Mejores discos del 2004: Lo mejor de la década (Parte V)

En el 2004 la música que daba la hora era cada vez más abstracta ya que seguir los pasos de lo que hizo The Strokes en 2001 resultaba tedioso y monótono, bandas como Franz Ferdinand, Razorlight y The Killers lanzaron sus discos este año con un sonido armonioso y radial escuchable para cualquier ser humano promedio, pero para hablar más en serio, este blog no fue creado para hablar (o escribir) sobre bandas que a la "mayoría" le gusta, ¿qué de nuevo hubo en estas bandas musicalmente hablando?, es algo que las personas que escuchan esto nunca me han podido responder... en fin, son bandas ok pero no se me erizan los pelos al escucharlas. Hablemos de lo que en verdad valió la pena, el 2004 era el año de "Smile", el disco que Brian Wilson nos hizo esperar casi 40 años y que se perfilaba (sin siquiera haber sido escuchado) como el disco de la década (por no decir del milenio), sin embargo la sorpresa no fue tan grande y hubo un par de discos que le dieron vuelta y sorprendieron por su naturalidad y originalidad, discos extraños, discos duros, discos experimentales, eso fue lo que marcaron a los mejores discos del 2004:

10. "K.A. (Kohntarkosz Anteria)" de Magma: Ya hemos hablado de esta banda y su jazz/rock progresivo en idioma kobaiano, sino sabes qué mierda estoy hablando mejor da click aquí. Sigamos, después de decenas de material inédito lanzado por la banda, Christian Vander y compañía por fin grabaron algo fresco después de 20 años (aunque en realidad K.A. fue compuesta por Vander entre el 73 y el 74, ya que es la precuela del disco "Kohntarkosz" de 1974, PERO BUENO... creo que los confundo más). K.A. forma parte de una trilogía llamada el "Ciclo Kohntarkosz" como ya dijimos, esta es la primera parte, en 1974 se lanzó la segunda, y el año pasado se completó la historia que narra la búsqueda espiritual de dos hombres para entender a las fuerzas que trabajan en el universo y de esta forma alcanzar la inmortalidad... una roca, sin duda alguna. Aún así la música sigue siendo fiel al Zeuhl después de tantos años y la historia es mucho más profunda de lo que parece (en verdad cuesta descifrarla ya que está cantada en un idioma artificial, pero vamos a darle con fe para ver cómo termina).

9. "...Of Natural History" de Sleepytime Gorilla Museum: Literalmente "Sleepytime Gorilla Museum of Natural History", disco que despertó mucho interés en la escena del rock experimental mezclando música docta, rock industrial y art rock. Este virtuoso quinteto multinstrumentalista debe su nombre a artistas dadaístas y futuristas de la década de 1910 que abrieron un "museo del futuro" con el mismo nombre que la banda tomaría 80 años después. Una cosa curiosa de la banda es que sus integrantes utilizan instrumentos creados por ellos mismos para reproducir sonidos cada vez más ambiguos. Sleepytime.. (o abreviando: SGM) además de ser una banda muy dadá y rendir tributo a los artistas experimentales de inicios del siglo XX, recoge influencias de los trabajos de Mike Patton, y la música ecléctica de Gentle Giant y Univers Zéro, vale la pena hechar una oreja.

8. "A Ghost Is Born" de Wilco: Después del discazo "Yankee Hotel Foxtrot", Wilco lanza su quinto álbum de estudio intentando superar o al menos equiparar el éxito obtenido dos años atras, para algunos es mejor y para otros no tiene la originalidad de su predecesor, la verdd es que es un buen disco pero es una simple secuela del Yankee Hotel, lo único que puede llegar a diferenciar a ambos es la prominencia de la guitarra. Jeff Tweedy, vocalista de la banda, se convirtió en la primera guitarra tras la partida de Jay Bennett. Tweedy decidió crear solos para varias de las canciones y no simples acompañamientos. También podremos encontrar un tema de 15 minutos (algo raro en este tipo de bandas) titulada "Less Than You Think", donde cada miembro de la banda crea sonidos (o ruidos) utilizando un sintetizador.

7. "Rubber Factory" de The Black Keys: Black Keys es un duo indie que toca un blues muy peculiar acomodado a nuestra época, algo más fuerte que el blues clásico de fines de los 50's. Este fue el tercer disco de estudio de la pequeña banda y gracias a este ganaron popularidad y una gran aceptación del público llegando a ser teloneros de bandas como Pearl Jam y Radiohead (que en verdad para una banda cualquiera es un honor). Sin embargo, dejaron de ser segundones e hicieron una gran gira ese año, la cual terminó transformándose en su primer disco en vivo un año después. Los singles del disco "10 A.M. Automatic", "'Til I Get My Way" y "Girl Is On My Mind" fueron rotundos éxitos llegando a ser utilizados en varias películas.

6. "Sung Tongs" de Animal Collective: Retomamos otra vez el rock experimental, pero esta vez con una agrupación más pop. Animal Collective es considerada una de las bandas más originales de la última década a pesar de no ser una agrupación totalmente formada, en ella participan Panda Bear, Avey Tare, Deakin y Geologist, seudónimos, por supuesto, de estos cuatro integrantes que se conocieron en la escuela formando Animal Collective, las canciones de la banda son más que todo contribuciones de los integrantes por separado o (rara vez) agrupados. Por ejemplo en este disco sólo participan Panda Bear y Avey Tare en toda la producción. En el disco el duo experimenta con el folk, y se utiliza la guitarra acústica y los sonidos tribales con mayor prominencia, olvidándose de la guitarra eléctrica por completo.

5. "The Human Equation" de Ayreon: Ayreon no es estrictamente una banda, es más bien un experimento musical de Arjen Lucassen. Este compositor holandés compone la música y canta todos los temas de Ayreon junto a músicos invitados para cada uno de sus álbumes, se podría decir que él es el único integrante permanente de la banda. El estilo de Ayreon es un metal progresivo, aunque existen varios temas que toman aportes del folk, la electrónica y la música docta. Para este, su sexto disco de estudio, Lucassen es acompañado por James LaBrie (vocalista de Dream Theater), Mikael Akerfeldt (vocalista y guitarrista de Opeth), Devin Townsend (¿para qué pongo paréntesis?), entre otros, para crear este disco conceptual donde se narran los 20 días de un hombre en coma divididos en 20 temas, cada uno de ellos narra de cierta manera sus emociones y las confrontaciones entre ellas creando así un ambiente donde la locura está muy presente.

4. "Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus" de Nick Cave & The Black Seeds: Si buscamos a una persona entre Tom Waits y Leonard Cohen podremos encontrar a Nick Cave, este reconocidísimo cantautor que comenzó su carrera a inicios de los 70's, pero se junto recién con las 'semillas negras' a mediados de los 80's, marcando una temática entre la violencia, lo urbano y lo erótico, como si Charles Bukowski formara una banda en lugar de escribir. Cave y su banda sorprendieron a muchos con este disco doble donde no prima un estilo musical concreto, en este lanzamiento podemos encontrar desde post-punk hasta blues moderno en el primer disco y música con flautas y órganos en el segundo. Una exquisitez musical que nos regala el maestro Cave.

3. "Smile" de Brian Wilson: Este fue el disco más esperado de todos los tiempos, desde 1966, año en que Brian Wilson comenzó a trabajar en el proyecto con su antigua banda, los legendarios Beach Boys. Lamentablemente la idea nunca se pudo concretar por las limitadas mentes creativas de otros integrantes de la banda. Tras el súper disco "Pet Sounds" (una de las primeras experimentaciones en la historia del rock), Brian Wilson se entusiasmó en continuar dicha recta, pero las desavenencias con algunos miembros de la banda hizo que el proyecto quede en espera, aunque nadie pensó que esperaría 38 años. 2004 era el año y las expectativas fueron muchas. Resultado: el disco es bueno pero en eso se queda, en 'bueno', cuando muchos creyeron que iba a ser maravilloso. Wilson dio lo mejor de sí, pero los años no pasan en vano, no era el mismo chico entusiasmado con hacer nueva música, ya que en 38 años la música ha sufrido más experimentaciones que conejillo de indias. Sin embargo vale la pena escucharlo porque sigue siendo historia.

2. "Medùlla" de Björk: Lo que pensaba hacer Brian Wilson hace 38 años lo hizo Björk, ajustado a nuestra época, claro está. "Medùlla" es hasta la fecha el disco más ambiguo y original de la cantante islandesa, si con el "Vespertine" nos partió la cabeza, con este disco nos la termina de triturar en pedazos. El disco es casi en su totalidad 'a capella' y los sonidos que muchos confunden con instrumentos son construídos con voces humanas, aunque algunas de ellas están modificadas por el uso de sintetizadores. El disco tiene colaboraciones de otros músicos reconocidos por sus originales voces, tales como Mike Patton, Robert Wyatt, Tagaq, etc. El disco llega a ser fascinante al escuchar y descubrir los diversos sonidos que pueden salir de nuestra voz, aunque solo pocos tengan el talento de hacerlo: beatbox, arreglos corales, cantos guturales y mucha más música vocal completan este disco ultra vanguardista.

1. "Funeral" de Arcade Fire: Si hay algo que sorprendió al mundo por su frescura y originaldad fue este numeroso grupo de chicos canadienses multinstrumentalistas, Lo que hace Arcade Fire es un indie rock con un toque personal algo experimental por la cantidad de instrumentos que se pueden escuchar en sus temas. A diferencia de bandas como The Killers o Franz Ferdinand, Arcade fue mucho más allá de lo impartido hace unos años por The Strokes, dejaron de ser una banda más del montón para convertirse en una de las mejores del mundo. Este fue el primer disco de la banda y bastó para superar a todos los demás lanzamientos del año, la música es impecable y notoriamente instrumental donde se pueden apreciar instrumentos como violines, violencellos, mandolinas, ukeleles, acordeones y hasta xilófonos, que ayudaron a crear uno de los discos más trabajados de la década.

"Roxy Music" de Roxy Music (1972)

El álbum debut de la banda inglesa más extravagante de todas; artística y experimental, fue influenciada por estilos vanguardistas de moda que fueron representados en sus conciertos, música, y el diseño de las portadas de sus álbumes (que siempre tuvieron la presencia de modelos).

La perfecta combinación de Bryan Ferry, vocales y teclados, con Brian Eno, sintetizador, creó una banda centrada en la explotación de instrumentos poco ortodoxos en comparación a lo que se conocía antes como una agrupación de rock básica (guitarra, bajo y batería); los teclados eran primordiales, el saxofón tocado por Andy Mackay que parecía que en sus solos estaba tocando una guitarra eléctrica alocadamente, y por último el sintetizador de Eno, que fue uno de los mayores aportes revolucionarios de la musica de los setentas, un instrumento que en una decada más adelante fue usado por casi todas las bandas de la época.

Tal vez fue Roxy Music la banda que empleó el sintetizador como uno de sus instrumentos principales en la creación de sus piezas musicales, la búsqueda de nuevos sonidos mas allá de los instrumentos convencionales parecía estar en la mira de muchas bandas de inicios de los setentas, The Who y Pink Floyd habían experimentado con este instumento practicamente nuevo, pero fue Roxy Music con Brian Eno quienes le dieron un espacio mas amplio al desenvolvimiento de esta herramienta musical hasta explotarlo al máximo, nadie antes había escuchado sonidos tan raros y pero a la vez armoniosos sin quitarle sentido a la música. En una época en la que el rock progresivo y la experimentación estaban en auge, Roxy Music optó por los nuevos sonidos eléctronicos en lugar de los grandilocuentes sonidos sinfónicos de orquestas con decenas de personas. Para algunas personas este subgénero electronico les resultó grato, para otros les resultó una deformación de la música, afirmando que los nuevos sonidos saturaban y que ya no se podían escuchar los demás, pero esa es la opinión de cada quien.

"Re-Make/Re-Model" es una muestra de lo productivo que puede llegar a ser la combinación instrumentos: los solos de guitarra de Phil Manzanera, el fuerte bajo de Graham Simpson, el alocado saxo de Andy Mackay, los redobles de Paul Thompson, los sonidos de Eno y la personalidad y fuerza de Ferry hacen de esta (para mi) la mejor canción del disco. Al comenzar la canción podemos escuchar a gente hablando, luego Ferry hace una combinación con dos acordes de piano para que luego Thompson haga un redoble de toms y Ferry comience a cantar acompañado de solos de Manzanera y Mackay, luego entra Eno cada vez que se repita el coro "CPL-593H" (placa de un automovil que se menciona en la canción), en medio de la canción hay quiebres para que cada uno de los integrantes tenga un solo con su instrumentos, simplemente increible.

"Ladytron" es la muestra de las grandes facultades del sintetizador, la canción es acaparada por este instrumento, sonidos nuevos que a veces nos hacen acordar a la música de Syd Barett cuando era el lider de Pink Floyd.

Muchas de las canciones del álbum son inspiradas en películas, por ejemplo "2HB" (siglas que significan "To Humphrey Bogart") inspirada en el actor, donde se repite en las estrofas su famosa frase en la película Casablanca: "It's Looking at you kid"; el saxo en esta canción es hermoso. "The Bob" es una canción mas fuerte, inspirada en la película Battle of Britain, este tema tiene un quiebre donde luego se pueden escuchar armas de fuego. "Chance Meeting" también es uno de los temas inspirados en el séptimo arte, fue de la película Brief Encounters de David Lean.

"Virginia Plain" fue el único single del disco, este no fue presentado en el lanzamiento original del álbum, solo después de unos meses se produjo el compacto con esta canción. El tema fue un éxito instantáneo llegando al top 10 en el Reino Unido en poco tiempo. La canción está llena de altos y bajos, la guitarra de Manzanera y el sintetizador de Eno son los instrumentos que gobiernan en los tres minutos de duración del tema.

De todo lo referido lo que más puedo destacar es el gran concepto que tenía Bryan Ferry sobre una banda de rock avocada al arte en todo sentido y el gran aporte e influencía que dejó en el rock de los ochentas; de Brian Eno en cómo logró, mediante la creación de nuevos sonidos, un estilo de música totalmente innovador. Ambos tendrían luego una fructífera carrera como solistas, el primero, siguiendo su concepto de musica artística, y el segundo, experimentando con la música y creando los ya famosos "sonidos ambientales".

Lista de canciones:
1. Re-Make/Re-Model - 5:14
2. Ladytron - 4:26
3. If There Is Something - 6:34

4. Virginia Plain - 2:58
5. 2HB - 4:30
6. The Bob (Medley) - 5:48
7. Chance Meeting - 3:08
8. Would You Believe? - 3:53
9. Sea Breezes - 7:03
10. Bitters End - 2:03

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"Concierto de Aranjuez" de Joaquín Rodrigo (1939)

Para muchos (y me incluyo) la composición más hermosa para guitarra clásica y orquesta jamás hecha, y es obvio que la tenía que crear un español. De la lista de esos talentosos músicos ciegos que con increíble vrtuosismo dieron un giro a la música y crearon piezas musicales sin comparación, Joaquín Rodrigo tal vez sea el mejor de ellos.

Escrita a inicios de 1939 (un año muy tenso en España y en Europa entera, ya que terminaba la Guerra Civil española y comenzaba la Segunda Guerra Mundial), esta fue la primera obra de Rodrigo para guitarra y orquesta separada en tres movimientos, en ellos podemos escuchar solos de guitarra que luego van confrontando a la orquesta, como si fuese una batalla entre ambas, sin embargo, la guitarra nunca desaparece en todo lo largo la obra y se reafirma como el instrumento principal.

Segundo Movimiento (Adagio) del Conierto de Aranjuez, el más conocido de los tres:

No tengo la suficiente sensibilidad para describir lo que se siente cuando se escucha esta obra maestra, es simplemente uan genialidad del compositor y los músicos, la melancolía de sus movimientos escritos con tanta pasión, el desgarro de sus notas y una guitarra tan perfecta que no se le puede pedir ni un acorde más ni un acorde menos. Joaquín Rodrigo, sin duda uno de los músicos más influyentes y sublimes del siglo XX que merece ser recordado como tal.

Este concierto ha sido interpretado por varios músicos de renombre como el guitarrista flamenco Paco De Lucía, el clarinetista Jean-Christian Michel y la leyenda del jazz Miles Davis, el cual grabó un disco titulado "Sketches of Spain", donde toca una versión alargada del segundo movimiento.

Musica Docta del Siglo XX: Sé que hay personas que les resulta aburrida la música docta (mal llamada música clásica), pero personalmente pienso que es necesario para toda persona escucharla al menos alguna vez en la vida, les aseguro que se van a llevar una gran sorpresa.

No les estoy pidiendo ir 200 años atras para escuchar Mozart, Beethoven, Strauss o Vivaldi, (eso tal vez les resulte soso y una completa antítesis a lo que se escucha en nuestro tiempo), sino algo algo más reciente y más original, un puente entre lo que se escuchaba y lo que se escucha.

Compositores de inicios del siglo XX como Stravinsky, Bartok, Hindemith y el mismo Rodrigo pertenecieron a la corriente neoclásica que rememoraban a compositores como Haydn o Mozart, pero con un aire musical más fresco y contemporáneo, por otro lado también existieron músicos que combinaban este tipo de música con sonidos electrónicos, tales como Edgar Varèse o Milton Babbitt, y músicos que tomaban influencias del jazz como Maurice Ravel, en fin, músicos que comenzaban a experimentar no sólo con instrumentos, sino también con estilos y géneros musicales totalmente distantes.

Una primera recomendación para aquellos que les interese esta música sería tener una mente abierta para asimilar este amplio género musical, por ello hay que comenzar siempre con algo que nos resulte familiar, por ejemplo los conciertos de Joaquín Rodrigo tienen un instrumento muy popular y de fácil asimilación como la guitarra, los músicos que combinan la electronica también pueden sernos útiles para ayudar a adentrarnos en este tipo de música.

Este post me resulta muy corto para explicar todos los matices y la rica historia de los primeros compositores neoclasicistas, por ello prometo en el futuro dedicar un extenso post dedicado exclusivamente a este género que invadió la escena musical a inicios del siglo XX.

Almendra y el disco que revolucionó al rock sudamericano

Tan sólo 2 años habían pasado desde la primera revolución del rock en español. Los Gatos, con su líder Litto Nebbia, lanzaron su primer álbum con un nuevo sonido proveniente del norte, muy raro y tal vez prematuro para las personas que no conocían este tipo de música, pero ya era tiempo de que nazcan bandas así.

Junto a Los Gatos en 1967, vino Manal, un poco más bluesera pero con claras influencias de Cream; y junto a estas dos se sumó Almendra, más folk rock pero con algunos arranques hard rock. Éstas tres bandas fueron las precursoras del rock argentino, o mejor dicho del rock sudamericano.

Luis Alberto Spinetta para ese tiempo se perfilaba como uno de los más grandes artistas de la Argentina, músico autodidacta con un gran intelecto respresentado por la poesía lírica de las letras de sus temas. Dichos temas fueron lanzados en 1968 (año en que Manal también lanzaría sus primeras canciones), sus dos primeros singles "Tema Del Pototo / El Mundo Entre Las Manos" y "Hoy Todo El Cielo En La Ciudad / Campos Verdes" fueron un éxito rotundo por el refinado estilo musical y sus hermosas letras. Para 1969 ya contaban con innumerables presentaciones y seguidores en toda la Argentina, por lo cual las modestas y poco avanzadas discográficas de la época ofrecieron a toda costa ofertas para la producción de un álbum, el cual también se convertiría en otro éxito instantáneo que los llevó inmediatamente a la producción de un segundo disco.

No me explayaré demasiado y en esta oportunidad hablaré exclusivamente del primer disco de la banda comenzando con su tema más celebrado. "Muchacha (Ojos De Papel)", un temazo considerado hoy como una de las mejores canciones de rock argentino de todos los tiempos, acompañado por una guitarra acústica, la letra es una de las más hermosas jamás escritas por Spinetta:

"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?
Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más.
Quédate hasta el alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón no corras más.
Tu tiempo es hoy".

"Figuración" narra una historia en segunda persona, un llamado directo al personaje (algo muy raro en la letra de una canción, incluso si hablamos de canciones en otros países), el tema es acompañado con una suave flauta y guitarra acústica jugando con pronunciados quiebres.

"Ana No Duerme" y "Color Humano" son temas con influencias hard rock, donde el guitarrista de la banda, Edelmiro Molinari, demuestra su virtuosismo en su instrumento, sobre todo en el larguísimo solo del segundo tema mencionado.

"Que El Viento Borró Tus Manos" es un jazz marcado por los precisos acordes de piano y la hermosa flauta despues de cada estribillo. Este tema nos hace ver las diversas influencias de la banda en cuanto a estilos.

"Laura Va", la entrada de violines que se prolongan hasta el final del tema y la entrada de un acordeón y flauta, muy parecida a la construcción musical del clásico tango argentino, combinada con la hermosa lírica hace de este tema uno de los más celebrados por el público de la época.

Luego de las incontables giras de la banda, ésta terminó separándose por desacuerdos entre los integrantes, cada uno tomaría su rumbo, pero Spinetta sería el que tendría un futuro mucho más fructífero, formando su carrera solista y siendo líder de importantísimas agrupaciones del rock de su país como Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade; de los cuales hablaré en otra ocasión sin lugar a dudas.

Lista de canciones:
01. Muchacha (Ojos De Papel) - 03:07
02. Color Humano - 09:13
03. Figuración - 03:32
04. Ana No Duerme - 02:47
05. Fermín - 03:21
06. Plegaria Para Un Niño Dormido - 04:03
07. A Estos Hombres Tristes - 06:01
08. Que El Viento Borró Tus Manos - 02:38
09. Laura Va - 02:53

En muchas ediciones, el disco viene con los cuatro temas de sus dos primeros singles y otros temas póstumos al álbum, sumando un total de 20 canciones.

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Mejores discos del 2003: Lo mejor de la década (Parte IV)

El año 2003 siguió el esquema establecido por el año anterior: discos indie de calidad a más no poder. Nuevas bandas llegaban con impresionantes producciones, sonidos metaleros y alternativos eran los mejor producidos en aquel año, por otro lado, la música continuó experimentando con sonidos fuertes y explosivos, aunque también hubo bandas noventeras que hicieron un gran esfuerzo para poder colocarse en lo que personalmente considero los mejores discos del año 2003:

10. "Think Tank" de Blur: Esta queridísima banda de los 90's dejo de tocar su tradicional brit-pop para mostrarnos su lado más ecléctico y, aunque no lo crean, es un muy buen disco, es cierto que por momentos desconcierta, pero la mezcla de sonidos electrónicos y atmosféricos al puro estilo Sigur Rós pero sin ser minimalistas les cayó como un yunque al coyote. Se nota claramente que la banda ha madurado en la creación de sus temas que, aunque el disco no llega a ser tan comercial o tan enérgico como sus antecesotres, muestra un gran profesionalismo por parte de los integrantes de la banda.

9. "Michigan" de Sufjan Stevens: Sufjan Stevens es un cantautor estadounidense y le dedica este disco al estado que lo vio nacer (nombre del disco), pero aunque parezca tonto en muchas dimensiones este disco es muy bueno en composición. Sufjan es uno de los muy pocos cantautores de calidad en la actualidad, su estilo es una mezcla de indie-folk, y no digo folk-rock porque cuando lo escuché por primera vez me dije a mi mismo que ni cagando esto era como el clásico folk-rock de los años 60's, este disco rebaza de frescura y naturalidad, temas bien simples pero a la vez bien hermosos, lo recomiendo a gente que guste de temas de fácil digerimiento que al fin y al cabo relajan de las mil putas madres.

8. "Choirs In The Eye" de Kayo Dot: Olvidemos por momentos lo que escribí en el puesto nueve porque vamos a pasar a una banda experimental de total vanguardía. Lo que nunca en vida hará Sufjan Stevens lo hizo ese mismo año la numerosa banda Kayo Dot. Cuando leí sobre ellos me vino a la mente Godspeed You!... pero estos chicos no son post-rock, son post-metal. Los cinco temas del disco son un viaje a lo más intenso y denso de la música la última década, pero no deja de impresionarme la instrumentación que, además de los instrumentos clásicos de la música metal, la banda utiliza tubas, clarinetes, cellos, violines, trombones, trompetas y ya me cansé de decirles que más, simplemente denle un oreja a estos 11 músicos apasionados.

7. "Damnation" de Opeth: El sétimo disco de estudio de la banda death-metal-progresiva más apreciada de los últimos años. Este disco en particular se desprende del adjetivo 'death' casi en su totalidad, "Damnation" tal vez sea el disco más suave de la banda, este le rinde un merecido tributo al rock progresivo setentero y aunque hubo muchos escandinavos que no les gusto mucho la idea de aquel cambio de sonido (recordemos que el mainstream en esos países es el metal en cualquiera de sus formas agresivas), la crítica levantó los dos pulgares y la banda se hizo más conocida en el extranjero. En los siguientes discos la banda retomó su sonido característico, pero desde ese entonces con mucha más personas a la expectativa.

6. "Youth & Young Manhood" de Kings Of Leon: Con un sonido que recuerda a Lynyrd Skynyrd, Kings of Leon nos presenta su disco debut con temas pegajosos que sonaron bien en radio y televisión. Fue considerado por muchas revistas y críticos como el mejor disco debut del año. Los hermanos Followill (y el primo guitarrista) comenzaron a abrirse paso como una de las bandas más queridas de la década aunque sus otros discos no distan mucho del sonido del primero. La clave de su éxito en radios es debido a que su música combina el punk, rock alternativo, el sonido hatd rockero de los 70's y la música indie, tan de moda en aquel 2003.

5. "Hail To The Thief" de Radiohead: Al igual que Opeth dejó momentaneamente su clásico estilo death metal, Radiohead dejó también su estilo experimental electrónico que venía produciendo desde el "Kid A" para ofrecernos (sólo por este lanzamiento) una pseudo copilación de todos los estilos en los que la banda estuvo involucrada, hay temas que retoman la época de "The Bends", otros que nos recuerdan al "OK Computer" y otros que son algo más difíciles de digerir. Los singles fueron la mejor elección de la banda, sin duda los mejores temas del disco, "Go To Sleep", "There There" y "2+2=5" hicieron que escuche reescuche los discos de la banda.

4. "Chutes Too Narrow" de The Shins: Con mucha más fuerza guitaresca y una producción que deja chico a su anterior disco "Oh, Inverted World", The Shins se mostraron como una de las bandas indies más profesionales del mercado. Temas como "Fighting in a Sack", "Gone For Good", "So Says I" y "Saint Simon" con su exquisito violín, son los temas que yo elegiría para poner en mi mp3 e ir a caminar por la calle. Pero lo mejor del disco es sin duda el cantante, guitarrista y cerebro de la banda, James Mercer, que entre temas suaves y fuertes y su gran voz nos muestra el alma de la banda.

3. "Absolution" de Muse: Ahora quien no haya escuchado "Time is Running Out" de Muse debe cerrar este blog y nunca más en su vida volver a entrar...... Ok sigamos, el tercer disco de esta banda inglesa resultó ser para muchos como uno de los mejores discos del milenio, además del tema ya mencionado están "Hysteria", "Sing for Absolution", "Stockholm Syndrome" y un huevo de otros buenos temas. Este disco es el más comercial de la banda hasta la fecha y fue gracias a este disco que comencé a escuchar a la banda ¡¡lo pasaban en todas partes!!. El trio británico se hizo archiconocido y los fanáticos no dejaban de emerger en lugares que ni siquiera Bellamy y compañía conocían. Luego de esto la banda se tomaría tres años bajo presión para lanzar otro disco, esta vez pensando más en la música en sí que en sus fanáticos
.

2. "Elephant" de The White Stripes: Ahora si no han escuchado "Seven Nation Army" de The White Stripes mejor mátense. ¿Qué se puede decir de este disco?. Por años lo consideré como el mejor de la década y es que ese punteo de guitarra lo tenia impregnado en mi cerebro y cuando vi el video ya era demasiado. Aunque para mi el "White Blood Cells" ya era demasiado bueno, Jack y Meg White no se conformaron y lanzaron este monstruo rojinegro titulado "Elephant", con un sonido garage-punk-alternativo este fue uno de los discos más vendidos del año. A pesar de los buenos temas del disco, el duo grabo videoclips igual de buenos, una calidad de producción impresionante en ambos aspectos.

1. "De-Loused In The Comatorium" de The Mars Volta: Explosivo, poderoso y delirante tal vez sean los mejores adjetivos para calificar a The Mars Volta y este, su primer disco, es meramente inclasificable para casi todos los que se pongan a escucharlo, una combinacion de hard rock, rock progresivo, hardcore metal, bases de jazz y toques sutiles de salsa son los sonidos que se utilizan a lo largo de todo el disco. Una obra como pocas vistas y es que Omar Rodríguez López y Cedric Bixler se cansaron de su antigua banda, At The Drive-In, y se zambulleron en una agresiva experimentación musical que los colocaron como una de las mejores bandas de los últimos años. Simplemente escuchen el pajazo musical que se metieron estos dos.

"Oddesey & Oracle" de The Zombies (1968)

"Odessey & Oracle" es uno de esos discos que fueron muy poco valorados en su tiempo pero que vuelven a revivir con el paso de los años, tal vez fue el mismo tiempo el que les jugó una mala pasada, teniendo en cuenta que ser competidores de bandas como los Beatles o The Kinks (para no mencionar a muchas otras), no había un gran mercado para bandas similares, y hablo de similares para aquel 1968.

Un año después del verano del amor, la psicodelia ya era el mainstream y las bandas más populares se introducían en esa nueva corriente. Producciones como el "Sgt. Pepper's..." o el "The Village Green Preservation", discos de las dos bandas citadas anteriormente, representaban claramente la tendencia musical de ese tiempo. Sin embargo no era un rock psicodélico radical como el que se puede apreciar en "The Pîper At The Gates Of Dawn" de Pink Floyd o el disco debut de The 13th Floor Elevators. "Oddesey & Oracle" se podría clasificar tal vez como un pop psicodélico.

Las canciones del disco fueron escritas por el líder y tecladista de la banda Rod Argent y el bajista Chris White. Los temas tienen una hermosa letra y una gran musicalizacion, se puede apreciar, además de los tonos psicodélicos, influencia del soul y el rock sinfónico (en ese tiempo por sus suaves entradas de instrumentos sinfónicos, se le consideraba a ese tipo de música dentro del género pop barroco).

"This Will Be Our Year", "Hung Up On Dreams" y "Changes" representan mejor lo que es pop barroco la instrumentación combina los instrumentos del rock psicodélico y diversos instrumentos sinfónicos como trompetas, flautas y violines. Tal vez una premisa a lo que sería el rock progresivo, claro que mucho más suave y moderado, un proto progresivo, diría yo.

Por otro lado están las canciones más psicodélicas, "Butcher's Tale" usa el mellotron a lo largo de toda la canción, una canción bien experimental ya que se emiten muchos sonidos de organo de tubos (si, esos de iglesia).

Por otro lado esta la archiconocida "Time Of The Season" con sus excelente bajo que marca el ritmo del tema, su gran coro que acompaña la inclasificable voz del vocalista Colin Blustone, y por supuesto el gran solo de piano de Argent. Un temazo que fue recién apreciado dos años después de su creación, cuando los Zombies ya se habían desintegrado, la disquera encargada relanzó el disco y su tema estrella legó al top cinco de los temas más escuchados.

Otro tema que quiero destacar es "Care of Cell 44", con su hermosa letra: "Good morning to you I hope you're feeling better baby / Thinking of me while you are far away / Counting the days until they set you free again / Writing this letter hoping you're okay". El coro apoya otra vez a Blustone a la perfección en esta, sin duda una las mejores canciones del disco.

Gran álbum y a mi apreciación entre los mejores de la era psicodélica, The Zombies dieron su último aliento para la realización de este disco y sin duda fue el mejor. Una banda y un disco que ha pasado desapercibido por mucho tiempo y espero que ahora se le de el debido tiempo y respeto.

Lista de canciones:

1. Care of Cell 44 – 3:56

2. A Rose for Emily – 2:19

3. Maybe After He's Gone – 2:33

4. Beechwood Park – 2:43

5. Brief Candles – 3:30

6. Hung up on a Dream – 3:01

7. Changes – 3:19

8. I Want Her, She Wants Me – 2:51

9. This Will Be Our Year – 2:08

10. Butcher's Tale – 2:47

11. Friends of Mine – 2:17

12. Time of the Season – 3:33

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Nick Drake, el mártir olvidado del folk

Si tienen la suerte de conocer a este santificado cantautor entonces tienen mi consideración y respeto absoluto, en caso contrario, esta es la mejor oportunidad para conocer a uno de los más grandes personajes que este magnifico arte de las musas nos ha dado.

Si Jeff Buckley (o Kurt Cobain para los que levantaron una ceja) nos abandonó prematuramente en la década de los 90's y el melancólico Ian Curtis en los 80's, Nick Drake se gana la posición de "genio musical con trágica muerte a temprana edad" en la década de los 70's, y aunque muchos discrepen de ello, no hay figura musical que se le compare y que comparta un final tan triste como él.

De padres ingleses, Nick Drake nació el 19 de junio de 1948 en Birmania. ¿Birmania?. Si, Birmania, tierra muy lejana en la que vivió una parte de su infancia debido a que su padre, Rodney Drake, trabajaba en una empresa de ese país. Nick comenzó a interesarse por la música en sus años de escuela, dejando de lado sus estudios y su relación con sus compañeros, formó una pequeña banda y luego se compró su primera guitarra acústica con la cual iba a iniciar sus primeros experimentos de acordes.

Drake Ingresó a la universidad de Fitzwilliam en 1966, ahí empezó a ingerir drogas y a su vez a descubrir a los grandes músicos de la escena folk norteamericana. Drake se entusiasmó tanto que comenzó a compomer sus primeras canciones y a explotar los diferentes sonidos que podía crear con su guitarra afinando y desafinando cuerdas. La joven promesa se presentaba en clubes londinenses demostrando su talento hasta que fue descubierto por Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention. Hutchings introdujo a Drake a la industria musical y le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien se encargó de lanzar la primera de sus tres obras maestras.

"Five Leaves Left" de 1969 revivió el folk escuchado a inicios de los 60's y lo fusionó con exquisitos arreglos orquestales de cuerda y viento, pero sin dudas el instrumento que prima es la guitarra acústica y sus innovadores acordes y afinaciones, parece en momentos que hay dos guitarristas tocando, pero en realidad es un acorde de guitarra con clústeres tonales.

Al año siguiente Drake lanzo su segundo LP tirulado "Bryter Layter", mucho más rico en intrumentación, los arreglos orquestales son acompañados ahora con saxo, piano y hasta una guitarra eléctrica en algunos temas, pero sin duda el plus del disco es que como artista invitado estaba el genial John Cale, ex integrante de la Velvet Underground, tocando el órgano y la viola.

Su último trabajo fue en 1972 titulado "Pink Moon", al estar descontento con el resultado de "Bryter Layter", Drake optó por un sonido minimalista, en tan solo dos sesiones de grabación el genio compuso los 11 temas del disco, los cuales contaban con solamente su guitarra y su voz, con una introducción de piano en el buenísimo tema homónimo. A pesar de ser diferente a sus otros dos lanzamientos este disco es increíblemente hermoso en toda su simplicidad, perfecto para hacer el amor en una noche de cielo desejado, se los recomiendo mucho.

Luego de lanzar su tercer disco, Drake se retiró de la música y cortó lazos con todos sus conocidos al ir a vivir con sus padres, estaba exhausto y muy deprimido, la fama y fortuna le eran esquivas a pesar de su gran talento, rápidamente se quedó sin dinero y cuando pensaba volver al mundo musical para grabar su cuarto disco sucedió la tragedia.

Nick Drake falleció el 25 de noviembre de 1974 en la casa de sus padres debido a una sobredosis de antidepresivos, fue encontrado en su tendido en su cama y aunque no se encontró una nota de suicidio, los investigadores del caso creen que debido a sus cuadros de depresión crónica, Drake solo necsitaba apretar el gatillo, tenía tan solo 26 años

En los años póstumos Drake siguió siendo un músico poco conocido, pero a fines de los 70's comenzó a tener varios seguidores a tal punto de convertirse en una figura de culto. En los 90's el nombre de Nick Drake se hizo mucho más popular al ser publicado en revistas, periódicos, reediciones de discos y películas documentales, donde finalmente su música fue valorada con todo merecimiento.
Con tan solo cuatro años de carrera musical y 3 discos en su haber nunca tuvo un gran éxito comercial y por ello no fue tan famoso o valorado en su tiempo como lo es ahora. Drake ha inspirado a artistas como R.E.M., The Cure, Elliot Smith, etc. y es pieza clave en la historia de la música no solo folk, sino en la historia de la música mundial.

Aquí les doy los links de descarga de sus tres discazos, sé que por respeto, y es obvio decir, que una vez escuchados los borren, si les gusta mucho cómprenlos, será un pequeño aporte y tributo al legado de su hermosa música:

1969 - Five Leaves Left

Descargar "Five Leaves Left"

1970 - Bryter Layter

Descargar "Bryter Layter"

1972 - Pink Moon

Descargar "Pink Moon"

Mejores discos del 2002: Lo mejor de la década (Parte III)

Tal vez muchos digan que no es cierto pero en el año 2002 el indie rock entró a las radios arrazando con todo y cortando cuantas cabezas encuentre, bandas como nuevas como Interpol y no tan nuevas como The Flaming Lips le daban un aire más fresco a la música y les venían siguiendo decenas de bandas muy buenas con un sonido renovador y hasta positivo. Este fue 'el año' del indie rock alternativo, el 2001 nos previno de este estallido que terminaría en durar unos cuantos años más. He aquí (y como siempre en mi humilde opinión), el top 10 del año 2002:

10. "Alice" de Tom Waits: esta bien, este no es un disco indie, pero es uno de los mejores discos conceptuales de los últimos tiempos, el maestro de maestros con la voz más grave posible, nos regala este disco basado en el cuento de Lewis Carrol, "Alice in Wonderland". El disco nos muestra varios estilos musicales y una gran cantidad de instrumentos que van desde los más sinfonicos (como el violín, el cello, la viola, etc.), hasta los más jazzeros (trompetas, saxos, bajos, etc.). Ese mismo año, el sr. Waits lanzó otro disco además de este titulado "Blood Money", otro concepto basado en la obra de Georg Buchner, "Woyzeck" (del que Werner Herzog adaptó al cine en los 70's), el disco también cuenta con una exquisita instrumentación con casi los mismos intérpretes.

9. "Songs For The Deaf" de Queens Of The Stone Age: Cuando vi el video muscial de "No One Knows" me dije a mi mismo: ese baterista se parece a Dave Grohl... y resulto que ¡¡¡SI ERA!!!. Desde que estaba en Nirvana no se le veía tocar la batería, ¡y no me acordaba que tocaba tan bien!. Aunque este fue el único disco de Queens... en el que Grohl participó, sin duda es el mejor a la fecha. Un hard rock muy bien producido con una guitarra impecable a la que no se puede pedir más y una batería que en verdad me sorprendió... no recuerdo un tema de Nirvana en el que la batería este bien al tope de las expectativas rockeras, pero bueno eso es lo que la diferencia del grunge.

8. "Yanqui U.X.O." de Godspeed You! Black Emperor: Después de su obra maestra del año 2000 (uno de los discos más hermosos que he escuchado en los últimos años), el megagrupo canadiense quiso hacer algo que supere, o al menos iguale, su anterior producción... no lo lograron, el disco no pesa tanto como su hermano mayor pero igual es un disco que mantiene la escencia anticomercial de la banda que tanto me gusta, los temas son igual de largos y eclécticos (como todos los que hacen) solo que se nota algo más de fuerza, o furia quizás, a la hora de interpretar los temas y el mensaje antiguerra que dan, la portada nos puede decir mucho de ello. Este es hasta la fecha el último LP lanzado por la banda, después de tantas idas y venidas de los miembros de la banda, se han pasado voces de que este año la banda se reunira para tocar algunos conciertos en Europa y Norteamérica, lástima que en el sur no los conozcan o aprecien tanto como allá.

7. "A Rush Of Blood To The Head" de Coldplay: Tal vez sea un disco increíblemente comercial y una total contraparte al disco que mencionamos anteriormente pero lo admito, este es un muy buen disco de una banda que ahora no aprecio tanto como en el 2002. Los singles "In My Place", "Clocks", y la genial "God Put A Smile Upon Your Face", sonaban hasta el cansancio en todas partes. Muy buena producción y muy buenos temas que pusieron a Coldplay como la banda más famosa del mundo (pero en verdad no la mejor, aunque hayan muchos taraditos que no quieren abrir sus ojos). Lo vuelvo a admitir, este es un disco al que respeto y sino fuese por esto (y también por el Parachutes a decir de paso) no estaría hablando de esta banda y la despreciaría mas que a Bush ( bueno no tanto...).

6. "Kill The Moonlight" de Spoon: Ya estuvimos hablando de Spoon en el ranking pasado y de su sonido fresco y hasta revitalizante, pero a pesar de que a mí me guste esta banda en particular, hay gente que no la conoce o que a lo mucho han oído hablar de ella pero no se han molestado en echarle una oreja, pero bueno, déjenme decirles que esta es una de las mejores y más reconocidas bandas indie rock que existen hoy en día y el disco que merecidamente ostenta esta posición es considerado una obra maestra de los últimos años... bueno para mi no lo es tanto, pero si que es un buen disco y supera claramente a su antecesor ya que se nota un claro avance profesional en este grupo de chicos tejanos.

5. "( )" de Sigur Rós: Hace unos cuantos posts hablé acerca del Zeuhl y que una de sus ambiguas características musicales era cantar en un idioma inventado por Christian Vander, fundador de Magma. Bueno en realidad este disco no dista mucho de ser un Zeuhl post-rockero, todos los temas de este disco al que yo llamo "paréntesis" no tienen título y son cantados en el idioma 'Hopelandic' que vendría a ser el klingon sigurrosiano, pero en verdad consiste en pronunciar sílabas que generalmente no tienen sentido pero que de alguna manera se asemejan al idioma islandés. Pero hablemos de la música, es difícil que una banda post-rock me deje de sorprender a pesar de que la mayoría de sus temas sean minimalistas, pero este disco sorprende a cualquiera, hay temas ligeros y simpáticos, hasta temas melancólicos y desoladores. Sin embargo goza de una exquisita instrumentación muy, pero muy profesional.

4. "In Absentia" de Porcupine Tree: Y dejando de lado los temas frescos y bonitos ideales para escuchar un domingo por la mañana, nos encontramos en esta posición con uno de los monstruos del hard rock progresivo (ojo, no confundir con metal progresivo). Porcupine Tree y su impecable carrera musical que se remonta a finales de los 80 pero con este impecable disco sale de ser una banda de culto de melómanos a ser reconocida en el mundo entero. El virtuosismo de su lider Steven Wilson y su gran mente creadora de temas tan perfectos como "Blackest Eyes", "Prodigal", "Strip The Soul" o la hermosa "Trains", hacen de este uno de sus discos más valorados de la banda por sus miles de fans, pero todavía faltaría guardar un poco de espacio para el plato de fondo.

3. "Yoshimi Battles The Pink Robots" de The Flaming Lips: Si el anterior disco de esta banda de Oklahoma fue uno de los mejores producidos del año 99 (estamos hablando del "Soft Bulletin"), "Yoshimi..." se lo lleva de encuentro y habran interminables batallas para decidir cuál es el mejor. Sin embargo, el concepto y la melancolía en las letras de este disco sobrepasa a su antecesor por creces. Temas como "Do You Realize??", "Fight Test" o "Approaching Pavonis Mons by Balloons" son canciones remarcables en la carrera de la banda que combinan la música acústica y electrónica de manera tan interesante que hace que The Flaming Lips sea una banda única en su género que a pesar de sus más de 20 años de creada no ha tenido tanto éxito comercial y de crítica como con este disco.

2. "Yankee Hotel Foxtrot" de Wilco: Esta banda de indie rock alternativo de raices country sorprendió a propios y ajenos con este estupendo disco, bueno, en verdad sorprendió a los que lo hayan escuchado por que en realidad en esta parte del mundo no hay mucha gente que conoce a esta banda. Yo considero a "Yankee Hotel Foxtrot" como un tributo a artistas como Neil Young, Lou Reed o John Cale, sobre todo el primero, la banda tiene un toque folk-rock no solo basándose en la guitarra si no hay una variedad de instrumentos que trabajan de igual manera. Sin embargo, muchos temas del disco no se parecen entre sí, la mayoría pueden ser temas de base folk-rock, pero el siguiente puede ser un experiemnto al estilo Radiohead, y si un tema nos parece un estilo rock alternativo puro, el siguiente puede ser una improvisación jazzistica. En fin, la banda tiene influencias muy extensas aunque siga considerándose una banda alternativa, eso es lo que la hace tan especial.

1. "Turn On The Bright Lights" de Interpol: Al igual que The Strokes lo hizo el año pasado y The White Stripes lo haría un año después, el primer disco de esta banda neoyorquina sacudió a todos y como un ave rapaz descendió de los cielos y se llevó a todas las bandas que querían hacerle frente, el indie era el nuevo mainstream, los mejores discos del año fueron de este género underground y fue visto y escuchado en radios y discotecas, pero Interpol no era tan light como ustedes tal vez piensen, era el lado oscuro del indie rock, influenciado en primera instancia por bandas post punk como Joy Division y Bauhaus, la banda nos ofrecía un repertorio de canciones oscuras y raras; por otro lado, Interpol también tomaba prestado el estilo musical de bandas indies ochenteras como The Pixies o Sonic Youth. En resumen, Interpol era una mezcla de lo mejor de la música de los 80's, otro tributo musical que quedará marcado como uno de los mejores discos de la década.

"The Bends" de Radiohead

Hay muchas batallas cuando se opina sobre cuál es el mejor disco de Radiohead: ¿The Bends?, ¿OK Computer?, ¿Kid A?... Por ahora no daré mi opinión pero me gustaría hablar del más 'pasable' de los tres mencionados anteriormente, "The Bends", de 1995, es un disco que no me puedo quitar de la cabeza en estos días y creo que merece tener un espacio en este modesto blog.

Después de su primer disco "Pablo Honey" con su sonido grunge/britpop y su exitosísimo single "Creep" la banda se sentía obligada a hacer algo mejor y diferente, la experiencia de tener un solo single exitoso era frustrante y los chicos de Oxfordshire decidieron hacer su contraparte, un anti-Creep titulado "My Iron Lung", primer single del disco, en su letra podemos notar la amargura de Yorke y compañia ante su comercial éxito: "this is our new song / just like the last one / a total waste of time".

Sin embargo tendrían éxito nuevamente con "High and Dry", uno de los temas más queridos de la banda aunque Thom Yorke ahora lo odie por su ser un tema 'pop'. Por otro lado "Just" fue uno de los temas más fuertes del disco, guitarras distorsionadas, rasgeos a toda potencia y un gran solo complementan este single que creó en su video musical uno de los misterios más grandes que todo fan de la banda se hace hasta estos días: ¿Qué es lo que dice el hombre tirado en la acera?.

Otros temas destacables son "Planet Telex", con su poderoso sonido y efectos eléctronicos; "Black Star", con su genial intro guitarresco y su hermoso coro; y, por supuesto, "Fake Plastic Trees", uno de los temas más logrados de la banda donde la voz de Yorke se puede apreciar más que en cualquier otro tema del álbum.

El disco es musicalmente muy parejo pero hay un tema que descuadra un poco la intención de "The Bends" de dar un sonido más alternativo y opta por dar una breve introdución a los futuros trabajos de la banda, estoy hablando del último tema: "Street Spirit (Fade Out)", uno de los temas más intensos y viscerales de la banda creado desde un simple arpegio, pero que nos daría pistas a lo que vendría un par de años más tarde, el "OK Computer" con el que Yorke se sentiría po fin satisfecho. Pero satisfecho o no, los fanáticos siguen discutiendo con el fin de decidir cuál es la obra maestra absoluta de la banda, un debate que tal vez no acabe nunca, pero al fin y al cabo tenemos todo el tiempo que querramos para seguir escuchándolos.

Lista de temas:
1. Planet Telex - 4:19
2. The Bends - 4:06
3. High and Dry - 4:17
4. Fake Plastic Trees - 4:50
5. Bones - 3:09
6. Nice Dream - 3:53
7. Just - 3:54
8. My Iron Lung - 4:36
9. Bullet Proof..I Wish I Was - 3:28
10. Black Star - 4:07
11. Sulk - 3:42
12. Street Spirit (Fade Out) - 4:12


My Iron Lung

Just

High and Dry