"Rubber Soul" de The Beatles (1965)

Con una marcada influencia de la música de Bob Dylan y The Byrds, el cuarteto de Liverpool lanzaría éste, su sexto álbum de estudio, a fines del 65 con un sonido mucho más elaborado que el original efectuado en sus primeros discos. Una producción musical muy importante en la historia de la música rock.

Las innovaciones que presenta el disco hacen que éste sea el primer quiebre musical de los Beatles en cuanto a la producción de sus canciones. Se nota claramente la diferencia entre éste álbum y sus predecesores, las letras de las canciones, principalmente creadas por Lennon y McCartney, ya no son temas románticos y anticuados, esta vez se centran más en el abandono, la soledad y la critica a la mujer (sin llegar al sexismo, claro). Harrison, por su parte, innovó en la instrumentación de las canciones, utilizando por ejemplo la sitara en "Norwegian Wood". Ringo Starr también utilizó otros instrumentos como maracas o la pandereta. "Drive My Car" usa unas progresiones jazzisticas empleadas por McCartney, que a su vez canta con voz ronca, muy característica de él. Aunque pueda decirse que no hay mucha diferencia entre este tema en relacion con los de otros discos, ya que siguen con la influencia musical de las bandas de rock and roll, éste sigue siendo un muy buen tema del cuarteto con un excelente coro. "Norwegian Wood" hermosos tema acústico acompañado por una sitara tocada por George Harrison, conformando un innolvidable riff. Éste fue el primer tema de los tantos que usarían los Beatles en compañia de instrumentos orientales. En este tema se nota los nuevos horizontes a los que apuntaba la banda que se verían en su totalidad en sus consiguientes álbumes.

"Nowhere Man", de la cual se puede decir que es el primer tema de reacción de los Beatles. La letra nos habla de un hombre que no tiene voz ni voto y se sume en la nada. La voz armónica de Lennon (que en el comienzo canta a capella), los suaves acordes de guitarra de Harrison y los coros de McCartney, sostienen a la cancióncomo una de las mejores producidas del disco.

"What Goes On" con una marcada influencia folk-rock, se puede apreciar la huella que The Byrds dejó en la banda. Y no hay que olvidar cómo Harrison mejoró con su gran solo de guitarra en este tema (y digo 'gran' porque antes de Hendrix eso era un solo maravilloso, aunque ahora se considere algo simple).

"In My Life", que cuenta con George Martin en el órgano (a mi parecer el quinto beatle) que, a decir verdad, lo toca con gran virtuosismo. Esta es una de las mejores composiciones de éste disco, o mejor dicho de la banda en general. En su letra, cantada con nostalgia, Lennon y McCartney recuerdan su niñez en su natal Liverpool y cómo sus vidas han cambiado. Ésta se puede resumir en las primeras lineas del tema: “There are places I remember, all my life though some have changed / Some forever not for better, some have gone and some remain”

Concluyo diciendo que éste es uno de los discos más importantes en la historia del rock, y que (a mi parecer) junto con el "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "My Generation" de The Who (todos de 1965), fueron los tres pilares del rock moderno tal y como lo conocemos ahora. Los dotes de experimentación y el perfeccionismo en la instrumentación que muestra el "Rubber Soul" eran totalmente innovadores en su época. Pronto estas innovaciones serían ampliadas en su siguientes álbumes: el genial "Revolver", y el perfecto "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", los cuales veremos de seguro más adelante.

Lista de canciones:

1. Drive My Car - 2:30

2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - 2:05

3. You Won't See Me - 3:22

4. Nowhere Man - 2:44

5. Think For Yourself - 2:18

6. The Word - 2:41

7. Michelle - 2:40

8. What Goes On - 2:50

9. Girl - 2:33

10. I'm Looking Through You - 2:27

11. In My Life - 2:28

12. Wait - 2:16

13. If I Needed Someone - 2:23

14. Run For Your Life - 2:18

Smashing Pumpkins en Lima: Las calabazas vienen a nuestra casa

Cuando escuche la noticia que los Pumpkins venían casi me voy en pedo: ¡Estaré en primera fila! - me dije a mi mismo. Que una banda de este calibre venga era uno de mis sueños en cuanto a bandas noventeras (ahora sólo falta Radiohead y Pearl Jam), pero en realidad Smashing Pumpkins para mí representa casi todos los recuerdos de cuando estaba en secundaria y el cómo la escuche por primera vez es una de las historias más inverosímiles que me han podido suceder, y por el hecho de ser una historia algo larga le dedicaré un post muy pronto, y es que precisamente este post está dedicado al que para mí es el mejor disco de la banda y al que espero le dediquen más protagonismo este 25 de noviembre. Aunque el único integrante original de la banda que viene es Billy Corgan, para mí ya está pagadísimo, Corgan 'ES' Smashing Pumpkins, los demás pueden ir y venir, pero el genio de la pelada rockera es el único que importa ¡Los Pumpkins vienen señores, y no hay que perdérselo!

Mellon Collie & The Infinite Sadness

La primera vez que escuche este disco me dije a mi mismo: "¡¿Donde demonios ha estado este álbum para no haberlo escuchado antes?!". Y es que fue una de las mejores cosas que hubiese podido ecuchar, me abrió los ojos hacia tantos otros tipos de música, y es sin duda uno de esos discos que cambió mi vida (tal vez sea el que más la cambió).

Los Pumpkins rozan la perfección debido a la extensa mezcla de influencias que tiene el disco, nunca antes había escuchado una producción que abarque tantos estilos musicales (tal vez sea por el hecho de ser doble), llega a los extremos del heavy metal -en el caso de canciones como "Zero" o "X.Y.U."-, el soft rock -"Thirty-Three" o "By Starlight"-, electronica -"Love" o "1979", etc.

Después de una gira de más de un año promocionando su anterior disco, el "Siamese Dream", Billy Corgan y compañía habían opacado sus conflictos y por fin congeniaban gratamente; la grabación para un nuevo disco era apta.

Las primeras grabaciones se hicieron en un estudio de ensayo y no en un estudio discográfico, de allí salieron más de 50 canciones, las cuales un 90% fueron escritas por Billy y tan solo 28 fueron elegidas para ser puestas en el disco doble, que finalmente tendría una duración de dos horas. Todos los temas fueron tocados con guitarras y bajo entonados con medio tono menos, lo cual según Corgan le daba un sonido más fuerte a todas las grabaciones.

Corgann quería que este sea un álbum conceptual y se propuso en llamarlo el "The Wall para la generación X", el disco finalmente no llegó a ser considerado como un álbum concepto, pero aún así está repleto de temas excelentes y muy bien trabajados que demuestran la gran ambición de la banda. Hacer un disco doble requiere mucha inspiración y agallas porque, a fin de cuentas, la banda depende en su totalidad del éxito del disco debido al gran presupuesto que se requiere para hacerlo (ya han habido muchas bandas que se han roto debido al fracaso de una megaproducción).
Entre los mejores temas tenemos a "Tonight, Tonight", que viene después de la introducción de piano de la epónima "Mellon Collie...", el tema fue grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Chicago y se tocaron hasta 30 guitarras acústcas para darle el sonido que el perfeccionista de Corgan deseaba. EL tema es característico por sus arreglos de violines y violas y por su hermosa letra.
"Bullet With Butterfly Wings" es el primer single del disco y una de las canciones más enérgicas del álbum, con un estupendo solo de guitarra y con su apocalíptica letra de que "el mundo es un vampiro enviado a succionar", es una demostración de cómo la visión de los Pumpkins cambia en su totalidad dejando la tan odiada clasificación (por ellos) de banda grunge-alternativa para convertirse en una banda madura que se adhiere a todos y a ningún género.

"1979", tal vez la más famosa de todas debido a su hermosa letra y sonido que mezcla sintetizadores y guitarras en perfecta armonía. Una de las canciones más bellas que se hayan hecho, Corgan y compañía recuerdan con nostalgia los tiempos de adolescencia e invita a los oyentes a participar en dichos recuerdos. Un claro ejemplo de esas canciones que nos llevan a lugares que rememoramos con melancolía.

Canciones como "Zero", "X.Y.U." o "Bodies" representan la clara influencia del metal en la banda, canciones bien fuertes con grandes performances en la guitarra y sobre todo en la batería por Jimmy Chamberlin.

Por otro lado canciones como "Galapogos", "To Forgive" o "Thirty Three" son bellas melodías muy calmadas y pasivas con grandes letras y arreglos musicales precisos, si nos ponemos a escuchar estas canciones con tranquilidad podemos ver lo bien trabajadas que están (todo esto gracias al incansable perfeccionismo de Corgan).

"Muzzle", "Here Is No Why" o "Beautiful" están entre ambos extremos, estas canciones a mi parecer son las más puras del genero Smashing post Siamese Dream (y pre Adore). Son canciones más noventeras y muy propia de la banda, aquí la genialidad de Billy con el virtuosismo de Chamberlin y el buen acompañamiento de D'arcy y James Iha hacen que estás canciones sean las más personales de la banda así como las más apreciadas por ellos mismos.

Por último pero no menos importante los temas "Porcelina of The Vast Oceans" y "Thru The Eyes Of Ruby" recalcan la influencia del rock progresivo, la primera con un crescendo hasta llegar a la explosión y grandes quiebres para abrir los estribillos; la segunda que, al igual que el tema "Soma" de su anterior álbum, fue doblada con al menos 50 arreglos de guitarra, un tema complejísimo, pero sin dudas maravilloso.

Antes del punto final quiero señalar que este disco es considerado para mi como el mejor álbum de los 90's, (tal vez su competencia más directa sea el "O.K. Computer" de Radiohead, pero aún así creo que pierde por una amplia brecha), el trabajo de la banda es impecable y la gran variedad de estilos que se pueden descubrir en el disco en inimaginable. Uno de los discos más ambiciosos que hayan hecho, un fuera de época que demuestra la genialidad de sus integrantes. Esperemos que el próximo 25 de noviembre Billy nos sorprenda de igual manera.

Lista de canciones:
CD 1 ("Dawn to Dusk"):
1. Mellon Collie and the Infinite Sadness – 2:52
2. Tonight, Tonight – 4:14
3. Jellybelly – 3:01
4. Zero – 2:41
5. Here Is No Why – 3:45
6. Bullet with Butterfly Wings – 4:18
7. To Forgive – 4:17
8. Fuck You (An Ode to No One) – 4:51
9. Love – 4:21
10. Cupid de Locke – 2:50
11. Galapogos – 4:47
12. Muzzle – 3:44
13. Porcelina of the Vast Oceans – 9:21
14. Take Me Down – 2:52


CD 2 ("Twilight to Starlight"):
1. Where Boys Fear to Tread – 4:22
2. Bodies – 4:12
3. Thirty-Three – 4:10
4. In the Arms of Sleep – 4:12
5. 1979 – 4:25
6. Tales of a Scorched Earth – 3:46
7. Thru the Eyes of Ruby – 7:38
8. Stumbleine – 2:54
9. X.Y.U. – 7:07
10. We Only Come Out at Night – 4:05
11. Beautiful – 4:18
12. Lily (My One and Only) – 3:31
13. By Starlight – 4:48
14. Farewell and Goodnight – 4:22


"Tonight, Tonight" tocada en 1996, la primera canción que escuché de la banda.

Concierto en Monterrey, México. Así de cerca quisiera estar, miren el calor de la gente, simplemente increíble.

Mejores discos del 2005: Lo mejor de la década (Parte VI)

El 2005 fue en la década pasada el año más metalero de todos, de la siguiente lista 5 discos y medio pertenecen a diversos géneros hijos del metal. Sin embargo, un disco indie vino por lo bajo y se llevó los aplausos de todos sus oyentes, una de las obras maestras de la década que silenció a las estridentes guitarras y contundentes baterías. Ese disco fue........ no, no te lo voy a arruinar checa la lista y me dices qué te parece:

10. "Takk..." de Sigur Rós: Bueno, comenzamos con algo que no tiene mucho que ver con el metal pero que siempre tiene que estar en una liste de mejores discos (a mi parecer), aunque de este álbum salió el tema más famoso de la banda. la célebre "Hoppipolla", al escucharlo noté que no se compara a el "Agaetis Byrjun" o el "( )". Pero sigue teniendo esa atmósfera minimalista y delicada de la banda, el disco tal vez no sea el mejor que hayan hecho pero sigue siendo bueno. A diferencia de su antecesor "(Paréntesis)", la letra de las canciones ya es cantada en islandés, aunque hay algunos versos cantados en 'hopenlándico'. A ver si tienes la oreja para diferenciarlo.

9. "Octavarium" de Dream Theater: Siguiendo con el metal progre me siento obligado a hablar de los reyes de este género, Dream Theater y su épico Octavarium, rindieron un tributo a las bandas progresivas setenteras. Este disco tiene un aspecto muy especial a diferencia de otros trabajos de la banda, y es que desde este disco en adelante el teclado tiene un protagonismo más que evidente, el mago Jordan Ruddess sorprendió de gran manera con sus solos y diversos teclados que tocó para este disco. Sin duda la mejor canción del disco es la homóloga 'Octavarium' de 24 minutos, en ella podemos apreciar las influencias de bandas como Yes, Pink Floyd, ELP, Genesis, etc. un temazo para no olvidar.

8. "Deadwing" de Porcupine Tree: El octavo disco de estudio del maestro Steven Wilson y sus secuaces, esta vez adapta un guión cinematográfico escrito por él mismo y crea esta álbum conceptual que narra una historia de fantasmas... más loco ese cojudo. Lo malo del disco es que le tocó la misma suerte que el "Obscured By Clouds" de Pink Floyd: Ser lanzado entre dos obras maestras. El disco es buenisimo, no hay duda, pero al igual que el "Takk..." se queda chico frente a otros lanzamientos de la banda y más aún por estar entre "In Absentia" y el "Fear of the Blank Planet". Lo único que hay que hacer es escucharlo detenidamente, sigue teniendo la fuerza característica de Porcupine y ese metal hard-rockero progre que me gusta.

7. "Alligator" de The National: Tercer disco de una de las mejores bandas indies de la década y que hasta ahora sigue siéndolo a pesar de pasar injustamente desapercibida desde su creación en el año 99. La música de The National no es más elaborada o más light que las demás bandas indie contemporáneas a ese año, pero lo que la hace diferente es su propio estilo: la banda parece tener la furia de una agrupación garage rock (ya que el mensaje de su música transmite eso), pero el disfraz se deja de lado al escuchar la instrumentación de una clásica banda indie. En realidad no sé si me dejo entender y es porque escuchar a The National me trasmite eso y es difícil describirlo en palabras, así que les dejo interpretarlo a ustedes mismos.

6. "At The Mountains Of Madness" de Electric Masada: Sé que no va al caso poner un disco en vivo en este tipo de listas pero John Zorn me rompió el cerebro con esta obra y para mí es indispensable ponerlo aquí (aparte de ya hacerlo más conocido). Electric Masada nace en los años 90's hijo del proyecto Masada de John Zorn (saxofonista y compositor estadounidense), y a diferencia de su progenitor Electric Masada es, como dice su nombre, más eléctrico, ecléctico y bullicioso, aunque todos los temas que se tocan los toma prestados de Masada y los transforma de acuerdo a los requisitos de la banda. Este es un disco doble de conciertos en Moscú y Liubiana, la calidad es increíble, uno de los mejores o sino el mejor disco en vivo de la década.

5. "Feels" de Animal Collective: Al igual que el año pasado, Animal Collective vuelve a sorprender con su electrónica experimental orientada al pop, "Feels" es el sexto disco de estudio del cuarteto experimental y se asemeja mucho a su antecesor "Sung Tongs", pero la gran diferencia es que en "Feels" los sonidos y tonos guitarrescos son acompañados con un piano totalmente disonante y atonal, lo cual le da una aura mucho más fresca a la banda, pero que no deja de ser agradable al oído. Para este lanzamiento la banda contó con Kristin Valtysdottir, cantautora islandesa (sí, del mismo país de Björk y Sigur Ros) quien toca el piano desentonado (a propósito) en todos los temas.

4. "Ghost Reveries" de Opeth: Octavo disco de estudio de la banda sueca de death metal por excelencia hoy en día. En esta ocasión Mikael Akerfeldt decide volver un poco a sus raíces más metaleras, sin embargo, mantiene en cierta medida la atmósfera progre que mostró en el anterior disco de la banda, "Damnation". En principio el álbum estaba planteado a ser un disco conceptual al encadenar los temas y narrar la historia del tormento que vive un hombre después de matar a su madre (una historia dostoievskana puesta al límite, ¿no les parece?). Finalmente el concepto no se pudo concretar al 100 %, ya que Akerfeldt decidió poner el tema "Isolation Years" al final del disco, una canción que, a pesar de ser buena, no tenía relación alguna con la historia que se narraba. Pero en fin, si dejamos de lado la lírica y nos enfocamos más en la música en sí, nos vamos a llevar una grata sorpresa.

3. "Second Life Syndrome" de Riverside: Riverside es una banda polaca de metal progresivo liderada por Mariusz Duda, una de las figuras más importantes del rock en Europa del este. "Second Life..." es el segundo lanzamiento de estudio de la banda y la música que Duda y compañía interpretan se asemeja mucho a Opeth, en cuanto al estilo metal; a Pink Floyd, en cuanto a lo progresivo; y a Tool en cuanto a lo experimental y ecléctico, sin alejarse en lo absoluto de un estilo propio que caracteriza de manera singular a la banda. La sugerente portada del disco y la música, que en momentos es dura y en otros es suave e instrumental, le rinden un tributo a todas esas agrupaciones que han sido y siguen siendo una gran influencia para esta impresionante banda de los recónditos lugares de Europa.

2. "Frances The Mute" de The Mars Volta: Tengo serias dudas sobrew cuál es el mejor disco de The Mars Volta, y es que entre el primer y el segundo disco (del que estamos hablando ahora) existen grandes diferencias y similitudes, pero mantienen esa increíble fuerza y poder que Omar Rodríguez y Cedric Bixler le ponen con todo empeño. "Frances The Mute" es simplemente un discazo, la instrumentación, los cambios de ritmo entre rock, salsa, jazz, electrónica, y hasta la letra (cantada a veces en español y otras veces en inglés) rebazan las expectativas de los fanáticos del rock duro experimental. Temas como 'The Widow', 'L'Via L'Viaquez' o el interminable tema 'Cassandra Gemini' (partida en ocho partes), hacen de este uno de los mejores discos de 2005, y no es el mejor debido a un lanzamiento que dejó a muchos boquiabiertos a pesar de no formar parte del género metal, este disco fue...

1. "Illinoise" de Sufjan Stevens: Simplemente hermoso, este cantautor estadounidense dejó silenciadas las guitarras metaleras con armonías y arreglos orquestales de cuerdas, vientos y voces. Tal vez piensen que estoy equivocado y se molesten al ver una lista casi repleta de bandas metal excepto en el primer lugar, pero este disco me llegó en un momento muy singular y le tengo un gran aprecio (como digo varias veces estas listas son a mi modesto parecer). El g{enero de este disco es difícil de designar, tiene marcadas influencias folk y mantiene claras sus raíces indie, sin olvidar su inspiración en la música docta. "Illinoise" es un disco conceptual que habla precisamente del estado del país del norte y le rinde tributo a sus temas pintorescos. Los títulos de las canciones son en su mayoría muy largos como para que alguien se acuerde de ellos, sin embargo los temas son pegajosos y hacen que este pequeño problema se olvide rápidamente. Las influencias que Sufjan Stevens demuestra a través de toda la producción del disco va desde los neoclasicistas Rachmaninov y Stravinsky, hasta los maestros del folk Neil Young y Nick Drake. Además de las guitarras acústicas y los teclados, los violines, violas, cellos, trompetas, saxos y un hermoso coro, terminan por completar la instrumentación del disco, muy bien producido y muy bien pensado. Uno de los mejores de la década.

Serú Girán.... y nada más

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

"The Spirit Of Eden" de Talk Talk (1988)

Tras una larga y reconocida carrera inmersos en el género new wave y synthpop, Talk Talk tomaría un giro de 180 grados y sorprenderia (y en algunos casos defraudaría) a sus miles de fanáticos. Mark Hollis, lider multinstrumentalista de la banda siempre estuvo interesado en los sonidos minimalistas, o mejor dicho en el silencio, la mínima cantidad de instrumentación, pero que a la vez es precisa y goza de perfección.

Hastiado de los sonidos eléctronicos y despreciando totalmente el uso del sintetizador, Hollis y compañía emprendieron lo que llegaría a ser un disco pionero del género post-rock, la experimentación y cambio más radical que tendría cualquier banda new wave en toda la historia. Se optaron por sonidos orgánicos y no electrónicos combinando así rock, jazz, música clásica, minimalismo y la emergente música ambiental. Ante tal combinación de géneros muchos de los críticos que alabaron el álbum bautizaron a este nuevo estilo musical con el nombre de "post-rock", genero que con el paso de los años sería uno de los más poderosos en la música no comercial.

Debido al gran éxito de su anterior disco "The Colour Of Spring" y la gran cantidad de ventas que tuvo dicha producción, la banda tuvo presupuesto suficiente para grabar un disco "diferente", dejaron de lado los sintetizadores y en lugar de depender de rápidos y repetitivos arreglos o construcciones se optaron por largas horas de improvisación que la banda aprovechaba al máximo.

La productora del disco, EMI, dejó una total libertad y tiempo de grabación a la banda, si embargo el tiro salió por la culata. El disco no fue nada comercial, por más que los críticos endiosaron el álbum, los fanáticos no respondieron de manera positiva, las ventas decayeron precipitadamente y al parecer eso no le importaba a los miembros de la banda , quienes optaron también por no hacer ninguna gira para promocionar el disco. Lo más gracioso del tema es que EMI demandó a la banda por hacer "un disco poco comercial", caso que terminó siendo rechazado.

EMI tenía razón en decir que el disco es poco comercial, pero ¿quién dice que lo poco comercial es malo?, de por sí la atmósfera que construye Talk Talk es tan fuerte y tan relajante a la vez, repleto de temas caracterizados por su volatilidad e intensidad, explora temas tal vez demasiado profundos que solo pueden ser entendidos por medio de la música y no de la letra.

"The Rainbow" donde predomina el silencio con pequeñas entradas de saxofón llega a una pequeña explosión donde se conjugan la guitarra eléctrica de Tim Fiese-Greene y la tranquila voz de Hollis, este al igual que cas todos los temas se caracterizan por sus largos silencios y su gran atmósfera, la base de arreglos de jazz y las explosiones que tiene para iniciar los coros.

"I Believe In You" fue el único single lanzado por la banda (por obligación de la productora), su letra rebaza lo espiritual y la genial música apoya este concepto, los hermosos arreglos y acordes que se tocan cada diez segundos que a pesar de su poca instrumentación goza de perfección.

En verdad no podría destacar más canciones porque todas tienen una fuerte intensidad, muy característica del post-rock. Sus prolongados silencios, su base jazzistica, su influencia ambiental, su poderosa atmósfera y hasta su poca accesibiliad al público en general hacen de este disco uno de los más personales que puedan existir. Un disco que se adelantó a su época y abrió un gran camino a muchas bandas de los noventas y de hoy. Una obra maestra posmoderna.

Lista de canciones;

1. The Rainbow - 8:02

2. Eden - 7:39

3. Desire - 7:17

4. Inheritance - 5:24

5. I Believe In You - 6:16

6. Wealth - 6:44

Mejores discos del 2004: Lo mejor de la década (Parte V)

En el 2004 la música que daba la hora era cada vez más abstracta ya que seguir los pasos de lo que hizo The Strokes en 2001 resultaba tedioso y monótono, bandas como Franz Ferdinand, Razorlight y The Killers lanzaron sus discos este año con un sonido armonioso y radial escuchable para cualquier ser humano promedio, pero para hablar más en serio, este blog no fue creado para hablar (o escribir) sobre bandas que a la "mayoría" le gusta, ¿qué de nuevo hubo en estas bandas musicalmente hablando?, es algo que las personas que escuchan esto nunca me han podido responder... en fin, son bandas ok pero no se me erizan los pelos al escucharlas. Hablemos de lo que en verdad valió la pena, el 2004 era el año de "Smile", el disco que Brian Wilson nos hizo esperar casi 40 años y que se perfilaba (sin siquiera haber sido escuchado) como el disco de la década (por no decir del milenio), sin embargo la sorpresa no fue tan grande y hubo un par de discos que le dieron vuelta y sorprendieron por su naturalidad y originalidad, discos extraños, discos duros, discos experimentales, eso fue lo que marcaron a los mejores discos del 2004:

10. "K.A. (Kohntarkosz Anteria)" de Magma: Ya hemos hablado de esta banda y su jazz/rock progresivo en idioma kobaiano, sino sabes qué mierda estoy hablando mejor da click aquí. Sigamos, después de decenas de material inédito lanzado por la banda, Christian Vander y compañía por fin grabaron algo fresco después de 20 años (aunque en realidad K.A. fue compuesta por Vander entre el 73 y el 74, ya que es la precuela del disco "Kohntarkosz" de 1974, PERO BUENO... creo que los confundo más). K.A. forma parte de una trilogía llamada el "Ciclo Kohntarkosz" como ya dijimos, esta es la primera parte, en 1974 se lanzó la segunda, y el año pasado se completó la historia que narra la búsqueda espiritual de dos hombres para entender a las fuerzas que trabajan en el universo y de esta forma alcanzar la inmortalidad... una roca, sin duda alguna. Aún así la música sigue siendo fiel al Zeuhl después de tantos años y la historia es mucho más profunda de lo que parece (en verdad cuesta descifrarla ya que está cantada en un idioma artificial, pero vamos a darle con fe para ver cómo termina).

9. "...Of Natural History" de Sleepytime Gorilla Museum: Literalmente "Sleepytime Gorilla Museum of Natural History", disco que despertó mucho interés en la escena del rock experimental mezclando música docta, rock industrial y art rock. Este virtuoso quinteto multinstrumentalista debe su nombre a artistas dadaístas y futuristas de la década de 1910 que abrieron un "museo del futuro" con el mismo nombre que la banda tomaría 80 años después. Una cosa curiosa de la banda es que sus integrantes utilizan instrumentos creados por ellos mismos para reproducir sonidos cada vez más ambiguos. Sleepytime.. (o abreviando: SGM) además de ser una banda muy dadá y rendir tributo a los artistas experimentales de inicios del siglo XX, recoge influencias de los trabajos de Mike Patton, y la música ecléctica de Gentle Giant y Univers Zéro, vale la pena hechar una oreja.

8. "A Ghost Is Born" de Wilco: Después del discazo "Yankee Hotel Foxtrot", Wilco lanza su quinto álbum de estudio intentando superar o al menos equiparar el éxito obtenido dos años atras, para algunos es mejor y para otros no tiene la originalidad de su predecesor, la verdd es que es un buen disco pero es una simple secuela del Yankee Hotel, lo único que puede llegar a diferenciar a ambos es la prominencia de la guitarra. Jeff Tweedy, vocalista de la banda, se convirtió en la primera guitarra tras la partida de Jay Bennett. Tweedy decidió crear solos para varias de las canciones y no simples acompañamientos. También podremos encontrar un tema de 15 minutos (algo raro en este tipo de bandas) titulada "Less Than You Think", donde cada miembro de la banda crea sonidos (o ruidos) utilizando un sintetizador.

7. "Rubber Factory" de The Black Keys: Black Keys es un duo indie que toca un blues muy peculiar acomodado a nuestra época, algo más fuerte que el blues clásico de fines de los 50's. Este fue el tercer disco de estudio de la pequeña banda y gracias a este ganaron popularidad y una gran aceptación del público llegando a ser teloneros de bandas como Pearl Jam y Radiohead (que en verdad para una banda cualquiera es un honor). Sin embargo, dejaron de ser segundones e hicieron una gran gira ese año, la cual terminó transformándose en su primer disco en vivo un año después. Los singles del disco "10 A.M. Automatic", "'Til I Get My Way" y "Girl Is On My Mind" fueron rotundos éxitos llegando a ser utilizados en varias películas.

6. "Sung Tongs" de Animal Collective: Retomamos otra vez el rock experimental, pero esta vez con una agrupación más pop. Animal Collective es considerada una de las bandas más originales de la última década a pesar de no ser una agrupación totalmente formada, en ella participan Panda Bear, Avey Tare, Deakin y Geologist, seudónimos, por supuesto, de estos cuatro integrantes que se conocieron en la escuela formando Animal Collective, las canciones de la banda son más que todo contribuciones de los integrantes por separado o (rara vez) agrupados. Por ejemplo en este disco sólo participan Panda Bear y Avey Tare en toda la producción. En el disco el duo experimenta con el folk, y se utiliza la guitarra acústica y los sonidos tribales con mayor prominencia, olvidándose de la guitarra eléctrica por completo.

5. "The Human Equation" de Ayreon: Ayreon no es estrictamente una banda, es más bien un experimento musical de Arjen Lucassen. Este compositor holandés compone la música y canta todos los temas de Ayreon junto a músicos invitados para cada uno de sus álbumes, se podría decir que él es el único integrante permanente de la banda. El estilo de Ayreon es un metal progresivo, aunque existen varios temas que toman aportes del folk, la electrónica y la música docta. Para este, su sexto disco de estudio, Lucassen es acompañado por James LaBrie (vocalista de Dream Theater), Mikael Akerfeldt (vocalista y guitarrista de Opeth), Devin Townsend (¿para qué pongo paréntesis?), entre otros, para crear este disco conceptual donde se narran los 20 días de un hombre en coma divididos en 20 temas, cada uno de ellos narra de cierta manera sus emociones y las confrontaciones entre ellas creando así un ambiente donde la locura está muy presente.

4. "Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus" de Nick Cave & The Black Seeds: Si buscamos a una persona entre Tom Waits y Leonard Cohen podremos encontrar a Nick Cave, este reconocidísimo cantautor que comenzó su carrera a inicios de los 70's, pero se junto recién con las 'semillas negras' a mediados de los 80's, marcando una temática entre la violencia, lo urbano y lo erótico, como si Charles Bukowski formara una banda en lugar de escribir. Cave y su banda sorprendieron a muchos con este disco doble donde no prima un estilo musical concreto, en este lanzamiento podemos encontrar desde post-punk hasta blues moderno en el primer disco y música con flautas y órganos en el segundo. Una exquisitez musical que nos regala el maestro Cave.

3. "Smile" de Brian Wilson: Este fue el disco más esperado de todos los tiempos, desde 1966, año en que Brian Wilson comenzó a trabajar en el proyecto con su antigua banda, los legendarios Beach Boys. Lamentablemente la idea nunca se pudo concretar por las limitadas mentes creativas de otros integrantes de la banda. Tras el súper disco "Pet Sounds" (una de las primeras experimentaciones en la historia del rock), Brian Wilson se entusiasmó en continuar dicha recta, pero las desavenencias con algunos miembros de la banda hizo que el proyecto quede en espera, aunque nadie pensó que esperaría 38 años. 2004 era el año y las expectativas fueron muchas. Resultado: el disco es bueno pero en eso se queda, en 'bueno', cuando muchos creyeron que iba a ser maravilloso. Wilson dio lo mejor de sí, pero los años no pasan en vano, no era el mismo chico entusiasmado con hacer nueva música, ya que en 38 años la música ha sufrido más experimentaciones que conejillo de indias. Sin embargo vale la pena escucharlo porque sigue siendo historia.

2. "Medùlla" de Björk: Lo que pensaba hacer Brian Wilson hace 38 años lo hizo Björk, ajustado a nuestra época, claro está. "Medùlla" es hasta la fecha el disco más ambiguo y original de la cantante islandesa, si con el "Vespertine" nos partió la cabeza, con este disco nos la termina de triturar en pedazos. El disco es casi en su totalidad 'a capella' y los sonidos que muchos confunden con instrumentos son construídos con voces humanas, aunque algunas de ellas están modificadas por el uso de sintetizadores. El disco tiene colaboraciones de otros músicos reconocidos por sus originales voces, tales como Mike Patton, Robert Wyatt, Tagaq, etc. El disco llega a ser fascinante al escuchar y descubrir los diversos sonidos que pueden salir de nuestra voz, aunque solo pocos tengan el talento de hacerlo: beatbox, arreglos corales, cantos guturales y mucha más música vocal completan este disco ultra vanguardista.

1. "Funeral" de Arcade Fire: Si hay algo que sorprendió al mundo por su frescura y originaldad fue este numeroso grupo de chicos canadienses multinstrumentalistas, Lo que hace Arcade Fire es un indie rock con un toque personal algo experimental por la cantidad de instrumentos que se pueden escuchar en sus temas. A diferencia de bandas como The Killers o Franz Ferdinand, Arcade fue mucho más allá de lo impartido hace unos años por The Strokes, dejaron de ser una banda más del montón para convertirse en una de las mejores del mundo. Este fue el primer disco de la banda y bastó para superar a todos los demás lanzamientos del año, la música es impecable y notoriamente instrumental donde se pueden apreciar instrumentos como violines, violencellos, mandolinas, ukeleles, acordeones y hasta xilófonos, que ayudaron a crear uno de los discos más trabajados de la década.

"Roxy Music" de Roxy Music (1972)

El álbum debut de la banda inglesa más extravagante de todas; artística y experimental, fue influenciada por estilos vanguardistas de moda que fueron representados en sus conciertos, música, y el diseño de las portadas de sus álbumes (que siempre tuvieron la presencia de modelos).

La perfecta combinación de Bryan Ferry, vocales y teclados, con Brian Eno, sintetizador, creó una banda centrada en la explotación de instrumentos poco ortodoxos en comparación a lo que se conocía antes como una agrupación de rock básica (guitarra, bajo y batería); los teclados eran primordiales, el saxofón tocado por Andy Mackay que parecía que en sus solos estaba tocando una guitarra eléctrica alocadamente, y por último el sintetizador de Eno, que fue uno de los mayores aportes revolucionarios de la musica de los setentas, un instrumento que en una decada más adelante fue usado por casi todas las bandas de la época.

Tal vez fue Roxy Music la banda que empleó el sintetizador como uno de sus instrumentos principales en la creación de sus piezas musicales, la búsqueda de nuevos sonidos mas allá de los instrumentos convencionales parecía estar en la mira de muchas bandas de inicios de los setentas, The Who y Pink Floyd habían experimentado con este instumento practicamente nuevo, pero fue Roxy Music con Brian Eno quienes le dieron un espacio mas amplio al desenvolvimiento de esta herramienta musical hasta explotarlo al máximo, nadie antes había escuchado sonidos tan raros y pero a la vez armoniosos sin quitarle sentido a la música. En una época en la que el rock progresivo y la experimentación estaban en auge, Roxy Music optó por los nuevos sonidos eléctronicos en lugar de los grandilocuentes sonidos sinfónicos de orquestas con decenas de personas. Para algunas personas este subgénero electronico les resultó grato, para otros les resultó una deformación de la música, afirmando que los nuevos sonidos saturaban y que ya no se podían escuchar los demás, pero esa es la opinión de cada quien.

"Re-Make/Re-Model" es una muestra de lo productivo que puede llegar a ser la combinación instrumentos: los solos de guitarra de Phil Manzanera, el fuerte bajo de Graham Simpson, el alocado saxo de Andy Mackay, los redobles de Paul Thompson, los sonidos de Eno y la personalidad y fuerza de Ferry hacen de esta (para mi) la mejor canción del disco. Al comenzar la canción podemos escuchar a gente hablando, luego Ferry hace una combinación con dos acordes de piano para que luego Thompson haga un redoble de toms y Ferry comience a cantar acompañado de solos de Manzanera y Mackay, luego entra Eno cada vez que se repita el coro "CPL-593H" (placa de un automovil que se menciona en la canción), en medio de la canción hay quiebres para que cada uno de los integrantes tenga un solo con su instrumentos, simplemente increible.

"Ladytron" es la muestra de las grandes facultades del sintetizador, la canción es acaparada por este instrumento, sonidos nuevos que a veces nos hacen acordar a la música de Syd Barett cuando era el lider de Pink Floyd.

Muchas de las canciones del álbum son inspiradas en películas, por ejemplo "2HB" (siglas que significan "To Humphrey Bogart") inspirada en el actor, donde se repite en las estrofas su famosa frase en la película Casablanca: "It's Looking at you kid"; el saxo en esta canción es hermoso. "The Bob" es una canción mas fuerte, inspirada en la película Battle of Britain, este tema tiene un quiebre donde luego se pueden escuchar armas de fuego. "Chance Meeting" también es uno de los temas inspirados en el séptimo arte, fue de la película Brief Encounters de David Lean.

"Virginia Plain" fue el único single del disco, este no fue presentado en el lanzamiento original del álbum, solo después de unos meses se produjo el compacto con esta canción. El tema fue un éxito instantáneo llegando al top 10 en el Reino Unido en poco tiempo. La canción está llena de altos y bajos, la guitarra de Manzanera y el sintetizador de Eno son los instrumentos que gobiernan en los tres minutos de duración del tema.

De todo lo referido lo que más puedo destacar es el gran concepto que tenía Bryan Ferry sobre una banda de rock avocada al arte en todo sentido y el gran aporte e influencía que dejó en el rock de los ochentas; de Brian Eno en cómo logró, mediante la creación de nuevos sonidos, un estilo de música totalmente innovador. Ambos tendrían luego una fructífera carrera como solistas, el primero, siguiendo su concepto de musica artística, y el segundo, experimentando con la música y creando los ya famosos "sonidos ambientales".

Lista de canciones:
1. Re-Make/Re-Model - 5:14
2. Ladytron - 4:26
3. If There Is Something - 6:34

4. Virginia Plain - 2:58
5. 2HB - 4:30
6. The Bob (Medley) - 5:48
7. Chance Meeting - 3:08
8. Would You Believe? - 3:53
9. Sea Breezes - 7:03
10. Bitters End - 2:03

Descarga Rapidshare