John Lennon: La leyenda a 30 años de su muerte

A veces me pregunto si es que John Lennon estuviese vivo, ¿el mundo sería mejor?... La paz que emanaba, esa aura increíble que muchos confunden con hippismo descarado, ese hombre vestido de blanco junto a su amada e inseparable pareja, echados en esa cama igual de blanca donde hacían el amor todos los días. John Lennon, al final de sus días, era más un activista que un músico, al punto que fue investigado por el FBI por ser considerado un presunto espía soviético (para que vean que la paranoia existía en los Estados Unidos mucho antes de WikiLeaks).

Pero centrándonos más en la pregunta del comienzo, la respuesta es simple y llanamente 'NO'. Lennon pudo haber sido el Dalai Lama de occidente, pero más que un hombre de paz y amor, era un hombre de música. Ese arte que el interpretaba tan bien desde los años 50, cuando empezó a inspirarse en Elvis y The Shadows para crear un sonido diferente, radical y juvenil.

Luego llegó la beatlemanía, los increíbles tiempos de experimentación a fines de los 60 y una impecable carrera solista interrumpida violentamente el 8 de diciembre de 1980 en la puerta de su departamento de Nueva York.

Hoy Lennon es considerado un héroe musical y social de nuestro tiempo. Sin embargo, ese calificativo fue totalmente rechazado por el artista en una entrevista que realizó para la revista Rolling Stone, días antes de su muerte: "No me interesa ser una mierda de héroe muerto… olvídalo", fueron las palabras del beatle el cinco de diciembre, tres días antes. No obstante procuremos que esa frase no se cumpla, Lennon podrá ser un héroe pero nunca morirá.

* No voy a poner 'Imagine' o 'Woman' porque van a haber cientos de blogs y páginas que las van a poner, el tema que elegím es "God", un tema nada religioso que va más a la creencia de uno mismo y de su pareja.

Woody Allen, ese delgado-neurótico-judío/ateo-maestro del cine... y de la música

Hoy, 1 de diciembre del 2010, se cumplen 75 años del nacimiento de Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, director de cine, escritor, actor, dramaturgo, músico, neurótico/paranoico, pero sobre todo, un maestro que dejó plasmado su legado en cintas de 35 mm. uno de los directores más influyentes de los últimos 50 años.
Allen ha participado hasta la fecha en 60 películas, de las cuales ha dirigido 46, un número increíblemente alto, pero que es comprensible, ya que desde 1992 ha dirigido por lo menos una película por año (y, según él, lo seguirá haciendo).
Filmes muy personales que prácticamente retratan su vida y sus principales intereses: las mujeres, las relaciones, las infidelidades, la muerte, la religión judía, Manhattan, el cine, el jazz, el psicoanálisis y el sexo. Aunque también toma influencias de otros grandes maestros del cine como Ingmar Bergman, Federico Fellini y Groucho Marx.
Sin embargo, una de las tantas pasiones de Woody es la música, fanático acérrimo del jazz, es un prodigioso clarinetista que toca seguidamente en pubs y hoteles de su querida Manhattan. Ocasionalmente acude junto a su banda a festivales internacionales de jazz. Su estilo es más pegado al clásico jazz de Nueva Orleans, el dixieland de Jelly Roll Morton, que luego sería reivindicado por Louis Armstrong en los años 40.
A veces me pongo a pensar que tremenda agrupación pudo haber sido si Woody se hubiese dedicado a full a la música en lugar del cine. No importa, la banda es impecable y lo suyo en verdad es el séptimo arte y no el cuarto, aquí un video de una de sus tocadas:

Mejores discos del 2006: Lo mejor de la década (Parte VII)

El 2006 fue el año de reencuentros con viejas figuras de la música, desde Bob Dylan hasta Morrissey lanzaron sus respectivas producciones con notables cambios de sonido que, para bien o para mal, dieron mucho que hablar en los medios especializados y fanáticos en general. En esta lista tendremos, como de costumbre, discos menos conocidos que en las listas top que vemos comúnmente rondando en la internet y revistas de música, con el propósito de no caer en lo habitual y dar un poco más de cabida a discos que en verdad valen la pena ser escuchados. Folk, metal sinfónico, garage rock, algo de country revival y un monstruoso disco triple que devoró las cabezas de todos sus contrincantes es lo que encontraremos en la lista de mejores discos del 2006:

10. "10 000 Days" de Tool: Luego de cinco años de ausencia, Tool lanza "10 000 Days", su cuarto álbum de estudio, un trabajo que sigue la linea de su antecesor "Lateralus" y explora profundamente el mundo del metal progresivo, género en el que ya están inmersos en su totalidad gracias a este disco. Por más heavy y musicalmente superior a muchas bandas de este año, el disco no supera al "Lateralus", Temas como Rossetta Stone, Vicarius o The Pot son de los mejor del disco: fuertes guitarras y efectos sonoros que solamente Tool sabría darnos. Un álbum que igualmente debe estar en la colección de todo amante del metal.

9. "Ringleader Of The Tormentors" de Morrissey: Octavo disco de estudio del ídolo de multitudes de los ochenta, en esta producción Morrissey nos ofrece uno de los discos más rockeros y modernos que haya hecho. El mismo cantautor atribuye este hecho a la incorporación del nuevo guitarrista Jesse Tobias, un músico mucho más inclinado al rock alterntivo. La influencia, sin embargo, no cambia el estilo purista de Morrissey, su voz sigue siendo impecable y las letras de los temas son igual de poéticas como siempre, y en esta ocasión el cantante se inspira en Roma y sus atractivos, los cual es menciona con cierta frecuencia en sus letras.

8. "Black Holes & Revelations" de Muse: Esta banda ya se ha convertido en una de las comunes en estas listas, y aunque a muchos no les parezca, a mí si me gusta mucho su estilo, aunque para este, su cuarto disco de estudio, el cambio musical comienza a florecer. El disco introduce sonidos espaciales con ayuda de guitarras distorsionadas y sintetizadores. a veces parece que escuchamos un soundtrack de una película de ciencia ficción en lugar de un disco rock. No estoy diciendo que por ello el disco sea malo, pero en realidad es más bajo que las dos anteriores producciones de la agrupación. Sin embargo, la experimentación siempre sera bienvenida, para bien o para mal, este fue un paso adelante para la banda.

7. "Butcher's Ballroom" de Diablo Swing Orchestra: Esta banda sueca de avant-garde metal dio que hablar en el 2006 no solo por su trabajada música que contempla un prominente uso del cello, sino también por su típica historia. Según sus integrantes, los antepasados de estos formaron una banda a inicios del siglo XVI, y debido a su gran virtuosismo y apego a la gente, la iglesia los catalogó de traidores y devotos del diablo, la banda fue perseguida y tuvo que refugiarse por varios años, antes de ser capturados cada uno de sus miembros escribió una carta dirigida a sus descendientes 500 años después para que estos honren a la banda y prosigan con el trabajo de sus ancestros. La historia no tiene un sustento histórica pero crea un aura de misticismo a esta prodigiosa banda metalera que además combina el funk, el jazz y el rock progresivo.

6. "Stati Di Immaginazione" de Premiata Forneria Marconi (PFM): Una de las bandas más impresionantes de los setenta, perteneciente al amplio universo del rock progresivo italiano, Premiata Forneria Marconi (conocida también como PFM) tal vez sea la banda más importante de esta corriente de virtuosísimos músicos del mediterráneo. Al pasar casi desapercibida por varios años, PFM volvió con fuerza con esta, su decimocuarta producción de estudio que, a diferencia de sus otros lanzamientos, el disco se deslindaría de sus pares por ser completamente instrumental. Una oda de prodigiosa instrumentación con el genial Franco Mussida en guiitarra y Franz Di Cioccio en batería, los únicos integrantes que siguen en PFM desde su creación.

5. "Ys" de Joanna Newsom: Un disco folk con arreglos sinfónicos y una voz única e inconfundible. Joanna Newsom podría ser la Joan Baez del siglo XXI, solo que no canta canciones de protesta y en lugar de guitarra tiene un arpa, un hermoso instrumento que la acompaña a lo largo de los cinco largos temas de este disco. Y ustedes dirán: ¿sólo cinco temas?. Sí, es solo eso, pero basta y sobra para mostrar el virtuosismo de Newsom en su instrumento y en las letras de sus temas, de por sí muy maduras y nunca pecan de soberbias. El estilo de Newsom es muy personal, aunque la primera vez que la escuche me parecía Björk cantando temas de Scott Walker con cortes sinfónicos, me terminé dando cuenta que es un estilo tan único que se deslinda de todo lo antes escuchado.

4. "Amputechture" de The Mars Volta: Otra banda que ya se hace habitual en las listas top. El tercer disco de estudio del dúo Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala sigue teniendo un sonido 'crimsoniano' similar a su anterior producción "Frances The Mute", ese metal progre con toques experimentales y combinación de sonidos como el jazz, la salsa y, por supuesto, el rock duro. La gran diferencia de este disco con los dos anteriores es que las letras de las canciones ya narran temas concretos (historias o situaciones 'x') y a pesar de que la temática de las canciones no tienen relación una con la otra, estas se ven conectadas por su fuerza musical, una atmósfera que sólo Mars Volta es capaz de crear.

3. "Modern Times" de Bob Dylan: El maestro de maestros que para esa fecha nos deleitaba con innumerables bootlegs (que hasta la fecha sigue lanzando), dejó a miles boquiabiertos con este disco, una renovación musical muy inspirada en Johnny Cash. Este disco supone el final de una trilogía de discos exitosos de Dylan tras el "Time Out Of Mind" y el "Love And Theft", aunque en esta oportunidad el folk/rockero adoptaría con más fuerza géneros como el country y el rockabilly. El disco llegó a ser número uno en Estados Unidos, Dylan no había logrado esto desde 1976 con su disco "Desire", y con 65 años de edad se convirtió en el artista más longevo en alcanzar un número uno en las listas de más vendidos.

2. "Wolfmother" de Wolfmother: Aunque parezca mucho, no es Led Zeppelin, este trio australiano reivindico el hard rock setentero a su máxima expresión: poderosos riffs, solos de guitarra, percusión aplastante y una voz precisa para este tipo de música. Wolfmother lanzó temas pegajosos pero buenos, a veces los podíamos escuchar en discotecas, la música era una reinvención y un tributo a los setentas, y con ello la banda encontró lo que Jack White estaba buscando hace tiempo, la enérgia y el poder de una verdadera banda hard rock. Wolfmother hizo lo que quiso con este disco, barrió con todas las demás bandas rock del año y no tuvo nada que envidiar a nadie... excepto, tal vez, a nuestro puesto número uno.

1. "Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards" de Tom Waits: Este monstruoso disco en realidad me asustó cuando se lanzó en aquel 2006, año en que recién ingresaba a la universidad y tenía Waits como uno de los artistas más subterráneos y anti-todo de la música. Se le dio por hacer blues y música de cantina en los 70 cuando todos agarraban una guitarra eléctrica, se le dio por hacer música experimental con instrumentación ecléctica en los 80 cuando todos agarraban el sintetizador, y por último se le ocurrió hacer un maldito disco triple en la pasada década para cagarnos más el cerebro. "Orphans" y sus tres discos titulados Brawlers, Bawlers y Bastards reune temas nuevos y antiguos de Waits (para ser más precisos 24 rarezas y 30 nuevos), temas descartados u olvidados por el cantante de la voz grave, y por ello él los califica como "huérfanos". La extraña pero inteligente percusión de la que ya nos tenía acostumbrados desde su disco "Bone Machine" sigue presente, su voz sigue tan grave como siempre la hemos querido, y la música en momentos nos hace sentir vivaces y en otros nos da simplemente pavor. Un disco que te puede hacer revolver las entrañas como si fuese una montaña rusa, una obra maestra de nuestro tiempo.

Rolling Stones de vuelta al vinilo

Sólo la muerte podrá separar a la histórica banda rock por excelencia, y es que desde 1962, cuando lanzaron su primer disco, "England's Newest Hitmakers", hasta el día de hoy, no han dejado de producir música y lanzar discos por doquier.
Luego de que la discografía de John Lennon se remasterizó por el 30 aniversario de su muerte, ahora es el turno de los Rolling Stones, aunque ninguno de ellos ha muerto (y para muchas personas nunca van a morir) los fanáticos han quedado estupefactos con la noticia.
Según Universal Music, este 23 de noviembre sale al mercado dos box-sets que contienen gran parte de la discografía de la banda, el dato curioso es que estos discos no están en formato digital, sino en el clásico y nostálgico formato de vinilo.
El primero "The Rolling Stones 1964-1969 Vinyl Box Set" incluye discos de la primera etapa de su carrera, donde comenzaron a tocar blues y experimentaron con el rock gracias al ex líder de la banda, Brian Jones. La caja contiene en total 13 discos: The Rolling Stones (EP), The Rolling Stones (LP), Five by Five (EP), The Rolling Stones N° 2, Out Of Our Heads, Aftermath, Big Hits (High Tide and Green Grass), Between the Buttons, Their Satanic Majesties Request (¡discazo!), Beggars Banquet (¡mejor que el anterior¡), Through the Past, Darkly (Big Hits, Vol. 2), Let It Bleed (mejor me quedo callado... ¡discazo!) y Metamorphosis.
La segunda caja titulada "The Rolling Stones 1975-2000 Vinyl Box Set" recoge el resto de su amplia discografía, esta comprende la etapa sin Brian Jones y del protagonismo de Mick Jagger, donde hubo grandes discos pero también grandes bajones. El box set contiene 14 vinilos, los cuales son: Sticky Fingers, Goats Head Soup, It’s Only Rock and Roll, Black And Blue, Some Girls, Emotional Rescue, Tattoo You, Undercover, Dirty Work, Steel Wheels, Voodoo Lounge, Bridges To Babylon, A Bigger Bang y Exile On Main Street (los últimos cuatro son discos dobles).

Los fanáticos coleccionistas tendrán que ahorrar para poder escuchar a los Stones en su formato mono original, y es que, a decir verdad,  lo clásico suena mucho mejor.

"Rubber Soul" de The Beatles (1965)

Con una marcada influencia de la música de Bob Dylan y The Byrds, el cuarteto de Liverpool lanzaría éste, su sexto álbum de estudio, a fines del 65 con un sonido mucho más elaborado que el original efectuado en sus primeros discos. Una producción musical muy importante en la historia de la música rock.

Las innovaciones que presenta el disco hacen que éste sea el primer quiebre musical de los Beatles en cuanto a la producción de sus canciones. Se nota claramente la diferencia entre éste álbum y sus predecesores, las letras de las canciones, principalmente creadas por Lennon y McCartney, ya no son temas románticos y anticuados, esta vez se centran más en el abandono, la soledad y la critica a la mujer (sin llegar al sexismo, claro). Harrison, por su parte, innovó en la instrumentación de las canciones, utilizando por ejemplo la sitara en "Norwegian Wood". Ringo Starr también utilizó otros instrumentos como maracas o la pandereta. "Drive My Car" usa unas progresiones jazzisticas empleadas por McCartney, que a su vez canta con voz ronca, muy característica de él. Aunque pueda decirse que no hay mucha diferencia entre este tema en relacion con los de otros discos, ya que siguen con la influencia musical de las bandas de rock and roll, éste sigue siendo un muy buen tema del cuarteto con un excelente coro. "Norwegian Wood" hermosos tema acústico acompañado por una sitara tocada por George Harrison, conformando un innolvidable riff. Éste fue el primer tema de los tantos que usarían los Beatles en compañia de instrumentos orientales. En este tema se nota los nuevos horizontes a los que apuntaba la banda que se verían en su totalidad en sus consiguientes álbumes.

"Nowhere Man", de la cual se puede decir que es el primer tema de reacción de los Beatles. La letra nos habla de un hombre que no tiene voz ni voto y se sume en la nada. La voz armónica de Lennon (que en el comienzo canta a capella), los suaves acordes de guitarra de Harrison y los coros de McCartney, sostienen a la cancióncomo una de las mejores producidas del disco.

"What Goes On" con una marcada influencia folk-rock, se puede apreciar la huella que The Byrds dejó en la banda. Y no hay que olvidar cómo Harrison mejoró con su gran solo de guitarra en este tema (y digo 'gran' porque antes de Hendrix eso era un solo maravilloso, aunque ahora se considere algo simple).

"In My Life", que cuenta con George Martin en el órgano (a mi parecer el quinto beatle) que, a decir verdad, lo toca con gran virtuosismo. Esta es una de las mejores composiciones de éste disco, o mejor dicho de la banda en general. En su letra, cantada con nostalgia, Lennon y McCartney recuerdan su niñez en su natal Liverpool y cómo sus vidas han cambiado. Ésta se puede resumir en las primeras lineas del tema: “There are places I remember, all my life though some have changed / Some forever not for better, some have gone and some remain”

Concluyo diciendo que éste es uno de los discos más importantes en la historia del rock, y que (a mi parecer) junto con el "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "My Generation" de The Who (todos de 1965), fueron los tres pilares del rock moderno tal y como lo conocemos ahora. Los dotes de experimentación y el perfeccionismo en la instrumentación que muestra el "Rubber Soul" eran totalmente innovadores en su época. Pronto estas innovaciones serían ampliadas en su siguientes álbumes: el genial "Revolver", y el perfecto "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", los cuales veremos de seguro más adelante.

Lista de canciones:

1. Drive My Car - 2:30

2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - 2:05

3. You Won't See Me - 3:22

4. Nowhere Man - 2:44

5. Think For Yourself - 2:18

6. The Word - 2:41

7. Michelle - 2:40

8. What Goes On - 2:50

9. Girl - 2:33

10. I'm Looking Through You - 2:27

11. In My Life - 2:28

12. Wait - 2:16

13. If I Needed Someone - 2:23

14. Run For Your Life - 2:18

Smashing Pumpkins en Lima: Las calabazas vienen a nuestra casa

Cuando escuche la noticia que los Pumpkins venían casi me voy en pedo: ¡Estaré en primera fila! - me dije a mi mismo. Que una banda de este calibre venga era uno de mis sueños en cuanto a bandas noventeras (ahora sólo falta Radiohead y Pearl Jam), pero en realidad Smashing Pumpkins para mí representa casi todos los recuerdos de cuando estaba en secundaria y el cómo la escuche por primera vez es una de las historias más inverosímiles que me han podido suceder, y por el hecho de ser una historia algo larga le dedicaré un post muy pronto, y es que precisamente este post está dedicado al que para mí es el mejor disco de la banda y al que espero le dediquen más protagonismo este 25 de noviembre. Aunque el único integrante original de la banda que viene es Billy Corgan, para mí ya está pagadísimo, Corgan 'ES' Smashing Pumpkins, los demás pueden ir y venir, pero el genio de la pelada rockera es el único que importa ¡Los Pumpkins vienen señores, y no hay que perdérselo!

Mellon Collie & The Infinite Sadness

La primera vez que escuche este disco me dije a mi mismo: "¡¿Donde demonios ha estado este álbum para no haberlo escuchado antes?!". Y es que fue una de las mejores cosas que hubiese podido ecuchar, me abrió los ojos hacia tantos otros tipos de música, y es sin duda uno de esos discos que cambió mi vida (tal vez sea el que más la cambió).

Los Pumpkins rozan la perfección debido a la extensa mezcla de influencias que tiene el disco, nunca antes había escuchado una producción que abarque tantos estilos musicales (tal vez sea por el hecho de ser doble), llega a los extremos del heavy metal -en el caso de canciones como "Zero" o "X.Y.U."-, el soft rock -"Thirty-Three" o "By Starlight"-, electronica -"Love" o "1979", etc.

Después de una gira de más de un año promocionando su anterior disco, el "Siamese Dream", Billy Corgan y compañía habían opacado sus conflictos y por fin congeniaban gratamente; la grabación para un nuevo disco era apta.

Las primeras grabaciones se hicieron en un estudio de ensayo y no en un estudio discográfico, de allí salieron más de 50 canciones, las cuales un 90% fueron escritas por Billy y tan solo 28 fueron elegidas para ser puestas en el disco doble, que finalmente tendría una duración de dos horas. Todos los temas fueron tocados con guitarras y bajo entonados con medio tono menos, lo cual según Corgan le daba un sonido más fuerte a todas las grabaciones.

Corgann quería que este sea un álbum conceptual y se propuso en llamarlo el "The Wall para la generación X", el disco finalmente no llegó a ser considerado como un álbum concepto, pero aún así está repleto de temas excelentes y muy bien trabajados que demuestran la gran ambición de la banda. Hacer un disco doble requiere mucha inspiración y agallas porque, a fin de cuentas, la banda depende en su totalidad del éxito del disco debido al gran presupuesto que se requiere para hacerlo (ya han habido muchas bandas que se han roto debido al fracaso de una megaproducción).
Entre los mejores temas tenemos a "Tonight, Tonight", que viene después de la introducción de piano de la epónima "Mellon Collie...", el tema fue grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Chicago y se tocaron hasta 30 guitarras acústcas para darle el sonido que el perfeccionista de Corgan deseaba. EL tema es característico por sus arreglos de violines y violas y por su hermosa letra.
"Bullet With Butterfly Wings" es el primer single del disco y una de las canciones más enérgicas del álbum, con un estupendo solo de guitarra y con su apocalíptica letra de que "el mundo es un vampiro enviado a succionar", es una demostración de cómo la visión de los Pumpkins cambia en su totalidad dejando la tan odiada clasificación (por ellos) de banda grunge-alternativa para convertirse en una banda madura que se adhiere a todos y a ningún género.

"1979", tal vez la más famosa de todas debido a su hermosa letra y sonido que mezcla sintetizadores y guitarras en perfecta armonía. Una de las canciones más bellas que se hayan hecho, Corgan y compañía recuerdan con nostalgia los tiempos de adolescencia e invita a los oyentes a participar en dichos recuerdos. Un claro ejemplo de esas canciones que nos llevan a lugares que rememoramos con melancolía.

Canciones como "Zero", "X.Y.U." o "Bodies" representan la clara influencia del metal en la banda, canciones bien fuertes con grandes performances en la guitarra y sobre todo en la batería por Jimmy Chamberlin.

Por otro lado canciones como "Galapogos", "To Forgive" o "Thirty Three" son bellas melodías muy calmadas y pasivas con grandes letras y arreglos musicales precisos, si nos ponemos a escuchar estas canciones con tranquilidad podemos ver lo bien trabajadas que están (todo esto gracias al incansable perfeccionismo de Corgan).

"Muzzle", "Here Is No Why" o "Beautiful" están entre ambos extremos, estas canciones a mi parecer son las más puras del genero Smashing post Siamese Dream (y pre Adore). Son canciones más noventeras y muy propia de la banda, aquí la genialidad de Billy con el virtuosismo de Chamberlin y el buen acompañamiento de D'arcy y James Iha hacen que estás canciones sean las más personales de la banda así como las más apreciadas por ellos mismos.

Por último pero no menos importante los temas "Porcelina of The Vast Oceans" y "Thru The Eyes Of Ruby" recalcan la influencia del rock progresivo, la primera con un crescendo hasta llegar a la explosión y grandes quiebres para abrir los estribillos; la segunda que, al igual que el tema "Soma" de su anterior álbum, fue doblada con al menos 50 arreglos de guitarra, un tema complejísimo, pero sin dudas maravilloso.

Antes del punto final quiero señalar que este disco es considerado para mi como el mejor álbum de los 90's, (tal vez su competencia más directa sea el "O.K. Computer" de Radiohead, pero aún así creo que pierde por una amplia brecha), el trabajo de la banda es impecable y la gran variedad de estilos que se pueden descubrir en el disco en inimaginable. Uno de los discos más ambiciosos que hayan hecho, un fuera de época que demuestra la genialidad de sus integrantes. Esperemos que el próximo 25 de noviembre Billy nos sorprenda de igual manera.

Lista de canciones:
CD 1 ("Dawn to Dusk"):
1. Mellon Collie and the Infinite Sadness – 2:52
2. Tonight, Tonight – 4:14
3. Jellybelly – 3:01
4. Zero – 2:41
5. Here Is No Why – 3:45
6. Bullet with Butterfly Wings – 4:18
7. To Forgive – 4:17
8. Fuck You (An Ode to No One) – 4:51
9. Love – 4:21
10. Cupid de Locke – 2:50
11. Galapogos – 4:47
12. Muzzle – 3:44
13. Porcelina of the Vast Oceans – 9:21
14. Take Me Down – 2:52


CD 2 ("Twilight to Starlight"):
1. Where Boys Fear to Tread – 4:22
2. Bodies – 4:12
3. Thirty-Three – 4:10
4. In the Arms of Sleep – 4:12
5. 1979 – 4:25
6. Tales of a Scorched Earth – 3:46
7. Thru the Eyes of Ruby – 7:38
8. Stumbleine – 2:54
9. X.Y.U. – 7:07
10. We Only Come Out at Night – 4:05
11. Beautiful – 4:18
12. Lily (My One and Only) – 3:31
13. By Starlight – 4:48
14. Farewell and Goodnight – 4:22


"Tonight, Tonight" tocada en 1996, la primera canción que escuché de la banda.

Concierto en Monterrey, México. Así de cerca quisiera estar, miren el calor de la gente, simplemente increíble.

Mejores discos del 2005: Lo mejor de la década (Parte VI)

El 2005 fue en la década pasada el año más metalero de todos, de la siguiente lista 5 discos y medio pertenecen a diversos géneros hijos del metal. Sin embargo, un disco indie vino por lo bajo y se llevó los aplausos de todos sus oyentes, una de las obras maestras de la década que silenció a las estridentes guitarras y contundentes baterías. Ese disco fue........ no, no te lo voy a arruinar checa la lista y me dices qué te parece:

10. "Takk..." de Sigur Rós: Bueno, comenzamos con algo que no tiene mucho que ver con el metal pero que siempre tiene que estar en una liste de mejores discos (a mi parecer), aunque de este álbum salió el tema más famoso de la banda. la célebre "Hoppipolla", al escucharlo noté que no se compara a el "Agaetis Byrjun" o el "( )". Pero sigue teniendo esa atmósfera minimalista y delicada de la banda, el disco tal vez no sea el mejor que hayan hecho pero sigue siendo bueno. A diferencia de su antecesor "(Paréntesis)", la letra de las canciones ya es cantada en islandés, aunque hay algunos versos cantados en 'hopenlándico'. A ver si tienes la oreja para diferenciarlo.

9. "Octavarium" de Dream Theater: Siguiendo con el metal progre me siento obligado a hablar de los reyes de este género, Dream Theater y su épico Octavarium, rindieron un tributo a las bandas progresivas setenteras. Este disco tiene un aspecto muy especial a diferencia de otros trabajos de la banda, y es que desde este disco en adelante el teclado tiene un protagonismo más que evidente, el mago Jordan Ruddess sorprendió de gran manera con sus solos y diversos teclados que tocó para este disco. Sin duda la mejor canción del disco es la homóloga 'Octavarium' de 24 minutos, en ella podemos apreciar las influencias de bandas como Yes, Pink Floyd, ELP, Genesis, etc. un temazo para no olvidar.

8. "Deadwing" de Porcupine Tree: El octavo disco de estudio del maestro Steven Wilson y sus secuaces, esta vez adapta un guión cinematográfico escrito por él mismo y crea esta álbum conceptual que narra una historia de fantasmas... más loco ese cojudo. Lo malo del disco es que le tocó la misma suerte que el "Obscured By Clouds" de Pink Floyd: Ser lanzado entre dos obras maestras. El disco es buenisimo, no hay duda, pero al igual que el "Takk..." se queda chico frente a otros lanzamientos de la banda y más aún por estar entre "In Absentia" y el "Fear of the Blank Planet". Lo único que hay que hacer es escucharlo detenidamente, sigue teniendo la fuerza característica de Porcupine y ese metal hard-rockero progre que me gusta.

7. "Alligator" de The National: Tercer disco de una de las mejores bandas indies de la década y que hasta ahora sigue siéndolo a pesar de pasar injustamente desapercibida desde su creación en el año 99. La música de The National no es más elaborada o más light que las demás bandas indie contemporáneas a ese año, pero lo que la hace diferente es su propio estilo: la banda parece tener la furia de una agrupación garage rock (ya que el mensaje de su música transmite eso), pero el disfraz se deja de lado al escuchar la instrumentación de una clásica banda indie. En realidad no sé si me dejo entender y es porque escuchar a The National me trasmite eso y es difícil describirlo en palabras, así que les dejo interpretarlo a ustedes mismos.

6. "At The Mountains Of Madness" de Electric Masada: Sé que no va al caso poner un disco en vivo en este tipo de listas pero John Zorn me rompió el cerebro con esta obra y para mí es indispensable ponerlo aquí (aparte de ya hacerlo más conocido). Electric Masada nace en los años 90's hijo del proyecto Masada de John Zorn (saxofonista y compositor estadounidense), y a diferencia de su progenitor Electric Masada es, como dice su nombre, más eléctrico, ecléctico y bullicioso, aunque todos los temas que se tocan los toma prestados de Masada y los transforma de acuerdo a los requisitos de la banda. Este es un disco doble de conciertos en Moscú y Liubiana, la calidad es increíble, uno de los mejores o sino el mejor disco en vivo de la década.

5. "Feels" de Animal Collective: Al igual que el año pasado, Animal Collective vuelve a sorprender con su electrónica experimental orientada al pop, "Feels" es el sexto disco de estudio del cuarteto experimental y se asemeja mucho a su antecesor "Sung Tongs", pero la gran diferencia es que en "Feels" los sonidos y tonos guitarrescos son acompañados con un piano totalmente disonante y atonal, lo cual le da una aura mucho más fresca a la banda, pero que no deja de ser agradable al oído. Para este lanzamiento la banda contó con Kristin Valtysdottir, cantautora islandesa (sí, del mismo país de Björk y Sigur Ros) quien toca el piano desentonado (a propósito) en todos los temas.

4. "Ghost Reveries" de Opeth: Octavo disco de estudio de la banda sueca de death metal por excelencia hoy en día. En esta ocasión Mikael Akerfeldt decide volver un poco a sus raíces más metaleras, sin embargo, mantiene en cierta medida la atmósfera progre que mostró en el anterior disco de la banda, "Damnation". En principio el álbum estaba planteado a ser un disco conceptual al encadenar los temas y narrar la historia del tormento que vive un hombre después de matar a su madre (una historia dostoievskana puesta al límite, ¿no les parece?). Finalmente el concepto no se pudo concretar al 100 %, ya que Akerfeldt decidió poner el tema "Isolation Years" al final del disco, una canción que, a pesar de ser buena, no tenía relación alguna con la historia que se narraba. Pero en fin, si dejamos de lado la lírica y nos enfocamos más en la música en sí, nos vamos a llevar una grata sorpresa.

3. "Second Life Syndrome" de Riverside: Riverside es una banda polaca de metal progresivo liderada por Mariusz Duda, una de las figuras más importantes del rock en Europa del este. "Second Life..." es el segundo lanzamiento de estudio de la banda y la música que Duda y compañía interpretan se asemeja mucho a Opeth, en cuanto al estilo metal; a Pink Floyd, en cuanto a lo progresivo; y a Tool en cuanto a lo experimental y ecléctico, sin alejarse en lo absoluto de un estilo propio que caracteriza de manera singular a la banda. La sugerente portada del disco y la música, que en momentos es dura y en otros es suave e instrumental, le rinden un tributo a todas esas agrupaciones que han sido y siguen siendo una gran influencia para esta impresionante banda de los recónditos lugares de Europa.

2. "Frances The Mute" de The Mars Volta: Tengo serias dudas sobrew cuál es el mejor disco de The Mars Volta, y es que entre el primer y el segundo disco (del que estamos hablando ahora) existen grandes diferencias y similitudes, pero mantienen esa increíble fuerza y poder que Omar Rodríguez y Cedric Bixler le ponen con todo empeño. "Frances The Mute" es simplemente un discazo, la instrumentación, los cambios de ritmo entre rock, salsa, jazz, electrónica, y hasta la letra (cantada a veces en español y otras veces en inglés) rebazan las expectativas de los fanáticos del rock duro experimental. Temas como 'The Widow', 'L'Via L'Viaquez' o el interminable tema 'Cassandra Gemini' (partida en ocho partes), hacen de este uno de los mejores discos de 2005, y no es el mejor debido a un lanzamiento que dejó a muchos boquiabiertos a pesar de no formar parte del género metal, este disco fue...

1. "Illinoise" de Sufjan Stevens: Simplemente hermoso, este cantautor estadounidense dejó silenciadas las guitarras metaleras con armonías y arreglos orquestales de cuerdas, vientos y voces. Tal vez piensen que estoy equivocado y se molesten al ver una lista casi repleta de bandas metal excepto en el primer lugar, pero este disco me llegó en un momento muy singular y le tengo un gran aprecio (como digo varias veces estas listas son a mi modesto parecer). El g{enero de este disco es difícil de designar, tiene marcadas influencias folk y mantiene claras sus raíces indie, sin olvidar su inspiración en la música docta. "Illinoise" es un disco conceptual que habla precisamente del estado del país del norte y le rinde tributo a sus temas pintorescos. Los títulos de las canciones son en su mayoría muy largos como para que alguien se acuerde de ellos, sin embargo los temas son pegajosos y hacen que este pequeño problema se olvide rápidamente. Las influencias que Sufjan Stevens demuestra a través de toda la producción del disco va desde los neoclasicistas Rachmaninov y Stravinsky, hasta los maestros del folk Neil Young y Nick Drake. Además de las guitarras acústicas y los teclados, los violines, violas, cellos, trompetas, saxos y un hermoso coro, terminan por completar la instrumentación del disco, muy bien producido y muy bien pensado. Uno de los mejores de la década.

Serú Girán.... y nada más

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

"The Spirit Of Eden" de Talk Talk (1988)

Tras una larga y reconocida carrera inmersos en el género new wave y synthpop, Talk Talk tomaría un giro de 180 grados y sorprenderia (y en algunos casos defraudaría) a sus miles de fanáticos. Mark Hollis, lider multinstrumentalista de la banda siempre estuvo interesado en los sonidos minimalistas, o mejor dicho en el silencio, la mínima cantidad de instrumentación, pero que a la vez es precisa y goza de perfección.

Hastiado de los sonidos eléctronicos y despreciando totalmente el uso del sintetizador, Hollis y compañía emprendieron lo que llegaría a ser un disco pionero del género post-rock, la experimentación y cambio más radical que tendría cualquier banda new wave en toda la historia. Se optaron por sonidos orgánicos y no electrónicos combinando así rock, jazz, música clásica, minimalismo y la emergente música ambiental. Ante tal combinación de géneros muchos de los críticos que alabaron el álbum bautizaron a este nuevo estilo musical con el nombre de "post-rock", genero que con el paso de los años sería uno de los más poderosos en la música no comercial.

Debido al gran éxito de su anterior disco "The Colour Of Spring" y la gran cantidad de ventas que tuvo dicha producción, la banda tuvo presupuesto suficiente para grabar un disco "diferente", dejaron de lado los sintetizadores y en lugar de depender de rápidos y repetitivos arreglos o construcciones se optaron por largas horas de improvisación que la banda aprovechaba al máximo.

La productora del disco, EMI, dejó una total libertad y tiempo de grabación a la banda, si embargo el tiro salió por la culata. El disco no fue nada comercial, por más que los críticos endiosaron el álbum, los fanáticos no respondieron de manera positiva, las ventas decayeron precipitadamente y al parecer eso no le importaba a los miembros de la banda , quienes optaron también por no hacer ninguna gira para promocionar el disco. Lo más gracioso del tema es que EMI demandó a la banda por hacer "un disco poco comercial", caso que terminó siendo rechazado.

EMI tenía razón en decir que el disco es poco comercial, pero ¿quién dice que lo poco comercial es malo?, de por sí la atmósfera que construye Talk Talk es tan fuerte y tan relajante a la vez, repleto de temas caracterizados por su volatilidad e intensidad, explora temas tal vez demasiado profundos que solo pueden ser entendidos por medio de la música y no de la letra.

"The Rainbow" donde predomina el silencio con pequeñas entradas de saxofón llega a una pequeña explosión donde se conjugan la guitarra eléctrica de Tim Fiese-Greene y la tranquila voz de Hollis, este al igual que cas todos los temas se caracterizan por sus largos silencios y su gran atmósfera, la base de arreglos de jazz y las explosiones que tiene para iniciar los coros.

"I Believe In You" fue el único single lanzado por la banda (por obligación de la productora), su letra rebaza lo espiritual y la genial música apoya este concepto, los hermosos arreglos y acordes que se tocan cada diez segundos que a pesar de su poca instrumentación goza de perfección.

En verdad no podría destacar más canciones porque todas tienen una fuerte intensidad, muy característica del post-rock. Sus prolongados silencios, su base jazzistica, su influencia ambiental, su poderosa atmósfera y hasta su poca accesibiliad al público en general hacen de este disco uno de los más personales que puedan existir. Un disco que se adelantó a su época y abrió un gran camino a muchas bandas de los noventas y de hoy. Una obra maestra posmoderna.

Lista de canciones;

1. The Rainbow - 8:02

2. Eden - 7:39

3. Desire - 7:17

4. Inheritance - 5:24

5. I Believe In You - 6:16

6. Wealth - 6:44