puras llama al justo rey
Alcanzar tu castillo, da la vuelta
eres ahora, espejo.
Aquí la hermosa obra de Pietro Mascagni, conducida por el maestro Lim-Kek Tjiang, y la influencia que el compositor italiano tuvo en la banda:
A Tom Waits se le puede considerar como uno de los músicos más versátiles que hayan pisado el planeta, su música va desde el jazz a lo experimental, y con su inigualable voz ronca crea de por sí un estilo muy personal.
Su música, alejada por completo de lo comercial, pero aun así con grandes reconocimientos en cuanto a la crítica se refiere, comenzó a flirtear con la experimentación precisamente a mediados de los ochentas, cuando se sentía decepcionado de la música de ese tiempo, saturada con el uso del sintetizador, donde muchos músicos dependían totalmente de ello convirtiéndolos en artistas mediocres.
La respuesta de Waits ante el sonido electrónico de la época fue en su anterior disco llamado "Swordfishtrombones" de 1983, pero llego a ser un manifiesto con "Rain Dogs" en 1985, estas propuestas musicales abandonan el uso del sintetizador y los efectos de doblaje de los estudios para llenar la musicalización con una gran gama de instrumentos "organicos" (y los llamo así por ser la contraparte de electrónicos) que, además de las básicas guitarras, bajos y baterías, utiliza acordeones, trompetas, trombones, tubas, contrabajos y demás.
Éste tipo de experimentación no-electrónica no se hacía desde los tiempos en que Bob Dylan se volvió rock-star, después de estó las demás bandas han creado nuevos sonidos con una pequeña ayuda de sonidos electrónicos, pero como afirmaba Waits, a inicios de los ochentas ya se había llegado al exceso.
"Rain Dogs" llega a ser chocante si no se conoce mucho de la carrera musical de Waits (que se extiende desde 1973), con influencias de jazz, blues y folk, éste cantautor crea un rock tan matizado que cada una de las canciones de éste álbum llega a representar cada una de sus etapas musicales, por ello muchos críticos entran en un dilema en encasillar a éste disco en un género o estilo musical: "Time" es una suave balada folk, "Union Square" parece un rockabilly cincuentero, "Anywhere I Lay My Head" es un gospel apasionado, "Walking Spanish" parece un jazz-impro de Louis Armstrong y "Cementery Polka" parece la más extraña canción circense.
No entreré a detallar los temas del disco, como ya dije es una producción sin género definido, pero aún así es uno de los mejores trabajos musicales de los ochentas, un disco fuera de época que se enfrentó sin miedo al mainstream y logró ganar varios seguidores.
"Rain Dogs" es un álbum de vanguardia por excelencia, representa la escencia musical de Tom Waits y lo lleva al clímax de su carrera artística. Hoy en día se le consiera como uno de los músicos mas importantes del siglo XX, y no es para exagerar. Músicos como Bob Seeger, Tori Amoss y hasta la hermosísima Scarlett Johanson, en su disco debut, han hecho sendos covers de las canciones de éste álbum y toman a Waits como gran influencia en su música. Sorprendente disco y recomendadísimo para cualquier melómano que desee adentrarse a la música experimental.
