A 20 años del fallecimiento de uno de los pocos personajes que pueden catalogarse como leyendas del rock, es imposible pasar por desapercibida esta fecha de luto musical. Sin embargo, el líder de Queen hubiera deseado que celebremos su vida y no su muerte al ritmo de una 'Rapsodia Bohemia'. Farrokh Bulsara (nombre real de Freddie Mercury), nace el 5 de setiembre de 1946 en la isla de Zanzibar (colonia británica en África). Sus estudios iniciales los realizaría en Bombay, India; donde a la edad de 12 años demuestra su talento para la música y recibe clases de coro y teatro hasta formar su primera banda "The Hectics". En 1964, de regreso a su ciudad natal, estalla la revolución de Zanzibar y la familia Bunsara huye a Londres, donde el joven Freddie ingresa a la Ealing College of Art y se vuelve seguidor de una singular banda conformada por Brian May, Tim Staffel y Roger Taylor llamada "Smile". A ellos se les sumaría luego John Deacon en el bajo.
El fanatismo y talento de Freddie hizo que en 1971 este se uniera al grupo ante la inminente salida de Staffel. Su llegada produjo dos cambios sustanciales, el primero sería su apellido por el de Mercury, y el segundo sería el nombre de la banda por "Queen", una de las bandas de rock más influyentes de todos los tiempos.
La historia de Queen ya es harto conocida, con 14 discos de estudio que gozan de una amplia diversidad musical pero que mantienen la hermosa armonía vocal de Mercury, la banda se mantuvo en el tope de la escena musical, especialmente con el rotundo éxito de discos como "Sheer Heart Attack", "A Night at The Opera", "News Of The World" o el espectacular concierto en Wembley.
Por otro lado, la alocada pero secreta vida de Freddie se complicó en 1987 cuando fue diagnosticado de SIDA, enfermedad que reveló que padecía solo 2 días antes de su muerte el 24 de noviembre de 1991. Tenía tan solo 45 años.
El 20 de abril de 1992, se ofrece un último adiós a Freddie por medio de un concierto tributo en Wembley, lugar donde ofreció su mejor performance en vivo. 72 mil espectadores asistieron al recital de 6 horas donde decenas de mega estrellas musicales ofrecieron su tributo a uno de los más geniales maestros del rock.
Para un conocedor de la música de King Crimsom, con tan solo escuchar el nombre de esta mítica banda, se le vienen a la mente temas fuertes y con un increíble poder y energía, capaces de desbaratar mentes por su exquisito virtuosismo instrumental, temas como lo son, por ejemplo, la agresiva "21st Century Schizoid Man", la épìca "In the Court of the Crimson King", la extrañísima "Lark's Tongues in Aspic", o la poderosísima "Starless". Sin embargo, la mente de Robert Fripp no vuela y experimenta solamente en ese estilo musical, existe un lado de KC que no ha sido tan tomado en cuenta como debería, ese lado que también enamora, embruja y hasta hace soltar una lágrima por la mejilla. Un lado atípico que deja de lado el virtuosismo guitarrero eléctrico y apuesta por una simpleza desinhibidora muy introspectiva y cautivante, pero que, a pesar de todo, mantiene el sello personal e inconfundible de la banda carmesí.
"I Talk to the Wind"
Segundo tema del primer disco de la banda. "In the Court of the Crimson King" fue un hito para la historia del rock en general, pero contenía un tema diferente a los demás. "I Talk to the Wind" se caracteriza por su paz y serenidad, un contraste total con tema que le precede en el disco ("21st Century Schizoid Man"). El tema inicia con la flauta tocada por Ian McDonald que se convierte en el instrumento principal desatando solos y un coda exquisito. La letra fue escrita, al igual que en las demás canciones del álbum, por el genio de Peter Sinfield.
"Cadence & Cascade"
Tercer tema del disco "The Wake of Poseidon", segunda producción de la banda. Muchos se refieren a esta hermosa canción como una secuela de "I Talk to the Wind", ya que mantiene la flauta traversa como uno de los instrumentos principales, la letra también es escrita por Sinfield, pero el flautista en esta ocasión es Mel Collins, quien se volvió en un recurrente para Fripp en varios discos de la banda. Aunque el tema se apoya más en la percusión y teclados, a la mitad del tema fluye este genial instrumento de viento con un bello solo que luego acompaña hasta el final de la canción.
"Book of Saturday"
Del genial y alocado disco "Lark's Tongues in Aspic", nace este tema que contrasta totalmente con todos los demás de esta, la quinta producción discográfica de la banda. La guitarra de Fripp hace magia en esta tranquila canción junto con el violín de David Cross y la voz de John Wetton (estos dos últimos, nuevos integrantes de KC). A decir, nada más, solo cierren los ojos y escuchen.
"Matte Kudasai"
Otra época, otra banda. King Crimson de las décadas de los 80 y 90 se cracterizó por las innovaciones musicales de la banda y un increíble virtuosismo con Andy Belew, Tony Levin y Bill Brufford acompañando a Fripp, una superbanda que con el disco "Discipline" de 1981, renació luego de 6 años de descanso. "Matte Kudasai" es uno de los temas más queridos de la banda, en ella Belew simula el sonido d unas gaviotas con un slide de guitarra y ruega que "esperes, por favor". Simplemente hermoso.
"Islands"
Uno de los mejores temas de la banda en general, a pesar de su sonido y estilo diferente al prog ecléctico que presenta Fripp y compañía. El tema nace del disco homónimo de 1971, y es el track más largo del álbum (casi casi 12 minutazos). Esta sería también la última colaboración de Sinfield en un disco de KC, y la mejor despedida que este genio nos podría otorgar. En el tema priman los vientos y el piano, pero luego de un par de minutos el saxo se alza como el instrumento con más preminencia. La parte instrumental de la canción es increíblemente cautivante, el crescendo que se inicia en el minuto seis hasta el final del tema tiene una fuerza increíble que solo la música podría despertar en el alma de las personas (sono cursi pero que chucha, eso es lo que se siente en verdad).
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El 2009 fue un gran año para nuevas bandas y reencuentros con el éxito para agrupaciones que se encontraban en breves hiatos. La escena musical poco comercial se caracterizó por un sonido mucho más agresivo, de ahí podemos importantes lanzamientos de bandas como Riverside, Mastodon, y el increíble regreso de la banda post-metal / experimental, Maudlin of the Well. Por otro lado, la obra más esperada del año por los seguidores de Christian Vander, fue la última parte de la trilogía de Kohntarkosz, la cuál fue aclamada por muchos como lo mejor de Magma en los últimos años. Otra obra muy particular fue la última producción de la banda de electrónica experimental, Animal Collective, reconocida por muchos fanáticos como el mejor disco de la agrupación hasta el momento. Pero hubo una banda 'gabrielesca' que pasó muchos años desapercibida y que corto las alas a cualquier producción que aspiraba a un primer lugar. Esta es, una vez más y en mi humilde opinión, los mejores discos del año 2009:
10. "Veckatimest" de Grizzly Bear: Tercer disco de estudio de esta banda de folk rock estadounidense, en esta oportunidad, el grupo integra a su música sonidos psicodélicos y se diferencia de sus dos previas producciones por flirtear con la complejidad y experimentación, la cuál fue gratamente valorada por los críticos. Aunque el grave hecho de que la versión no remasterizada del álbum se haya filtrado por internet semanas antes de su lanzamiento oficial, ello no perjudicó de que las ventas del disco hayan sido una catástrofe: alrededor de 33 mil copias fueron vendidas en tan solo su primera semana de lanzamiento, convirtiédolo en el mayor éxito comercial de la banda.
9. "Crack the Skye" de Mastodon: Cuarto disco de estudio de la banda de sludge metal con toques progresivos. "Crack the Skye" representa, al igual que los otros tres disco de la banda, un elemento clásico griego, los discos "Remission, "Leviathan" y "Blood Mountain", representan el fuego, agua y tierra respectivamente, lo que deja entrever que esta cuarta producción está dedicada al elemento del aire. Brann Dailor, baterista de la banda, mencionó también que el disco es una dedicatoria a su hermana, Skye Dailor, quien se suicidó a la temprana edad de 14 años, de ahí se prafrasea el nombre del disco, el cuál, según los integrantes de la banda, puede significar un sinnúmero de cosas.
8. "Mundos Bizarros" de Flor de Loto: La banda peruana de fusión regresa y traza nuevos horizontes con su tercera producción discográfica, esta vez con un nuevo flautista, Junior Pacora, con un estilo que se aleja más de lo andino pero recoge rockero/jazzero que se refleja a lo largo de los 13 temas del disco. Asimismo, podemos apreciar temas influídos por la música folklórica de otros países, "Danza Celta 2" y "Shamballa, por ejemplo, son tributos a la música celta y de medio oriente respectivamente. Otra particularidad del disco es aumento de temas vocales, particularidad que ha ido en aumento desde el primer disco, en esta producción podemos apreciar que los temas instrumentales y cantados se intercalan.
7. "Anno Domini High Definition" de Riverside: La banda polaca de Mariusz Duda y compañía retornan luego del genial "Second Life Syndrome" con un disco algo más pesado que anteriores entregas de la banda, temas mucho más largos pero, no obstante con un vistuosismo más reseco y menos pulido por parte de los integrantes de la banda. La razón de la diferencia de este disco con los anteriores tres es porque esta producción está fuera de la trilogía Reality Dream, qu seguían una línea musical muy bien definida caracterizada por su intensidad progre metalera. Pero esto no quiere decir que la musicalidad de la banda haya decaído, tan solo se tomo un rumbo diferente. El disco es de muy buena calidad, riffs potentísimos y teclados que priman en muchas partes de estos temas son lo que resalto de esta gran producción.
6. "The Whirlwind" de Transatlantic: Tercer disco de estudio de esta súper banda conformada por Neal Morse (teclados y voz, ex Spock's Beard y con una fructífera carrera solista), Pete Trewavas (bajista de Marillion), Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings, Kaipa y The Tangent) y Mike Portnoy (virtuoso baterista de Dream Theater). Por su complicada agenda, solo han logrado hacer esta gran obra luego de nueve años desde su anrterior producción. El disco contiene tan solo un tema de 78 minutos partido en 12 movimientos (digna obra progresiva), donde podemos apreciar breves tributos a bandas setenteras como Genesis, ELP, Supertramp y algunas badas italianas de esa misma década... Un hermoso trabajo y un dulce placer para los amantes del progre de todos los tiempos.
5. "Sing Along Songs for the Damned & Delirious" de Diablo Swing Orchestra: Después del "Butcher's Ballroom", gran disco debut de esta banda sueca de avant-garde metal, DSO lanza su segunda producción discográfica siguendo la línea de su antecesora, pero esta vez con muchas más mezclas de metal, swing, big band jazz y hasta trompetas mexicanas. Lo cierto es que este disco es mucho más solido que el primero, la propuesta de la banda de combinar sonidos fuertes y absurdos para dar esa atmósfera escalofriante y tenebrosa se cumple de extraordinaria manera y nos muestra un sonido único y diferente no apto para oídos conservadores.
4. "Ëmëhntëhtt-Ré" de Magma: Tercer y último disco de la trilogía Kohntarkosz, en este se cuenta la historia de Ëmëhntëhtt-Ré, un faraón egipcio que busca de la inmortalidad por medio de un viaje espiritual. Este disco viene a ser una precuela de los anteriores dos (Kohntarkosz de 1974, y Kohntarkosz Anteria de 2004), donde la búsqueda de la inmortalidad continúa en las manos de Kohntarkosz luego de la lmuerte del faraón. En cuanto a lo musical, se podría decir que este disco es uno de los más digeribles de Magma a pesar de su idioma inentendible y densa musicalidad, hasta me podría aventurar a decir que es el mejor disco de la mencionada trilogía y un regreso triunfal (luego de 5 años) por parte de Vander y su ambigua banda.
3. "Part the Second" of maudlin of the Well: Cuarto disco de esta genial banda post-rock/metal que, curiosamente, fue financiado por donaciones de los fanáticos y luego lanzado gratuitamente en internet. Las personas que donaron antes del lanzamiento del álbum fueron considerados como productores ejecutivos. Luego de los dos grandes disco lanzados en el 2001 (Bath y Leaving Your Body Map), la banda nos muestra una música mucho más calmada, sin tantos toques de metal vanguardista e inclinándose más por el post-rock. Los anteriores trabajos que la banda hizo en Kayo Dot, también quedan rezagados y se apoyan más en los instrumentos de cuerdas, así, podemos escuchar violines y cellos. Un muy buen regreso para esta banda que muchos creían perdida en el tiempo.
2. "Merriweather Post Pavillion" de Animal Collective: Octavo disco de estudio de esta banda reiteradamente mencionada en este blog, donde la electrónica, la psicodelia y la experimentación son sus principales armas. Este disco en especial se caracteriza por la falta de un elemento clava: la guitarra. Deakin, uno de los 4 miembros de la banda decidió separarse momentáneamente, lo cual hizo que los otros 3 aspiraran a alcanzar nuevos horizontes donde los samplers se convirtieron en su principal instrumento. El resultado fue un trabajo muy profesional (a pesar de que yo no sea muy entusiasta con los sampleos), la falta de Deakin no se hizo sentir y hasta podría decirse que es el disco más completo de la banda y, para muchos, el mejor.
1. "The Underfall Yard" de Big Big Train: DIS-CO-TE de esta gran banda inglesa que le da un 'revival' al rock progresivo de años dorados. El vocalista de la banda, David Longdon, merece una mención especial por ser el flamante reemplazo de Phil Collins en Genesis desde el año 1996 hasta su retorno, su voz 'gabrielesca' lo hizo merecedor de tal honor. A él, se le suma Nick D'Virgilio, baterista de Spock's Beard y también de Genesis en la época del ingreso de Longdon. Asimismo, completan la banda Gregory Spawton en guitarra y Andy Poole en bajo y teclados. El concepto del disco explora diversos temas acaecidos en la Inglaterra de inicios del siglo XX y de la era victoriana, pero lo más interesante del disco es sin duda su instrumentación: citaras, trombones, cellos, tubas, cornetas y trompas hacen que este disco se vuelva tan intenso y relevante para su época. Su tema instrumental e introductorio y los 5 temas restantes que no bajan de los 6 minutos de duración nos envuelven en una atmósfera de clamor y mesura única, que no he escuchado antes en una obra de gran aliento como esta que sin duda, es un gran indicio de que el rock progresivo todavía vive.
Con la explosión del minuto 2:30 y el coda, confirmé que este tema es una obra maestra:
Uno de los discos olvidados de los noventas (o al menos en esta parte del mundo), Jeff Buckley nos suena pero nunca lo hemos escuchado, esa era mi idea de este gran cantautor hace un par de años, pero cuando al fin me di la oportunidad de escucharlo me dije mi mismo que estupido fui al no darle su merecido tiempo.
Hijo del conocido músico de folk y rock experimental Tim Buckley, Jeff hizo facto el dicho de tal palo tal astilla al inspirarse de gran manera de la música de su padre, el folk y un gran número de bandas de los setentas.
Grace es un disco que fue muy poco valorado en su época y poco a poco fue tomando renombre y llegó a ser un disco de culto debido a la muerte de Jeff en el 97, pero descartando a los oportunistas se pueden encontrar verdaderos fanáticos de su música, unos temas muy folk y oros muy hard rock, Buckley combina diversos estilos sin caer o ser calificado como un amateur, él sabe lo que hace y lo hace muy bien, coros muy pegajosos, arreglos muy profesionales y sobre todo lo que más cautiva es la letra y la voz de Jeff, esos falsettos únicos y ese tono que por momentos es un Freddie Mercury, por otros un Robert Plant, en ocasiones un Peter Gabriel y en el mejor de los casos un Tim Buckley.
El comienzo del disco en crescendo, la mágica "Mojo Pin" perfecta para comenzar, extremadamente tranquila y relajante en su intro, la voz de Buckley comienza a ser más prominente y estalla con sus gritos. El disco esta repleto de temas que hoy están considerados como reliquias de culto en de la música alternativa, la genial "Grace" fue el primer single del disco, un temazo sin precedentes. la maravillosa "Last Goodbye" (que ha sido tocada como cover por varias bandas y solistas) uno de los mejores temas del disco que utiliza instrumentos de curda clásicos como apoyo y la voz de Buckley se hace tan intensa que le da un plus al tema.
El tema más folk del disco y tal vez el más conocido por la gente que no esta familiarizada con la música de Buckley es "Hallelujah", cover de Leonard Cohen del cual Jeff Buckley se declaró fanático, está conocidísima canción llegó a ser más famosa de lo que era gracias a esta versión que ahora es utilizada en decenas de series o comerciales de TV. Simplemente una guitarra y la voz de Buckley fueron necesarias para la cración de este tema.
Recomendadísimo disco para el que quiera escuchar lo mejor de la decada de los noventas y del rock alternativo, para el que quiera culturizar sus oídos escuchando a un músico no tan comercial, de ninguna manera se van a decepcionar.
Una vez más volvemos al rock progresivo italiano, esta vez mostraremos otra banda poco conocida. "Celeste" es una banda ultra rara, las pocas personas que han logrado apreciarla podrán dar razón en que no se caracteriza por compartir el virtuosismo o las intrincadas composiciones que sus congéneres paisanos tenían (llámese bandas como PFM o Banco del Mutuo Soccorso). Esta banda se caracterizaba más por sus hermosos y melódicos pasajes, muchos de ellos acústicos influenciados no por la 'tarantella' pueblerina, sino por el sofisticado neoclasicismo italiano de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.
El siguiente tema es un 'bello pezzo di canzone' dividido en tres claros pasajes: el primero, muy influenciado por la música docta, una introducción que me recuerda al épico intermezzo de "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni compuesta a finales del siglo XIX; el segundo, predominado por los sonidos acústicos, guitarra y flauta traversa acompañan perfectamente a la voz; y el tercero, un buen pasaje instrumental con flauta, piano, mellotron, guitarra acústica y, por supuesto, un sorprendente saxo que se lleva de encuentro a los demás instrumentos. ¡DISFRÚTENLO!
Principe Di Un Giorno
Principe di un giorno
cerchi un prato a riposare sogni
saggio l'uomo in bianco
che t'indica la via verso
regni senza fini
dove il vento non essiste piú
Suddito tuo amico un cavallo che
bacia ora l'altra terra abbandonata te
lago e steli cambia il color
salgono cori verso te
Chiara luce templi verdi
porta al fondo te.
Trono veroin acque pure chiama giusto re.
Raggiungi il tuo castello, voltati
adesso sei, spechiatti.
Príncipe de un Día
Príncipe por un día
busca un prado para resposar sueños
sabio hombre de blanco
que te indica que el camino a través de
reinos sin final
donde el viento ya no existe más.
Sujeto tu amigo a un caballo que
besa ahora otra tierra abandonada
Lago y tallos, cambia el color
coro creciente hacia tí.
Claras luces de templos verdes
te lleva a la parte inferior.
Trono verdadero en aguas puras llama al justo rey
Alcanzar tu castillo, da la vuelta
eres ahora, espejo.
Aquí la hermosa obra de Pietro Mascagni, conducida por el maestro Lim-Kek Tjiang, y la influencia que el compositor italiano tuvo en la banda:
A Tom Waits se le puede considerar como uno de los músicos más versátiles que hayan pisado el planeta, su música va desde el jazz a lo experimental, y con su inigualable voz ronca crea de por sí un estilo muy personal.
Su música, alejada por completo de lo comercial, pero aun así con grandes reconocimientos en cuanto a la crítica se refiere, comenzó a flirtear con la experimentación precisamente a mediados de los ochentas, cuando se sentía decepcionado de la música de ese tiempo, saturada con el uso del sintetizador, donde muchos músicos dependían totalmente de ello convirtiéndolos en artistas mediocres.
La respuesta de Waits ante el sonido electrónico de la época fue en su anterior disco llamado "Swordfishtrombones" de 1983, pero llego a ser un manifiesto con "Rain Dogs" en 1985, estas propuestas musicales abandonan el uso del sintetizador y los efectos de doblaje de los estudios para llenar la musicalización con una gran gama de instrumentos "organicos" (y los llamo así por ser la contraparte de electrónicos) que, además de las básicas guitarras, bajos y baterías, utiliza acordeones, trompetas, trombones, tubas, contrabajos y demás.
Éste tipo de experimentación no-electrónica no se hacía desde los tiempos en que Bob Dylan se volvió rock-star, después de estó las demás bandas han creado nuevos sonidos con una pequeña ayuda de sonidos electrónicos, pero como afirmaba Waits, a inicios de los ochentas ya se había llegado al exceso.
"Rain Dogs" llega a ser chocante si no se conoce mucho de la carrera musical de Waits (que se extiende desde 1973), con influencias de jazz, blues y folk, éste cantautor crea un rock tan matizado que cada una de las canciones de éste álbum llega a representar cada una de sus etapas musicales, por ello muchos críticos entran en un dilema en encasillar a éste disco en un género o estilo musical: "Time" es una suave balada folk, "Union Square" parece un rockabilly cincuentero, "Anywhere I Lay My Head" es un gospel apasionado, "Walking Spanish" parece un jazz-impro de Louis Armstrong y "Cementery Polka" parece la más extraña canción circense.
No entreré a detallar los temas del disco, como ya dije es una producción sin género definido, pero aún así es uno de los mejores trabajos musicales de los ochentas, un disco fuera de época que se enfrentó sin miedo al mainstream y logró ganar varios seguidores.
"Rain Dogs" es un álbum de vanguardia por excelencia, representa la escencia musical de Tom Waits y lo lleva al clímax de su carrera artística. Hoy en día se le consiera como uno de los músicos mas importantes del siglo XX, y no es para exagerar. Músicos como Bob Seeger, Tori Amoss y hasta la hermosísima Scarlett Johanson, en su disco debut, han hecho sendos covers de las canciones de éste álbum y toman a Waits como gran influencia en su música. Sorprendente disco y recomendadísimo para cualquier melómano que desee adentrarse a la música experimental.
El año 2008 fue un año musicalmente bajo en relación al contundente 2005 o al estupendo 2000, y en general a comparación de otros, fue un año muy experimental. Desde el avant-garde jazz, el post rock, el trip-hop y hasta el indie folk, hubo una exquisita variedad de bandas, sobre todo nuevas o que empezaban a hacerse conocidas (MGMT, Fleet Foxes, Il Bacio Della Medusa y Deerhunter, por ejemplo). Igualmente, bandas ya mencionadas en estas listas lanzaron sus respectivos discos que no serán obviados en lo mejor de este año, sin embargo, el 2008 también será recordado como el año de los grandes retornos, que nos dicen que 11 años no fueron esperados en vano. ¿A ver si adivinas cuál fue?
10. "Oracular Spectacular" de MGMT: Una banda muy carismática que combina el rock alternativo noventero británico y new wave con toques bien marcados en la psicodelia. Este fue un disco que sonó en todas partes del mundo con canciones como "Time To Pretend", "Kids" y "Electric Feels", respectivos singles de la producción discográfica. A pesar de ser el primer disco de MGMT, este reboza de personalidad y sonoridad muy peculiar, y a pesar de ser un lanzamiento en extremo comercial (y casi en contra de lo que tratamos de mostrar en este blog de música un poco más desconocida), vale la pena que esté metido de lleno en esta lista por su sonido casi único.
9. "Un Mañana" de Luis Alberto Spinetta: Una de las mejores obras actuales del 'flaco' Spinetta, hoy por hoy, un endiosado músico de culto, tan introspectivo como nadie de su generación (y de la actual). Este disco fue para mí el verdadero retorno de L.A., si bien sus dos producciones discográficas anteriores "Para los Árboles" (2003) y "Pan" (2005) eran aceptables y para nada malas, se sentía que les falaba 'algo más', y eso 'algo más' apareció en "Un Mañana", estupendo disco con la voz del flaco como en sus años mozos, un sonido muy bien depurado que nos hace acordar a esa exquisita música que hacía en los ochentas e inicios de los noventas, esa música que podías poner de fondo en una amena y tranquila reunión sin nuca aburrirte y maravillarte a la vez.
8. "Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante" de Il Bacio Della Medusa: El beso de la medusa, una banda que he escuchado hace poco y no le tuve muchas esperanzas por ser un disco casi desfasado, fuera de la gloriosa época del rock progresivo italiano. Sin embargo, me calló la boca al escuchar la impecabilidad de su música, rememorando bandas como Metamorfosi o Quella Vecchia Locanda, donde el uso de la música sinfónica es muy marcada. No obstante, la banda también opta usualmente por la música eléctrica con muy buenos solos de guitarra, cambios de ritmo y progresiones hechas por evidentes músicos profesionales. El disco conceptual está basado en la historia de Paolo y Francesca, personajes de La Divina Comedia de Dante Alighieri, donde el amante desciende al inframundo para rescatar a su amada acompañado por una fiel música que retrata la conjugación entre el amor y la muerte.
7. "Watershed" de Opeth: Noveno disco de estudio de la banda emblema del death metal progre, en esta ocasión con una integración renovada con el baterista Martin Axenrot y el guitarista Fredrik Åkesson, y confirma una vez más por su apego al metal progre de bandas como Dream Theater o Porcupine Tree, el death metal que la banda adoptó en sus inicios hace ya más de 15 años, ha sufrido grandes modificaciones para convertirse en un tipo de música más profesional, mucho mejor trabajada y limpia, y aunque muchos fanáticos hayan objetado su cambio de estilo, es un hecho que esta banda sueca aspira a mucho más. OJO QUE LANZAN OTRO DISCO ESTE AÑO.
6. "Fleet Foxes" de Fleet Foxes: Una banda muy peculiar de indie folk (aunque a veces más folk que rockero), muy influenciada por bandas pop de fines de los sesentas como The Byrds y The Beach Boys llegando a asimilar su música con el denominado 'pop barroco'. Este fue el primer disco de la banda de Seattle y una de las cosas que más destaca de la producción es la armonía vocal (una constante en todos los temas del disco), las piezas acústicas y, sin lugar a dudas, la estupenda letra. En fin, tres puntos claves para que un disco con un estilo poco común merezca ser escuchado.
5. "The Bedlam In Goliath" de The Mars Volta: Cuarta producción discográfica del dúo rockero experimental de sangre latina y, sin duda, el disco más fuerte de los Volta. El disco fue injustamente obviado y es necesario reconocer el talento de Omar Rodríguez y Cedric Bixler en su esfuerzo por seguir estando al tope de la escena vanguardista. La única diferencia marcada de este disco con los tres anteriores de los banda es que no tiene los cambios bruscos de suave a fuerte o lento a rápido, sino que sigue una linea recta: fuerte y rápida. Riffs estridentes en una guitarra más loca que nunca, sonidos que nos hace difícil pensar que salen de una simple guitarra eléctrica. (?) WTF.
4. "Lucifer: The Book of Angels Vol. 10" de Bar Kokhba: Hablamos hace algunas semanas de Electric Masada, una de las bandas de John Zorn, un estupendo saxofonista de avant-garde jazz. Bueno, Bar Kokhba es otro de sus experimentos y para nada fallidos. Esta vez deja de lado el estilo eléctrico y opta por música más 'oriental' (por así decirlo), el sonido de Bar Kokhba (también llamado Bar Kokhba Sextet) rememora al mundo árabe e hindú sin alejarse del sello personal de Zorn. Al igual que Electric Masada, Bar Kokhba toma prestadas canciones de los libros de Masada y les da una vuelta a la tuerca para que suenen así de bien.
3."Microcastle" de Deerhunter: Una banda que sorprendió para ese año con su mezcla de art-punk, rock experimental y pizcas de post-rock. Deerhunter en sí es considerada una banda indie, esta fue su primera producción discográfica y podremos apreciar en la primera mitad del disco canciones suaves y vistosas, con buen ritmo, simples pero buenas, en la segunda mitad del disco comienza la experimentación, una mezcla de influencias entre Sonic Youth y The Clash. El álbum es buenísimo y por lo poco difundido que ha llegado a ser fue un gran descubrimiento personal del 2008, sin embargo le falto más actitud para ser el mejor disco del año.
2. "Með Suð I Eyrum Við Spilum Endalaust" de Sigur Rós: Traducido al español como "Con un zumbido en nuestros oidos jugamos eternamente", Sigur Rós es una banda que no deja de sorprenderme, aunque hay gente que dice que esta fue su producción más pobre desde el "Von", no voy a decir que es falso pero igual este disco contiene la misma gran atmósfera de los demás discos y también esos temas que nos llevan a lugares donde solo la mente puede ir . La diferencia de este disco con los demás es que contiene en su mayoría temas acústicos y en cierta medida temas más accesibles y sencillos, o sea, más pop. Pero a pesar de todo igualmente siguen siendo esos chicos del país de las maravillas que exporta músicos de primera categoría, siguen siendo Sigur Rós.
1. "Third" de Portishead: Sin duda la mayor sorpresa del año fue el retorno de Portishead al mundo musical después de 11 largos años, tal vez muchos pensaron que no sonaría igual que en tiempos del 'Dummy', pero la voz de Beth Gibbons sigue igual de intacta. El gran plus de este disco en comparación con las anteriores producciones de la banda es la manera en que está construído, los sintetizadores y guitarras se mezclan y crean un sonido peculiar, un sonido que hace mucho no escuchabamos, el trip-hop vuelve a la vida en su forma más pura. Y a lo mejor no pura, sino un trip-hop radical, totalmente desnudo que hasta se le pueden ver las entrañas, muy difícil de digerir en un comienzo pero cuando ya te acostumbras te das cuenta que es una magnifica producción de este trio británico, 11 años no pasan en vano y confirmamos que las mejores bandas no se oxidan.
Llegó el mes de abril y no encuentro mejor forma de celebrarlo que con este temón de una de las bandas más pros de los 70. Recuerdo que una vez le preguntaron a Yngwie Malsteem cuál era mejor banda Led Zappelin o Black Sabath, y luego de unos breves segundos respondió con contundencia: Deep Purple. Para serles francos nunca hubiera pensado lo mismo que Yngwie si no habría escuchado "April", para mí, la mejor canción del púrpura profundo. Un tema fatalista acerca de este mes, nublado y solitario, triste pero hermoso a la vez, según lo describen.
Sin embargo, la letra pasa a segundo plano ya que este se enfoca en tres movimientos claves y muy distintos: el primero, acústico; el segundo, sinfónico; y el tercero, eléctrico. Una gran variedad de instrumentos de los cuales nos podemos extasiar. Si no la han escuchado, prepárense para unos 12 minutos intensos... ah si, son 12 minutos y es al minuto 8 cuando Rod Evans se digna a cantar... PACIENCIA ANTE TODO que no se van a defraudar. Viva abril.
"April"
April is a cruel time
Even though the sun may shine
And world looks in the shade as it slowly comes away
Still falls the April rain
And the valley's filled with pain
And you can't tell me quite why
As I look up to the grey sky
Where it should be blue
Grey sky where I should see you
Ask why, why it should be so
I'll cry, say that I don't know
Maybe once in a while I'll forget and I'll smile
But then the feeling comes again of an April without end
Of an April lonely as they come
In the dark of my mind I can see all too fine
But there is nothing to be done when I just can't feel the sun
And the springtime's the season of the night
Grey sky, where it should be blue
Grey sky, where I should see you
Ask why, why it should be so
I'll cry, say that I don't know
I don't know
"Abril"
Abril es un tiempo cruel
pero aún así el sol puede brillar
y el mundo mira la sombra como si esta lentamente se fuera
aún cae la lluvia del abril
y el valle lleno de dolor
pero no puedes decirme bien por qué
mientras miro hacia el cielo gris
donde debería estar azul
cielo gris, donde debería verte
preguntar por qué, por qué deberia ser tan...
gritaré, decir que no sé
Tal vez de vez en cuando olvidaré y sonreiré
pero luego el sentimiento vuelve de un nuevo abril sin final
de un abril solitario como viene
en la oscuridad de mi mente puedo ver todo claro
pero no hay nada que hacer cuando no puedo sentir el sol
La historia de Paul McCartney en Lima ya parecía la fábula de Juanito y el lobo. Por lo menos, los productores de conciertos en Lima nos habían engañado con ese cuento un par de veces y con la última noticia que salió hace tres días sobre otro posible concierto del ex beatle, ya me pareció un descaro total. Sin embargo, parece que Juanito esta vez dijo la verdad.
Paul McCartney 'SI' viene a Lima. Por primera vez en la pobre historia conciertera de nuestro país (que en los últimos cuatro años se está dejando respetar), vendrá un beatle a tocar en vivo. La noticia ya está repercutiendo en fanáticos, no tan fanáticos y poseros musicales de todas las edades, pero lo cierto es que es una cita imperdible e quizá irrepetible. Pero ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Cómo? ¿Por qué? y, sobre todo, ¿cuánto es?
La cita es el lunes 9 de mayo (si, para joda primer día de la jodida semana) en el Estadio Monumental (ojo, no explanada). Así que preparen carpas porque van a haber por lo menos 40 mil personas alrededor del coloso universitario. Lo único que se sabe de los precios de las entrada es que la más barata estará alrededor de los 75$ así que hay que ahorrar muchachos y muchachas porque faltan menos de dos meses.
Mientras tanto y para calmar la angustia un videíto del maestro:
Una de las más emblemáticas canciones de la corriente psicodélica en San Francisco. Jefferson Airplane fue una banda de grueso calibre y con su disco de 1967 "Surrealistic Pillow" dieron vuelta y media el globo con sus temas que evocaban a la juventud, el amor y, sobre todo, a las drogas. El tema que representa mejor esa tendencia a evocar las 'sustancias psicotrópicas' es precisamente "White Rabbit", haciendo una impecable metáfora con el cuento de "Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll.
El tema fue escrito por Grace Slick (una de las mejores mujeres rockeras que han existido) allá en el año 65, cuando todavía no formaba parte de la banda. Fue recién con el "Surrealistic..." que se instrumentó y fue lanzado obteniendo un enorme éxito.
Me parece que el nombre del top 10 lo dice todo referente a este, salvo que considero que los grupos a los que pertenecen son de gran calidad y que están ubicadas del 1 al 10 por agresividad y no por que considere que alguna o grupo al que pertenezca alguna de estas mujeres sea mejor que los otros del top, ya que casi todas pertenecen a estilos diferentes.
N° 10 Mary Elizabeth McGlynn
Mary Elizabeth McGlynn participa en los soundtracks del juego Silent Hill, este juego es muy exitoso, no solo por sus tramas, también por su excelente música, compuesta por Akira Yamaoka, Mary participa como vocalista y también escribiendo letras de algunos temas, La combinación de Mary y Akira da como resultado unos temas oscuros y tristes, la música de Silent Hill es simplemente única.
N° 9 Anza Ōyama
Anza comenzó su carrera como ídolo pop adolescente en diversos grupos, Luego se retiró de esas payasadas y decidió intentar carrera como solista, En el proceso Anza conoció a un guitarrista Hiro, junto con él y Mar, hermano de Hiro, formaron la banda de Nu Metal Deep Blue. Luego consiguieron a Kawady el bajista y al baterista Okaji, después consiguieron lanzar su primer single, "Escapism" en el año 2000, justo antes de cambiar el nombre de la banda por Headphones President.
N° 8 Christina Scabbia
La vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), Su registro vocal es muy aterciopelado y fuerte, Figura en el puesto 94 dentro del listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.
N° 7 Courtney Love
Courtney Love fue miembro fundador de Hole, banda de grunge, durante sus dos primeros discos “Pretty on the inside”(recontra asado, perdónalos payashito!!!) y “Live Through This” (sin duda su más grande pieza discográfica), luego vino un tercer disco Celebrity Skin (el fresita de la discografía), el cual no resulto y termino por causar la separación de la banda, el 27 de abril del año pasado, después de 12 años Hole lanza su cuarto álbum de estudio, "Nobody's Daughter", el se empezó a desarrollar durante la estadía de Love en un el centro de rehabilitación por haber violado su libertad condicional por tenencia de drogas legales en setiembre del 2005, Love se encontraba en una completa depresión, gracias a la ayuda de Linda Perry a cargo de la producción y Billy Corgan como guitarrista y arreglador (tengo q corroborar esto!!!, ya que aún no escucho este disco), y a otros músicos. Sea como sea, tengo fe en en el cuarto disco de Hole y cualquier otro disco que provenga de algunas experiencias desastrosas, el Grunge está volviendo, Hole, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, nunca murió…chacky se pasan!!!
N° 6 Crucified Barbara
Crucified Barbara es un grupo Sueco formado por mujeres, su sonido es una acertada combinación entre Hard Rock y Metal, en mi opinión es el grupo de mejor sonido de este top 10, aunque en realidad la diversidad de estilos de este top no permite hacer una comparación que tenga sentido respecto al sonido. Crucified Barbara está formado por Mia Coldheart (guitarra solista y voz), Klara Force (guitarra y coros), Ida Evileye (bajo y coros) y Nicki Wicked (batería y coros), si solo vas a ver uno de los videos que sea este.
N°5 Jada Koren Pinkett Smith
Actriz casada con el famoso actor Will Smith, ha participado en varias películas, algunas de las más reconocidas fueron la saga de Matrix, Collateral, Kingdoom Come, Reign Over Me Madagascar, World Ablaze y Ali, Jada es la vocalista de la banda de Nu Metal 'Wicked Wisdom'.
N° 4 Agnete Maria Kjolsrud
Agnete Maria Kjolsrud, actualmente vocalista del grupo Djerv , perteneció anteriormente al grupo noruego Animal Alpha, grupo de metal que lastimosamente decidió separarse, este grupo se caracterizaba por el look de haber salido de alguna alguna cinta de cine fumado y tener una gran energía en sus temas (recomiendo el disco "Pheromones"), este grupo me atrajo al comienzo porque me recordaba un poco a Mars Volta. Desconozco el trabajo de Agnente en Djerv, pero francamente dudo que pueda ser algo tan bueno como lo que fue Animal Alpha.
N° 3 Drain STH
Drain STH es una banda Sueca de Metal formada por cuatro mujeres, María Sjöholm (Voz), Flavia Canel (Guitarra), Anna Kjellberg (Bajo), Martina Axén (Batería), El sonido de Drain podría calificarse de crudo y tenebroso, además tiene cierto parecido con Alice in Chains , Drain se escribe con “STH” por Estocolmo (Stockholm), capital de Suecia.
N°2 Alissa White-Gluz
Alissa White-Gluz cantautora de The Agonist, banda canadiense de Death Metal Melódico, además de ser una de las pocas mujeres que usan voces guturales como su estilo principal de canto, tiene la cualidad de cambiar radicalmente a una voz melódica sin dificultad. Siendo ella una amante de los animales, trabaja activamente con PETA, También pertenece al movimiento Straight Edge y lleva una vida vegana, quizás por todo esto no parece tan asada, pero cuando escuches algún tema de The Agonist, sabrás por qué tiene el segundo puesto.
N°1 Angela Nathalie Gossow
Segunda vocalista de Arch Enemy, banda alemana de Death Metal, se describe a sí misma como una persona ambivalente que ama lo extremo y quien gozó de una niñez salvaje y maravillosa, en sus propias palabras: «disgustar perfectamente a mis altamente cristianos padres».
El año 2000, Arch Enemy estaba buscando un vocalista para reemplazar a Johan Liiva, por lo que preguntaron a Gossow si estaría interesada en audicionar para la banda, ellos ya conocían la calidad de la voz gutural de Gossow gracias a un demo que ella les entrego en una entrevista cuando trabajaba para una revista de música en línea que abarcaba el rock y el metal, Angela contesto a la propuesta de audición con un rotundo: "¡FUCK YES!".
