Mejores discos del 2005: Lo mejor de la década (Parte VI)

El 2005 fue en la década pasada el año más metalero de todos, de la siguiente lista 5 discos y medio pertenecen a diversos géneros hijos del metal. Sin embargo, un disco indie vino por lo bajo y se llevó los aplausos de todos sus oyentes, una de las obras maestras de la década que silenció a las estridentes guitarras y contundentes baterías. Ese disco fue........ no, no te lo voy a arruinar checa la lista y me dices qué te parece:

10. "Takk..." de Sigur Rós: Bueno, comenzamos con algo que no tiene mucho que ver con el metal pero que siempre tiene que estar en una liste de mejores discos (a mi parecer), aunque de este álbum salió el tema más famoso de la banda. la célebre "Hoppipolla", al escucharlo noté que no se compara a el "Agaetis Byrjun" o el "( )". Pero sigue teniendo esa atmósfera minimalista y delicada de la banda, el disco tal vez no sea el mejor que hayan hecho pero sigue siendo bueno. A diferencia de su antecesor "(Paréntesis)", la letra de las canciones ya es cantada en islandés, aunque hay algunos versos cantados en 'hopenlándico'. A ver si tienes la oreja para diferenciarlo.

9. "Octavarium" de Dream Theater: Siguiendo con el metal progre me siento obligado a hablar de los reyes de este género, Dream Theater y su épico Octavarium, rindieron un tributo a las bandas progresivas setenteras. Este disco tiene un aspecto muy especial a diferencia de otros trabajos de la banda, y es que desde este disco en adelante el teclado tiene un protagonismo más que evidente, el mago Jordan Ruddess sorprendió de gran manera con sus solos y diversos teclados que tocó para este disco. Sin duda la mejor canción del disco es la homóloga 'Octavarium' de 24 minutos, en ella podemos apreciar las influencias de bandas como Yes, Pink Floyd, ELP, Genesis, etc. un temazo para no olvidar.

8. "Deadwing" de Porcupine Tree: El octavo disco de estudio del maestro Steven Wilson y sus secuaces, esta vez adapta un guión cinematográfico escrito por él mismo y crea esta álbum conceptual que narra una historia de fantasmas... más loco ese cojudo. Lo malo del disco es que le tocó la misma suerte que el "Obscured By Clouds" de Pink Floyd: Ser lanzado entre dos obras maestras. El disco es buenisimo, no hay duda, pero al igual que el "Takk..." se queda chico frente a otros lanzamientos de la banda y más aún por estar entre "In Absentia" y el "Fear of the Blank Planet". Lo único que hay que hacer es escucharlo detenidamente, sigue teniendo la fuerza característica de Porcupine y ese metal hard-rockero progre que me gusta.

7. "Alligator" de The National: Tercer disco de una de las mejores bandas indies de la década y que hasta ahora sigue siéndolo a pesar de pasar injustamente desapercibida desde su creación en el año 99. La música de The National no es más elaborada o más light que las demás bandas indie contemporáneas a ese año, pero lo que la hace diferente es su propio estilo: la banda parece tener la furia de una agrupación garage rock (ya que el mensaje de su música transmite eso), pero el disfraz se deja de lado al escuchar la instrumentación de una clásica banda indie. En realidad no sé si me dejo entender y es porque escuchar a The National me trasmite eso y es difícil describirlo en palabras, así que les dejo interpretarlo a ustedes mismos.

6. "At The Mountains Of Madness" de Electric Masada: Sé que no va al caso poner un disco en vivo en este tipo de listas pero John Zorn me rompió el cerebro con esta obra y para mí es indispensable ponerlo aquí (aparte de ya hacerlo más conocido). Electric Masada nace en los años 90's hijo del proyecto Masada de John Zorn (saxofonista y compositor estadounidense), y a diferencia de su progenitor Electric Masada es, como dice su nombre, más eléctrico, ecléctico y bullicioso, aunque todos los temas que se tocan los toma prestados de Masada y los transforma de acuerdo a los requisitos de la banda. Este es un disco doble de conciertos en Moscú y Liubiana, la calidad es increíble, uno de los mejores o sino el mejor disco en vivo de la década.

5. "Feels" de Animal Collective: Al igual que el año pasado, Animal Collective vuelve a sorprender con su electrónica experimental orientada al pop, "Feels" es el sexto disco de estudio del cuarteto experimental y se asemeja mucho a su antecesor "Sung Tongs", pero la gran diferencia es que en "Feels" los sonidos y tonos guitarrescos son acompañados con un piano totalmente disonante y atonal, lo cual le da una aura mucho más fresca a la banda, pero que no deja de ser agradable al oído. Para este lanzamiento la banda contó con Kristin Valtysdottir, cantautora islandesa (sí, del mismo país de Björk y Sigur Ros) quien toca el piano desentonado (a propósito) en todos los temas.

4. "Ghost Reveries" de Opeth: Octavo disco de estudio de la banda sueca de death metal por excelencia hoy en día. En esta ocasión Mikael Akerfeldt decide volver un poco a sus raíces más metaleras, sin embargo, mantiene en cierta medida la atmósfera progre que mostró en el anterior disco de la banda, "Damnation". En principio el álbum estaba planteado a ser un disco conceptual al encadenar los temas y narrar la historia del tormento que vive un hombre después de matar a su madre (una historia dostoievskana puesta al límite, ¿no les parece?). Finalmente el concepto no se pudo concretar al 100 %, ya que Akerfeldt decidió poner el tema "Isolation Years" al final del disco, una canción que, a pesar de ser buena, no tenía relación alguna con la historia que se narraba. Pero en fin, si dejamos de lado la lírica y nos enfocamos más en la música en sí, nos vamos a llevar una grata sorpresa.

3. "Second Life Syndrome" de Riverside: Riverside es una banda polaca de metal progresivo liderada por Mariusz Duda, una de las figuras más importantes del rock en Europa del este. "Second Life..." es el segundo lanzamiento de estudio de la banda y la música que Duda y compañía interpretan se asemeja mucho a Opeth, en cuanto al estilo metal; a Pink Floyd, en cuanto a lo progresivo; y a Tool en cuanto a lo experimental y ecléctico, sin alejarse en lo absoluto de un estilo propio que caracteriza de manera singular a la banda. La sugerente portada del disco y la música, que en momentos es dura y en otros es suave e instrumental, le rinden un tributo a todas esas agrupaciones que han sido y siguen siendo una gran influencia para esta impresionante banda de los recónditos lugares de Europa.

2. "Frances The Mute" de The Mars Volta: Tengo serias dudas sobrew cuál es el mejor disco de The Mars Volta, y es que entre el primer y el segundo disco (del que estamos hablando ahora) existen grandes diferencias y similitudes, pero mantienen esa increíble fuerza y poder que Omar Rodríguez y Cedric Bixler le ponen con todo empeño. "Frances The Mute" es simplemente un discazo, la instrumentación, los cambios de ritmo entre rock, salsa, jazz, electrónica, y hasta la letra (cantada a veces en español y otras veces en inglés) rebazan las expectativas de los fanáticos del rock duro experimental. Temas como 'The Widow', 'L'Via L'Viaquez' o el interminable tema 'Cassandra Gemini' (partida en ocho partes), hacen de este uno de los mejores discos de 2005, y no es el mejor debido a un lanzamiento que dejó a muchos boquiabiertos a pesar de no formar parte del género metal, este disco fue...

1. "Illinoise" de Sufjan Stevens: Simplemente hermoso, este cantautor estadounidense dejó silenciadas las guitarras metaleras con armonías y arreglos orquestales de cuerdas, vientos y voces. Tal vez piensen que estoy equivocado y se molesten al ver una lista casi repleta de bandas metal excepto en el primer lugar, pero este disco me llegó en un momento muy singular y le tengo un gran aprecio (como digo varias veces estas listas son a mi modesto parecer). El g{enero de este disco es difícil de designar, tiene marcadas influencias folk y mantiene claras sus raíces indie, sin olvidar su inspiración en la música docta. "Illinoise" es un disco conceptual que habla precisamente del estado del país del norte y le rinde tributo a sus temas pintorescos. Los títulos de las canciones son en su mayoría muy largos como para que alguien se acuerde de ellos, sin embargo los temas son pegajosos y hacen que este pequeño problema se olvide rápidamente. Las influencias que Sufjan Stevens demuestra a través de toda la producción del disco va desde los neoclasicistas Rachmaninov y Stravinsky, hasta los maestros del folk Neil Young y Nick Drake. Además de las guitarras acústicas y los teclados, los violines, violas, cellos, trompetas, saxos y un hermoso coro, terminan por completar la instrumentación del disco, muy bien producido y muy bien pensado. Uno de los mejores de la década.

Serú Girán.... y nada más

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

"The Spirit Of Eden" de Talk Talk (1988)

Tras una larga y reconocida carrera inmersos en el género new wave y synthpop, Talk Talk tomaría un giro de 180 grados y sorprenderia (y en algunos casos defraudaría) a sus miles de fanáticos. Mark Hollis, lider multinstrumentalista de la banda siempre estuvo interesado en los sonidos minimalistas, o mejor dicho en el silencio, la mínima cantidad de instrumentación, pero que a la vez es precisa y goza de perfección.

Hastiado de los sonidos eléctronicos y despreciando totalmente el uso del sintetizador, Hollis y compañía emprendieron lo que llegaría a ser un disco pionero del género post-rock, la experimentación y cambio más radical que tendría cualquier banda new wave en toda la historia. Se optaron por sonidos orgánicos y no electrónicos combinando así rock, jazz, música clásica, minimalismo y la emergente música ambiental. Ante tal combinación de géneros muchos de los críticos que alabaron el álbum bautizaron a este nuevo estilo musical con el nombre de "post-rock", genero que con el paso de los años sería uno de los más poderosos en la música no comercial.

Debido al gran éxito de su anterior disco "The Colour Of Spring" y la gran cantidad de ventas que tuvo dicha producción, la banda tuvo presupuesto suficiente para grabar un disco "diferente", dejaron de lado los sintetizadores y en lugar de depender de rápidos y repetitivos arreglos o construcciones se optaron por largas horas de improvisación que la banda aprovechaba al máximo.

La productora del disco, EMI, dejó una total libertad y tiempo de grabación a la banda, si embargo el tiro salió por la culata. El disco no fue nada comercial, por más que los críticos endiosaron el álbum, los fanáticos no respondieron de manera positiva, las ventas decayeron precipitadamente y al parecer eso no le importaba a los miembros de la banda , quienes optaron también por no hacer ninguna gira para promocionar el disco. Lo más gracioso del tema es que EMI demandó a la banda por hacer "un disco poco comercial", caso que terminó siendo rechazado.

EMI tenía razón en decir que el disco es poco comercial, pero ¿quién dice que lo poco comercial es malo?, de por sí la atmósfera que construye Talk Talk es tan fuerte y tan relajante a la vez, repleto de temas caracterizados por su volatilidad e intensidad, explora temas tal vez demasiado profundos que solo pueden ser entendidos por medio de la música y no de la letra.

"The Rainbow" donde predomina el silencio con pequeñas entradas de saxofón llega a una pequeña explosión donde se conjugan la guitarra eléctrica de Tim Fiese-Greene y la tranquila voz de Hollis, este al igual que cas todos los temas se caracterizan por sus largos silencios y su gran atmósfera, la base de arreglos de jazz y las explosiones que tiene para iniciar los coros.

"I Believe In You" fue el único single lanzado por la banda (por obligación de la productora), su letra rebaza lo espiritual y la genial música apoya este concepto, los hermosos arreglos y acordes que se tocan cada diez segundos que a pesar de su poca instrumentación goza de perfección.

En verdad no podría destacar más canciones porque todas tienen una fuerte intensidad, muy característica del post-rock. Sus prolongados silencios, su base jazzistica, su influencia ambiental, su poderosa atmósfera y hasta su poca accesibiliad al público en general hacen de este disco uno de los más personales que puedan existir. Un disco que se adelantó a su época y abrió un gran camino a muchas bandas de los noventas y de hoy. Una obra maestra posmoderna.

Lista de canciones;

1. The Rainbow - 8:02

2. Eden - 7:39

3. Desire - 7:17

4. Inheritance - 5:24

5. I Believe In You - 6:16

6. Wealth - 6:44

Mejores discos del 2004: Lo mejor de la década (Parte V)

En el 2004 la música que daba la hora era cada vez más abstracta ya que seguir los pasos de lo que hizo The Strokes en 2001 resultaba tedioso y monótono, bandas como Franz Ferdinand, Razorlight y The Killers lanzaron sus discos este año con un sonido armonioso y radial escuchable para cualquier ser humano promedio, pero para hablar más en serio, este blog no fue creado para hablar (o escribir) sobre bandas que a la "mayoría" le gusta, ¿qué de nuevo hubo en estas bandas musicalmente hablando?, es algo que las personas que escuchan esto nunca me han podido responder... en fin, son bandas ok pero no se me erizan los pelos al escucharlas. Hablemos de lo que en verdad valió la pena, el 2004 era el año de "Smile", el disco que Brian Wilson nos hizo esperar casi 40 años y que se perfilaba (sin siquiera haber sido escuchado) como el disco de la década (por no decir del milenio), sin embargo la sorpresa no fue tan grande y hubo un par de discos que le dieron vuelta y sorprendieron por su naturalidad y originalidad, discos extraños, discos duros, discos experimentales, eso fue lo que marcaron a los mejores discos del 2004:

10. "K.A. (Kohntarkosz Anteria)" de Magma: Ya hemos hablado de esta banda y su jazz/rock progresivo en idioma kobaiano, sino sabes qué mierda estoy hablando mejor da click aquí. Sigamos, después de decenas de material inédito lanzado por la banda, Christian Vander y compañía por fin grabaron algo fresco después de 20 años (aunque en realidad K.A. fue compuesta por Vander entre el 73 y el 74, ya que es la precuela del disco "Kohntarkosz" de 1974, PERO BUENO... creo que los confundo más). K.A. forma parte de una trilogía llamada el "Ciclo Kohntarkosz" como ya dijimos, esta es la primera parte, en 1974 se lanzó la segunda, y el año pasado se completó la historia que narra la búsqueda espiritual de dos hombres para entender a las fuerzas que trabajan en el universo y de esta forma alcanzar la inmortalidad... una roca, sin duda alguna. Aún así la música sigue siendo fiel al Zeuhl después de tantos años y la historia es mucho más profunda de lo que parece (en verdad cuesta descifrarla ya que está cantada en un idioma artificial, pero vamos a darle con fe para ver cómo termina).

9. "...Of Natural History" de Sleepytime Gorilla Museum: Literalmente "Sleepytime Gorilla Museum of Natural History", disco que despertó mucho interés en la escena del rock experimental mezclando música docta, rock industrial y art rock. Este virtuoso quinteto multinstrumentalista debe su nombre a artistas dadaístas y futuristas de la década de 1910 que abrieron un "museo del futuro" con el mismo nombre que la banda tomaría 80 años después. Una cosa curiosa de la banda es que sus integrantes utilizan instrumentos creados por ellos mismos para reproducir sonidos cada vez más ambiguos. Sleepytime.. (o abreviando: SGM) además de ser una banda muy dadá y rendir tributo a los artistas experimentales de inicios del siglo XX, recoge influencias de los trabajos de Mike Patton, y la música ecléctica de Gentle Giant y Univers Zéro, vale la pena hechar una oreja.

8. "A Ghost Is Born" de Wilco: Después del discazo "Yankee Hotel Foxtrot", Wilco lanza su quinto álbum de estudio intentando superar o al menos equiparar el éxito obtenido dos años atras, para algunos es mejor y para otros no tiene la originalidad de su predecesor, la verdd es que es un buen disco pero es una simple secuela del Yankee Hotel, lo único que puede llegar a diferenciar a ambos es la prominencia de la guitarra. Jeff Tweedy, vocalista de la banda, se convirtió en la primera guitarra tras la partida de Jay Bennett. Tweedy decidió crear solos para varias de las canciones y no simples acompañamientos. También podremos encontrar un tema de 15 minutos (algo raro en este tipo de bandas) titulada "Less Than You Think", donde cada miembro de la banda crea sonidos (o ruidos) utilizando un sintetizador.

7. "Rubber Factory" de The Black Keys: Black Keys es un duo indie que toca un blues muy peculiar acomodado a nuestra época, algo más fuerte que el blues clásico de fines de los 50's. Este fue el tercer disco de estudio de la pequeña banda y gracias a este ganaron popularidad y una gran aceptación del público llegando a ser teloneros de bandas como Pearl Jam y Radiohead (que en verdad para una banda cualquiera es un honor). Sin embargo, dejaron de ser segundones e hicieron una gran gira ese año, la cual terminó transformándose en su primer disco en vivo un año después. Los singles del disco "10 A.M. Automatic", "'Til I Get My Way" y "Girl Is On My Mind" fueron rotundos éxitos llegando a ser utilizados en varias películas.

6. "Sung Tongs" de Animal Collective: Retomamos otra vez el rock experimental, pero esta vez con una agrupación más pop. Animal Collective es considerada una de las bandas más originales de la última década a pesar de no ser una agrupación totalmente formada, en ella participan Panda Bear, Avey Tare, Deakin y Geologist, seudónimos, por supuesto, de estos cuatro integrantes que se conocieron en la escuela formando Animal Collective, las canciones de la banda son más que todo contribuciones de los integrantes por separado o (rara vez) agrupados. Por ejemplo en este disco sólo participan Panda Bear y Avey Tare en toda la producción. En el disco el duo experimenta con el folk, y se utiliza la guitarra acústica y los sonidos tribales con mayor prominencia, olvidándose de la guitarra eléctrica por completo.

5. "The Human Equation" de Ayreon: Ayreon no es estrictamente una banda, es más bien un experimento musical de Arjen Lucassen. Este compositor holandés compone la música y canta todos los temas de Ayreon junto a músicos invitados para cada uno de sus álbumes, se podría decir que él es el único integrante permanente de la banda. El estilo de Ayreon es un metal progresivo, aunque existen varios temas que toman aportes del folk, la electrónica y la música docta. Para este, su sexto disco de estudio, Lucassen es acompañado por James LaBrie (vocalista de Dream Theater), Mikael Akerfeldt (vocalista y guitarrista de Opeth), Devin Townsend (¿para qué pongo paréntesis?), entre otros, para crear este disco conceptual donde se narran los 20 días de un hombre en coma divididos en 20 temas, cada uno de ellos narra de cierta manera sus emociones y las confrontaciones entre ellas creando así un ambiente donde la locura está muy presente.

4. "Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus" de Nick Cave & The Black Seeds: Si buscamos a una persona entre Tom Waits y Leonard Cohen podremos encontrar a Nick Cave, este reconocidísimo cantautor que comenzó su carrera a inicios de los 70's, pero se junto recién con las 'semillas negras' a mediados de los 80's, marcando una temática entre la violencia, lo urbano y lo erótico, como si Charles Bukowski formara una banda en lugar de escribir. Cave y su banda sorprendieron a muchos con este disco doble donde no prima un estilo musical concreto, en este lanzamiento podemos encontrar desde post-punk hasta blues moderno en el primer disco y música con flautas y órganos en el segundo. Una exquisitez musical que nos regala el maestro Cave.

3. "Smile" de Brian Wilson: Este fue el disco más esperado de todos los tiempos, desde 1966, año en que Brian Wilson comenzó a trabajar en el proyecto con su antigua banda, los legendarios Beach Boys. Lamentablemente la idea nunca se pudo concretar por las limitadas mentes creativas de otros integrantes de la banda. Tras el súper disco "Pet Sounds" (una de las primeras experimentaciones en la historia del rock), Brian Wilson se entusiasmó en continuar dicha recta, pero las desavenencias con algunos miembros de la banda hizo que el proyecto quede en espera, aunque nadie pensó que esperaría 38 años. 2004 era el año y las expectativas fueron muchas. Resultado: el disco es bueno pero en eso se queda, en 'bueno', cuando muchos creyeron que iba a ser maravilloso. Wilson dio lo mejor de sí, pero los años no pasan en vano, no era el mismo chico entusiasmado con hacer nueva música, ya que en 38 años la música ha sufrido más experimentaciones que conejillo de indias. Sin embargo vale la pena escucharlo porque sigue siendo historia.

2. "Medùlla" de Björk: Lo que pensaba hacer Brian Wilson hace 38 años lo hizo Björk, ajustado a nuestra época, claro está. "Medùlla" es hasta la fecha el disco más ambiguo y original de la cantante islandesa, si con el "Vespertine" nos partió la cabeza, con este disco nos la termina de triturar en pedazos. El disco es casi en su totalidad 'a capella' y los sonidos que muchos confunden con instrumentos son construídos con voces humanas, aunque algunas de ellas están modificadas por el uso de sintetizadores. El disco tiene colaboraciones de otros músicos reconocidos por sus originales voces, tales como Mike Patton, Robert Wyatt, Tagaq, etc. El disco llega a ser fascinante al escuchar y descubrir los diversos sonidos que pueden salir de nuestra voz, aunque solo pocos tengan el talento de hacerlo: beatbox, arreglos corales, cantos guturales y mucha más música vocal completan este disco ultra vanguardista.

1. "Funeral" de Arcade Fire: Si hay algo que sorprendió al mundo por su frescura y originaldad fue este numeroso grupo de chicos canadienses multinstrumentalistas, Lo que hace Arcade Fire es un indie rock con un toque personal algo experimental por la cantidad de instrumentos que se pueden escuchar en sus temas. A diferencia de bandas como The Killers o Franz Ferdinand, Arcade fue mucho más allá de lo impartido hace unos años por The Strokes, dejaron de ser una banda más del montón para convertirse en una de las mejores del mundo. Este fue el primer disco de la banda y bastó para superar a todos los demás lanzamientos del año, la música es impecable y notoriamente instrumental donde se pueden apreciar instrumentos como violines, violencellos, mandolinas, ukeleles, acordeones y hasta xilófonos, que ayudaron a crear uno de los discos más trabajados de la década.

"Roxy Music" de Roxy Music (1972)

El álbum debut de la banda inglesa más extravagante de todas; artística y experimental, fue influenciada por estilos vanguardistas de moda que fueron representados en sus conciertos, música, y el diseño de las portadas de sus álbumes (que siempre tuvieron la presencia de modelos).

La perfecta combinación de Bryan Ferry, vocales y teclados, con Brian Eno, sintetizador, creó una banda centrada en la explotación de instrumentos poco ortodoxos en comparación a lo que se conocía antes como una agrupación de rock básica (guitarra, bajo y batería); los teclados eran primordiales, el saxofón tocado por Andy Mackay que parecía que en sus solos estaba tocando una guitarra eléctrica alocadamente, y por último el sintetizador de Eno, que fue uno de los mayores aportes revolucionarios de la musica de los setentas, un instrumento que en una decada más adelante fue usado por casi todas las bandas de la época.

Tal vez fue Roxy Music la banda que empleó el sintetizador como uno de sus instrumentos principales en la creación de sus piezas musicales, la búsqueda de nuevos sonidos mas allá de los instrumentos convencionales parecía estar en la mira de muchas bandas de inicios de los setentas, The Who y Pink Floyd habían experimentado con este instumento practicamente nuevo, pero fue Roxy Music con Brian Eno quienes le dieron un espacio mas amplio al desenvolvimiento de esta herramienta musical hasta explotarlo al máximo, nadie antes había escuchado sonidos tan raros y pero a la vez armoniosos sin quitarle sentido a la música. En una época en la que el rock progresivo y la experimentación estaban en auge, Roxy Music optó por los nuevos sonidos eléctronicos en lugar de los grandilocuentes sonidos sinfónicos de orquestas con decenas de personas. Para algunas personas este subgénero electronico les resultó grato, para otros les resultó una deformación de la música, afirmando que los nuevos sonidos saturaban y que ya no se podían escuchar los demás, pero esa es la opinión de cada quien.

"Re-Make/Re-Model" es una muestra de lo productivo que puede llegar a ser la combinación instrumentos: los solos de guitarra de Phil Manzanera, el fuerte bajo de Graham Simpson, el alocado saxo de Andy Mackay, los redobles de Paul Thompson, los sonidos de Eno y la personalidad y fuerza de Ferry hacen de esta (para mi) la mejor canción del disco. Al comenzar la canción podemos escuchar a gente hablando, luego Ferry hace una combinación con dos acordes de piano para que luego Thompson haga un redoble de toms y Ferry comience a cantar acompañado de solos de Manzanera y Mackay, luego entra Eno cada vez que se repita el coro "CPL-593H" (placa de un automovil que se menciona en la canción), en medio de la canción hay quiebres para que cada uno de los integrantes tenga un solo con su instrumentos, simplemente increible.

"Ladytron" es la muestra de las grandes facultades del sintetizador, la canción es acaparada por este instrumento, sonidos nuevos que a veces nos hacen acordar a la música de Syd Barett cuando era el lider de Pink Floyd.

Muchas de las canciones del álbum son inspiradas en películas, por ejemplo "2HB" (siglas que significan "To Humphrey Bogart") inspirada en el actor, donde se repite en las estrofas su famosa frase en la película Casablanca: "It's Looking at you kid"; el saxo en esta canción es hermoso. "The Bob" es una canción mas fuerte, inspirada en la película Battle of Britain, este tema tiene un quiebre donde luego se pueden escuchar armas de fuego. "Chance Meeting" también es uno de los temas inspirados en el séptimo arte, fue de la película Brief Encounters de David Lean.

"Virginia Plain" fue el único single del disco, este no fue presentado en el lanzamiento original del álbum, solo después de unos meses se produjo el compacto con esta canción. El tema fue un éxito instantáneo llegando al top 10 en el Reino Unido en poco tiempo. La canción está llena de altos y bajos, la guitarra de Manzanera y el sintetizador de Eno son los instrumentos que gobiernan en los tres minutos de duración del tema.

De todo lo referido lo que más puedo destacar es el gran concepto que tenía Bryan Ferry sobre una banda de rock avocada al arte en todo sentido y el gran aporte e influencía que dejó en el rock de los ochentas; de Brian Eno en cómo logró, mediante la creación de nuevos sonidos, un estilo de música totalmente innovador. Ambos tendrían luego una fructífera carrera como solistas, el primero, siguiendo su concepto de musica artística, y el segundo, experimentando con la música y creando los ya famosos "sonidos ambientales".

Lista de canciones:
1. Re-Make/Re-Model - 5:14
2. Ladytron - 4:26
3. If There Is Something - 6:34

4. Virginia Plain - 2:58
5. 2HB - 4:30
6. The Bob (Medley) - 5:48
7. Chance Meeting - 3:08
8. Would You Believe? - 3:53
9. Sea Breezes - 7:03
10. Bitters End - 2:03

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"Concierto de Aranjuez" de Joaquín Rodrigo (1939)

Para muchos (y me incluyo) la composición más hermosa para guitarra clásica y orquesta jamás hecha, y es obvio que la tenía que crear un español. De la lista de esos talentosos músicos ciegos que con increíble vrtuosismo dieron un giro a la música y crearon piezas musicales sin comparación, Joaquín Rodrigo tal vez sea el mejor de ellos.

Escrita a inicios de 1939 (un año muy tenso en España y en Europa entera, ya que terminaba la Guerra Civil española y comenzaba la Segunda Guerra Mundial), esta fue la primera obra de Rodrigo para guitarra y orquesta separada en tres movimientos, en ellos podemos escuchar solos de guitarra que luego van confrontando a la orquesta, como si fuese una batalla entre ambas, sin embargo, la guitarra nunca desaparece en todo lo largo la obra y se reafirma como el instrumento principal.

Segundo Movimiento (Adagio) del Conierto de Aranjuez, el más conocido de los tres:

No tengo la suficiente sensibilidad para describir lo que se siente cuando se escucha esta obra maestra, es simplemente uan genialidad del compositor y los músicos, la melancolía de sus movimientos escritos con tanta pasión, el desgarro de sus notas y una guitarra tan perfecta que no se le puede pedir ni un acorde más ni un acorde menos. Joaquín Rodrigo, sin duda uno de los músicos más influyentes y sublimes del siglo XX que merece ser recordado como tal.

Este concierto ha sido interpretado por varios músicos de renombre como el guitarrista flamenco Paco De Lucía, el clarinetista Jean-Christian Michel y la leyenda del jazz Miles Davis, el cual grabó un disco titulado "Sketches of Spain", donde toca una versión alargada del segundo movimiento.

Musica Docta del Siglo XX: Sé que hay personas que les resulta aburrida la música docta (mal llamada música clásica), pero personalmente pienso que es necesario para toda persona escucharla al menos alguna vez en la vida, les aseguro que se van a llevar una gran sorpresa.

No les estoy pidiendo ir 200 años atras para escuchar Mozart, Beethoven, Strauss o Vivaldi, (eso tal vez les resulte soso y una completa antítesis a lo que se escucha en nuestro tiempo), sino algo algo más reciente y más original, un puente entre lo que se escuchaba y lo que se escucha.

Compositores de inicios del siglo XX como Stravinsky, Bartok, Hindemith y el mismo Rodrigo pertenecieron a la corriente neoclásica que rememoraban a compositores como Haydn o Mozart, pero con un aire musical más fresco y contemporáneo, por otro lado también existieron músicos que combinaban este tipo de música con sonidos electrónicos, tales como Edgar Varèse o Milton Babbitt, y músicos que tomaban influencias del jazz como Maurice Ravel, en fin, músicos que comenzaban a experimentar no sólo con instrumentos, sino también con estilos y géneros musicales totalmente distantes.

Una primera recomendación para aquellos que les interese esta música sería tener una mente abierta para asimilar este amplio género musical, por ello hay que comenzar siempre con algo que nos resulte familiar, por ejemplo los conciertos de Joaquín Rodrigo tienen un instrumento muy popular y de fácil asimilación como la guitarra, los músicos que combinan la electronica también pueden sernos útiles para ayudar a adentrarnos en este tipo de música.

Este post me resulta muy corto para explicar todos los matices y la rica historia de los primeros compositores neoclasicistas, por ello prometo en el futuro dedicar un extenso post dedicado exclusivamente a este género que invadió la escena musical a inicios del siglo XX.

Almendra y el disco que revolucionó al rock sudamericano

Tan sólo 2 años habían pasado desde la primera revolución del rock en español. Los Gatos, con su líder Litto Nebbia, lanzaron su primer álbum con un nuevo sonido proveniente del norte, muy raro y tal vez prematuro para las personas que no conocían este tipo de música, pero ya era tiempo de que nazcan bandas así.

Junto a Los Gatos en 1967, vino Manal, un poco más bluesera pero con claras influencias de Cream; y junto a estas dos se sumó Almendra, más folk rock pero con algunos arranques hard rock. Éstas tres bandas fueron las precursoras del rock argentino, o mejor dicho del rock sudamericano.

Luis Alberto Spinetta para ese tiempo se perfilaba como uno de los más grandes artistas de la Argentina, músico autodidacta con un gran intelecto respresentado por la poesía lírica de las letras de sus temas. Dichos temas fueron lanzados en 1968 (año en que Manal también lanzaría sus primeras canciones), sus dos primeros singles "Tema Del Pototo / El Mundo Entre Las Manos" y "Hoy Todo El Cielo En La Ciudad / Campos Verdes" fueron un éxito rotundo por el refinado estilo musical y sus hermosas letras. Para 1969 ya contaban con innumerables presentaciones y seguidores en toda la Argentina, por lo cual las modestas y poco avanzadas discográficas de la época ofrecieron a toda costa ofertas para la producción de un álbum, el cual también se convertiría en otro éxito instantáneo que los llevó inmediatamente a la producción de un segundo disco.

No me explayaré demasiado y en esta oportunidad hablaré exclusivamente del primer disco de la banda comenzando con su tema más celebrado. "Muchacha (Ojos De Papel)", un temazo considerado hoy como una de las mejores canciones de rock argentino de todos los tiempos, acompañado por una guitarra acústica, la letra es una de las más hermosas jamás escritas por Spinetta:

"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?
Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más.
Quédate hasta el alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón no corras más.
Tu tiempo es hoy".

"Figuración" narra una historia en segunda persona, un llamado directo al personaje (algo muy raro en la letra de una canción, incluso si hablamos de canciones en otros países), el tema es acompañado con una suave flauta y guitarra acústica jugando con pronunciados quiebres.

"Ana No Duerme" y "Color Humano" son temas con influencias hard rock, donde el guitarrista de la banda, Edelmiro Molinari, demuestra su virtuosismo en su instrumento, sobre todo en el larguísimo solo del segundo tema mencionado.

"Que El Viento Borró Tus Manos" es un jazz marcado por los precisos acordes de piano y la hermosa flauta despues de cada estribillo. Este tema nos hace ver las diversas influencias de la banda en cuanto a estilos.

"Laura Va", la entrada de violines que se prolongan hasta el final del tema y la entrada de un acordeón y flauta, muy parecida a la construcción musical del clásico tango argentino, combinada con la hermosa lírica hace de este tema uno de los más celebrados por el público de la época.

Luego de las incontables giras de la banda, ésta terminó separándose por desacuerdos entre los integrantes, cada uno tomaría su rumbo, pero Spinetta sería el que tendría un futuro mucho más fructífero, formando su carrera solista y siendo líder de importantísimas agrupaciones del rock de su país como Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade; de los cuales hablaré en otra ocasión sin lugar a dudas.

Lista de canciones:
01. Muchacha (Ojos De Papel) - 03:07
02. Color Humano - 09:13
03. Figuración - 03:32
04. Ana No Duerme - 02:47
05. Fermín - 03:21
06. Plegaria Para Un Niño Dormido - 04:03
07. A Estos Hombres Tristes - 06:01
08. Que El Viento Borró Tus Manos - 02:38
09. Laura Va - 02:53

En muchas ediciones, el disco viene con los cuatro temas de sus dos primeros singles y otros temas póstumos al álbum, sumando un total de 20 canciones.

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Mejores discos del 2003: Lo mejor de la década (Parte IV)

El año 2003 siguió el esquema establecido por el año anterior: discos indie de calidad a más no poder. Nuevas bandas llegaban con impresionantes producciones, sonidos metaleros y alternativos eran los mejor producidos en aquel año, por otro lado, la música continuó experimentando con sonidos fuertes y explosivos, aunque también hubo bandas noventeras que hicieron un gran esfuerzo para poder colocarse en lo que personalmente considero los mejores discos del año 2003:

10. "Think Tank" de Blur: Esta queridísima banda de los 90's dejo de tocar su tradicional brit-pop para mostrarnos su lado más ecléctico y, aunque no lo crean, es un muy buen disco, es cierto que por momentos desconcierta, pero la mezcla de sonidos electrónicos y atmosféricos al puro estilo Sigur Rós pero sin ser minimalistas les cayó como un yunque al coyote. Se nota claramente que la banda ha madurado en la creación de sus temas que, aunque el disco no llega a ser tan comercial o tan enérgico como sus antecesotres, muestra un gran profesionalismo por parte de los integrantes de la banda.

9. "Michigan" de Sufjan Stevens: Sufjan Stevens es un cantautor estadounidense y le dedica este disco al estado que lo vio nacer (nombre del disco), pero aunque parezca tonto en muchas dimensiones este disco es muy bueno en composición. Sufjan es uno de los muy pocos cantautores de calidad en la actualidad, su estilo es una mezcla de indie-folk, y no digo folk-rock porque cuando lo escuché por primera vez me dije a mi mismo que ni cagando esto era como el clásico folk-rock de los años 60's, este disco rebaza de frescura y naturalidad, temas bien simples pero a la vez bien hermosos, lo recomiendo a gente que guste de temas de fácil digerimiento que al fin y al cabo relajan de las mil putas madres.

8. "Choirs In The Eye" de Kayo Dot: Olvidemos por momentos lo que escribí en el puesto nueve porque vamos a pasar a una banda experimental de total vanguardía. Lo que nunca en vida hará Sufjan Stevens lo hizo ese mismo año la numerosa banda Kayo Dot. Cuando leí sobre ellos me vino a la mente Godspeed You!... pero estos chicos no son post-rock, son post-metal. Los cinco temas del disco son un viaje a lo más intenso y denso de la música la última década, pero no deja de impresionarme la instrumentación que, además de los instrumentos clásicos de la música metal, la banda utiliza tubas, clarinetes, cellos, violines, trombones, trompetas y ya me cansé de decirles que más, simplemente denle un oreja a estos 11 músicos apasionados.

7. "Damnation" de Opeth: El sétimo disco de estudio de la banda death-metal-progresiva más apreciada de los últimos años. Este disco en particular se desprende del adjetivo 'death' casi en su totalidad, "Damnation" tal vez sea el disco más suave de la banda, este le rinde un merecido tributo al rock progresivo setentero y aunque hubo muchos escandinavos que no les gusto mucho la idea de aquel cambio de sonido (recordemos que el mainstream en esos países es el metal en cualquiera de sus formas agresivas), la crítica levantó los dos pulgares y la banda se hizo más conocida en el extranjero. En los siguientes discos la banda retomó su sonido característico, pero desde ese entonces con mucha más personas a la expectativa.

6. "Youth & Young Manhood" de Kings Of Leon: Con un sonido que recuerda a Lynyrd Skynyrd, Kings of Leon nos presenta su disco debut con temas pegajosos que sonaron bien en radio y televisión. Fue considerado por muchas revistas y críticos como el mejor disco debut del año. Los hermanos Followill (y el primo guitarrista) comenzaron a abrirse paso como una de las bandas más queridas de la década aunque sus otros discos no distan mucho del sonido del primero. La clave de su éxito en radios es debido a que su música combina el punk, rock alternativo, el sonido hatd rockero de los 70's y la música indie, tan de moda en aquel 2003.

5. "Hail To The Thief" de Radiohead: Al igual que Opeth dejó momentaneamente su clásico estilo death metal, Radiohead dejó también su estilo experimental electrónico que venía produciendo desde el "Kid A" para ofrecernos (sólo por este lanzamiento) una pseudo copilación de todos los estilos en los que la banda estuvo involucrada, hay temas que retoman la época de "The Bends", otros que nos recuerdan al "OK Computer" y otros que son algo más difíciles de digerir. Los singles fueron la mejor elección de la banda, sin duda los mejores temas del disco, "Go To Sleep", "There There" y "2+2=5" hicieron que escuche reescuche los discos de la banda.

4. "Chutes Too Narrow" de The Shins: Con mucha más fuerza guitaresca y una producción que deja chico a su anterior disco "Oh, Inverted World", The Shins se mostraron como una de las bandas indies más profesionales del mercado. Temas como "Fighting in a Sack", "Gone For Good", "So Says I" y "Saint Simon" con su exquisito violín, son los temas que yo elegiría para poner en mi mp3 e ir a caminar por la calle. Pero lo mejor del disco es sin duda el cantante, guitarrista y cerebro de la banda, James Mercer, que entre temas suaves y fuertes y su gran voz nos muestra el alma de la banda.

3. "Absolution" de Muse: Ahora quien no haya escuchado "Time is Running Out" de Muse debe cerrar este blog y nunca más en su vida volver a entrar...... Ok sigamos, el tercer disco de esta banda inglesa resultó ser para muchos como uno de los mejores discos del milenio, además del tema ya mencionado están "Hysteria", "Sing for Absolution", "Stockholm Syndrome" y un huevo de otros buenos temas. Este disco es el más comercial de la banda hasta la fecha y fue gracias a este disco que comencé a escuchar a la banda ¡¡lo pasaban en todas partes!!. El trio británico se hizo archiconocido y los fanáticos no dejaban de emerger en lugares que ni siquiera Bellamy y compañía conocían. Luego de esto la banda se tomaría tres años bajo presión para lanzar otro disco, esta vez pensando más en la música en sí que en sus fanáticos
.

2. "Elephant" de The White Stripes: Ahora si no han escuchado "Seven Nation Army" de The White Stripes mejor mátense. ¿Qué se puede decir de este disco?. Por años lo consideré como el mejor de la década y es que ese punteo de guitarra lo tenia impregnado en mi cerebro y cuando vi el video ya era demasiado. Aunque para mi el "White Blood Cells" ya era demasiado bueno, Jack y Meg White no se conformaron y lanzaron este monstruo rojinegro titulado "Elephant", con un sonido garage-punk-alternativo este fue uno de los discos más vendidos del año. A pesar de los buenos temas del disco, el duo grabo videoclips igual de buenos, una calidad de producción impresionante en ambos aspectos.

1. "De-Loused In The Comatorium" de The Mars Volta: Explosivo, poderoso y delirante tal vez sean los mejores adjetivos para calificar a The Mars Volta y este, su primer disco, es meramente inclasificable para casi todos los que se pongan a escucharlo, una combinacion de hard rock, rock progresivo, hardcore metal, bases de jazz y toques sutiles de salsa son los sonidos que se utilizan a lo largo de todo el disco. Una obra como pocas vistas y es que Omar Rodríguez López y Cedric Bixler se cansaron de su antigua banda, At The Drive-In, y se zambulleron en una agresiva experimentación musical que los colocaron como una de las mejores bandas de los últimos años. Simplemente escuchen el pajazo musical que se metieron estos dos.

"Oddesey & Oracle" de The Zombies (1968)

"Odessey & Oracle" es uno de esos discos que fueron muy poco valorados en su tiempo pero que vuelven a revivir con el paso de los años, tal vez fue el mismo tiempo el que les jugó una mala pasada, teniendo en cuenta que ser competidores de bandas como los Beatles o The Kinks (para no mencionar a muchas otras), no había un gran mercado para bandas similares, y hablo de similares para aquel 1968.

Un año después del verano del amor, la psicodelia ya era el mainstream y las bandas más populares se introducían en esa nueva corriente. Producciones como el "Sgt. Pepper's..." o el "The Village Green Preservation", discos de las dos bandas citadas anteriormente, representaban claramente la tendencia musical de ese tiempo. Sin embargo no era un rock psicodélico radical como el que se puede apreciar en "The Pîper At The Gates Of Dawn" de Pink Floyd o el disco debut de The 13th Floor Elevators. "Oddesey & Oracle" se podría clasificar tal vez como un pop psicodélico.

Las canciones del disco fueron escritas por el líder y tecladista de la banda Rod Argent y el bajista Chris White. Los temas tienen una hermosa letra y una gran musicalizacion, se puede apreciar, además de los tonos psicodélicos, influencia del soul y el rock sinfónico (en ese tiempo por sus suaves entradas de instrumentos sinfónicos, se le consideraba a ese tipo de música dentro del género pop barroco).

"This Will Be Our Year", "Hung Up On Dreams" y "Changes" representan mejor lo que es pop barroco la instrumentación combina los instrumentos del rock psicodélico y diversos instrumentos sinfónicos como trompetas, flautas y violines. Tal vez una premisa a lo que sería el rock progresivo, claro que mucho más suave y moderado, un proto progresivo, diría yo.

Por otro lado están las canciones más psicodélicas, "Butcher's Tale" usa el mellotron a lo largo de toda la canción, una canción bien experimental ya que se emiten muchos sonidos de organo de tubos (si, esos de iglesia).

Por otro lado esta la archiconocida "Time Of The Season" con sus excelente bajo que marca el ritmo del tema, su gran coro que acompaña la inclasificable voz del vocalista Colin Blustone, y por supuesto el gran solo de piano de Argent. Un temazo que fue recién apreciado dos años después de su creación, cuando los Zombies ya se habían desintegrado, la disquera encargada relanzó el disco y su tema estrella legó al top cinco de los temas más escuchados.

Otro tema que quiero destacar es "Care of Cell 44", con su hermosa letra: "Good morning to you I hope you're feeling better baby / Thinking of me while you are far away / Counting the days until they set you free again / Writing this letter hoping you're okay". El coro apoya otra vez a Blustone a la perfección en esta, sin duda una las mejores canciones del disco.

Gran álbum y a mi apreciación entre los mejores de la era psicodélica, The Zombies dieron su último aliento para la realización de este disco y sin duda fue el mejor. Una banda y un disco que ha pasado desapercibido por mucho tiempo y espero que ahora se le de el debido tiempo y respeto.

Lista de canciones:

1. Care of Cell 44 – 3:56

2. A Rose for Emily – 2:19

3. Maybe After He's Gone – 2:33

4. Beechwood Park – 2:43

5. Brief Candles – 3:30

6. Hung up on a Dream – 3:01

7. Changes – 3:19

8. I Want Her, She Wants Me – 2:51

9. This Will Be Our Year – 2:08

10. Butcher's Tale – 2:47

11. Friends of Mine – 2:17

12. Time of the Season – 3:33

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