Cuarto Arte

Mejores discos del 2010: Lo mejor de la década (Última Parte)

2012-01-17T00:08:00.001-05:00

Para ser francos, el 2010 fue un buen año para despedir una década repleta de conjunciones musicales como no se ha visto en ninguna otra década en la historia de la música popular. Unos diez años que, por cierto, no estuvieron muy definidos a qué rumbo se dirigían y no hubo un género musical que se llevó por encuentro a los demás. Revivals por doquier y experimentaciones muy creativas completaron lo que fue la década pasada. De todas maneras, en la lista a continuación podemos ver un cierto tipo de unificación de estilos (salvo algunas excepciones): de Sun Kil Moon a Joanna Newson a Beach House a Sufjan Stevens a The National a Arcade Fire a Deerhunter... en fin, una vez más les presento, a mi humilde parecer, los mejores discos del 2010.

Descarga

10. "Halcyon Digest" de Deerhunter: El cuarto álbum de estudio de esta banda estadounidense que sorprendió con su anterior producción, "Microcastle", disco revelación del 2008. De todas maneras, el disco no llega a ser tan sorprendente como su antecesor, pero sigue reviviendo estilos como el shoegaze y el noise rock. Bradford Cox (guitarra y voces) dijo que el concepto del disco está basado en experiencias vividas e inventadas. "Supone ser una colección de viejos despachos (...), tiene mucho que ver con la manera en que las personas romantizan el pasado, por más horrorífico que este haya sido", mencionó.

Descarga

9. "Teen Dream" de Beach House: El dúo dream pop conformado por la francesa Victoria Legrand y el estadounidense Alex Scally dieron el gran salto con esta, su tercera producción discográfica, muy bien recibida por la crítica y la audiencia. La diferencia de esté disco con los anteriores de la banda es que tiene menos efectos tanto de voz como instrumental, sin embargo, fue la producción en donde más dinero se invirtió. De todas maneras la inversión se convirtió en ganancia, ya que hasta el momento ha sido el disco más vendido del dúo y en donde se aprecia un gran profesionalismo en la inigualable voz de Legrand y el ingenio musical de Scally.

Descarga

8. "Admiral Fell Promises" de Sun Kil Moon: Sun Kil Moon es un proyecto musical de cantautor Mark Kozelek, conocido anteriormente por su banda Red House Painters. En este proyecto, Mark explora y acapara la escritura, composición y voces de todos los temas. Sin embargo, este no es un proyecto solitario, Kozelek es acompañado por bajo, guitarra y batería, aunque existe un gran número de canciones donde el cantautor simplemente toca su guitarra y canta. "Admiral Fell Promises" es un ejemplo de ello, Kolazek está solo con su guitarra acústica a lo largo de los 10 temas del disco, unos temas hermosos en lírica y sentimiento.

Descarga

7. "Brothers" de The Black Keys: Sexto disco de estudio del dúo blues rockero original de Ohio. La producción del disco se realizó en medio de conflictos debido al trabajo solista de Dan Auerbach (vocalista y guitarrista) y los problemas matrimoniales de Patrick Carney (baterista y productor de la banda) que terminaron en divorcio. De todas maneras, el dúo se reunió para hacer un trabajo que reflejaba la larga amistad entre ambos, bautizando de esta manera al disco con el nombre de "Brothers", un título que resumía el reinicio de una fuerte relación. Este álbum gozó a su vez de una inmensa creatividad por el hecho de haber sido grabados los 16 temas del disco en tan solo 10 días con un sonido totalmente fresco, haciendo que esta sea una de las mejores producciones de la banda hasta el momento.

Descarga

6. "The Social Network - BSO" de Trent Reznor y Atticus Ross: Uno de los mejores BSO de los últimos años. La popular película dirigida por David Fincher tuvo un toque macabro/oscuro con la música creada por el genio Trent Reznor (Nine Inch Nails) y Atticus Ross (reconocido programador, productor y remixeador británico). La inigualable atmósfera creada para el filme contiene sonidos industriales y ambientales con el toque personal de Reznor, una música que si bien no es común en filmes comerciales, encapsula perfectamente las atmósferas de las escenas y la visión de los personajes. La producción ganó múltiples premios (incluyendo un Óscar al mejor banda sonora). Ahora solo queda esperar el próximo trabajo de este estupendo dúo en el BSO del filme "The Girl with the Dragon Tattoo".

Descarga

5. "Il Tempio Delle Clessidre" de Il Tempio Delle Clessidre: Hermoso disco que homenajea al prog italiano de los 70 y cuenta entre sus filas a una leyenda de este estilo musical que casi se pierde en el tiempo. Stefano "Lupo" Galifi, vocalista de la banda Museo Rosenbach en su histórico disco "Zarathustra" (1973), fue invitado por la banda para hacer la voz en algunos conciertos. Pronto, fueron escribiendo temas inspirados en el rock clásico de la península itálica, tomando muy en cuenta la música de Museo Rosenbach y bautizando a la banda con el nombre de una de las canciones de la banda setentera. El resultado final fue un tributo al prog italiano pero con toques oscuros y alguna que otra influencia del rock escandinavo. Eso sí, la voz de Galifi sigue intacta.

Descarga

4. "Have One On Me" de Joanna Newsom: Tercer disco de estudio de la arpista, cantautora y hermosa Joanna Newsom. En esta ocasión ofreciendo un disco triple, una arriesgada propuesta pero finalmente bien recibida por sus seguidores. Newsom continúa con su hermosa lírica y arreglos orquestales, pero, a diferencia de su producción antecesora (el genial disco "Ys" del 2006), "Have One On Me" contiene temas con marcada inspiración del blues y el jazz, otros donde se pueden apreciar la presencia de guitarras eléctricas y hasta algunos donde el piano reemplaza al arpa como instrumento principal. Recomiendo escuchar el disco de corrido, 18 temas (algunos de larga duración) que abarcan poco más de dos horas de bella música folk.

Descarga

3. "The Age of Adz" de Sufjan Stevens: Sexto disco de estudio del cantautor nacido en Detroit, Michigan. En esta producción Sufjan retoma los trabajos de largo aliento luego de varios EPs y discos exploratorios lanzados entre 2006 y 2010. Lo cierto es que desde la obra maestra titulada"Illinois" del 2005, no se veía un trabajo conceptual por parte de Sufjan, pero, a diferencia de este, los elementos electrónicos toman un protagonismo importante conjunto con los arreglos orquestales. En una entrevista en el 2006, Stevens mencionó que ya se había cansado de las trompetas y banjos utilizados en gran parte de sus temas y en los años siguientes se dedicaría a experimentar con sonidos diferentes. El resultado final fue "Age of Adz! -leído Odds. El disco goza de infinidad de sonidos electrónicos y los explota al máximo en temas como 'Too Much', 'I Walked' o el monstruo de más de 25 minutos 'Impossible Soul', un ejemplo para que todos los fanárticos de Black Eyed Peas sepa lo que es mezclar de verdad.

Descarga

2. "High Violet" de The National: Quinto disco de estudio de esta muy buena banda de Cincinnati, Ohio. Algunos podrían considerar al "High Violet" cómo el hijo perfecto entre el "Alligator" (2006) y "The Boxer" (2007) -ambos discos mencionados en pasadas listas. Sin embargo, este es un disco más oscuro donde se habla mucho del sufrimiento, la tristeza, el temor y el amor. A una primera escuchada es imposible asimilar el gran trabajo y esfuerzo que la banda puso en la producción del disco, pero es una joyita de esas que no debe pasar desapercibida a pesar de ser un disco más tranquilo que sus antecesores pero con una energía envidiable por cualquier otra banda.

Descarga

1. "The Suburbs" de Arcade Fire: Capaz el lanzamiento más esperado del 2010 y no defraudó. El tercer disco de esta estupenda banda canadiense toma a los suburbios como tema principal ejemplificado en la cotidianeidad, las tristezas y alegrías de la vida suburbana enfocado, sobre todo, en la juventud. Win Butler describe el sonido de este disco como una mezcla de Depeche Mode y Neil Young, un estilo que no decae en los 16 temas del disco (su producción de más larga duración hasta el momento). Y es algo totalmente cierto, a pesar de las baladas, shoegaze, temas folk y toques de garage rock que contiene el disco, este no presenta bajones o momentos aburridos, un trabajo ciertamente difícil para cualquier agrupación. Sin duda esta fue una tremenda negación al imposible para los que pensaron que luego del "Funeral" (2004) y el "Neon Bible" (2007) podía haber un trabajo tan bueno como este.

2 décadas sin Freddie Mercury

2011-11-24T14:00:00.005-05:00

A 20 años del fallecimiento de uno de los pocos personajes que pueden catalogarse como leyendas del rock, es imposible pasar por desapercibida esta fecha de luto musical. Sin embargo, el líder de Queen hubiera deseado que celebremos su vida y no su muerte al ritmo de una 'Rapsodia Bohemia'.
Farrokh Bulsara (nombre real de Freddie Mercury), nace el 5 de setiembre de 1946 en la isla de Zanzibar (colonia británica en África). Sus estudios iniciales los realizaría en Bombay, India; donde a la edad de 12 años demuestra su talento para la música y recibe clases de coro y teatro hasta formar su primera banda "The Hectics".
En 1964, de regreso a su ciudad natal, estalla la revolución de Zanzibar y la familia Bunsara huye a Londres, donde el joven Freddie ingresa a la Ealing College of Art y se vuelve seguidor de una singular banda conformada por Brian May, Tim Staffel y Roger Taylor llamada "Smile". A ellos se les sumaría luego John Deacon en el bajo.

El fanatismo y talento de Freddie hizo que en 1971 este se uniera al grupo ante la inminente salida de Staffel. Su llegada produjo dos cambios sustanciales, el primero sería su apellido por el de Mercury, y el segundo sería el nombre de la banda por "Queen", una de las bandas de rock más influyentes de todos los tiempos.

La historia de Queen ya es harto conocida, con 14 discos de estudio que gozan de una amplia diversidad musical pero que mantienen la hermosa armonía vocal de Mercury, la banda se mantuvo en el tope de la escena musical, especialmente con el rotundo éxito de discos como "Sheer Heart Attack", "A Night at The Opera", "News Of The World" o el espectacular concierto en Wembley.

Por otro lado, la alocada pero secreta vida de Freddie se complicó en 1987 cuando fue diagnosticado de SIDA, enfermedad que reveló que padecía solo 2 días antes de su muerte el 24 de noviembre de 1991. Tenía tan solo 45 años.

El 20 de abril de 1992, se ofrece un último adiós a Freddie por medio de un concierto tributo en Wembley, lugar donde ofreció su mejor performance en vivo. 72 mil espectadores asistieron al recital de 6 horas donde decenas de mega estrellas musicales ofrecieron su tributo a uno de los más geniales maestros del rock.

Escrito por: Carlos Racchumi R.

5 temas "diferentes" de King Crimson

2011-10-03T22:14:00.001-05:00

Para un conocedor de la música de King Crimsom, con tan solo escuchar el nombre de esta mítica banda, se le vienen a la mente temas fuertes y con un increíble poder y energía, capaces de desbaratar mentes por su exquisito virtuosismo instrumental, temas como lo son, por ejemplo, la agresiva "21st Century Schizoid Man", la épìca "In the Court of the Crimson King", la extrañísima "Lark's Tongues in Aspic", o la poderosísima "Starless". Sin embargo, la mente de Robert Fripp no vuela y experimenta solamente en ese estilo musical, existe un lado de KC que no ha sido tan tomado en cuenta como debería, ese lado que también enamora, embruja y hasta hace soltar una lágrima por la mejilla. Un lado atípico que deja de lado el virtuosismo guitarrero eléctrico y apuesta por una simpleza desinhibidora muy introspectiva y cautivante, pero que, a pesar de todo, mantiene el sello personal e inconfundible de la banda carmesí.

"I Talk to the Wind"

Segundo tema del primer disco de la banda. "In the Court of the Crimson King" fue un hito para la historia del rock en general, pero contenía un tema diferente a los demás. "I Talk to the Wind" se caracteriza por su paz y serenidad, un contraste total con tema que le precede en el disco ("21st Century Schizoid Man"). El tema inicia con la flauta tocada por Ian McDonald que se convierte en el instrumento principal desatando solos y un coda exquisito. La letra fue escrita, al igual que en las demás canciones del álbum, por el genio de Peter Sinfield.

"Cadence & Cascade"

Tercer tema del disco "The Wake of Poseidon", segunda producción de la banda. Muchos se refieren a esta hermosa canción como una secuela de "I Talk to the Wind", ya que mantiene la flauta traversa como uno de los instrumentos principales, la letra también es escrita por Sinfield, pero el flautista en esta ocasión es Mel Collins, quien se volvió en un recurrente para Fripp en varios discos de la banda. Aunque el tema se apoya más en la percusión y teclados, a la mitad del tema fluye este genial instrumento de viento con un bello solo que luego acompaña hasta el final de la canción.

"Book of Saturday"

Del genial y alocado disco "Lark's Tongues in Aspic", nace este tema que contrasta totalmente con todos los demás de esta, la quinta producción discográfica de la banda. La guitarra de Fripp hace magia en esta tranquila canción junto con el violín de David Cross y la voz de John Wetton (estos dos últimos, nuevos integrantes de KC). A decir, nada más, solo cierren los ojos y escuchen.

"Matte Kudasai"

Otra época, otra banda. King Crimson de las décadas de los 80 y 90 se cracterizó por las innovaciones musicales de la banda y un increíble virtuosismo con Andy Belew, Tony Levin y Bill Brufford acompañando a Fripp, una superbanda que con el disco "Discipline" de 1981, renació luego de 6 años de descanso. "Matte Kudasai" es uno de los temas más queridos de la banda, en ella Belew simula el sonido d unas gaviotas con un slide de guitarra y ruega que "esperes, por favor". Simplemente hermoso.

"Islands"

Uno de los mejores temas de la banda en general, a pesar de su sonido y estilo diferente al prog ecléctico que presenta Fripp y compañía. El tema nace del disco homónimo de 1971, y es el track más largo del álbum (casi casi 12 minutazos). Esta sería también la última colaboración de Sinfield en un disco de KC, y la mejor despedida que este genio nos podría otorgar. En el tema priman los vientos y el piano, pero luego de un par de minutos el saxo se alza como el instrumento con más preminencia. La parte instrumental de la canción es increíblemente cautivante, el crescendo que se inicia en el minuto seis hasta el final del tema tiene una fuerza increíble que solo la música podría despertar en el alma de las personas (sono cursi pero que chucha, eso es lo que se siente en verdad).

¿Crees que me faltaron algunos? Comentar y compartir es lo mejor que puedes hacer ;)

Mejores discos del 2009: Lo mejor de la década (Parte X)

2011-09-19T00:13:00.002-05:00

El 2009 fue un gran año para nuevas bandas y reencuentros con el éxito para agrupaciones que se encontraban en breves hiatos. La escena musical poco comercial se caracterizó por un sonido mucho más agresivo, de ahí podemos importantes lanzamientos de bandas como Riverside, Mastodon, y el increíble regreso de la banda post-metal / experimental, Maudlin of the Well. Por otro lado, la obra más esperada del año por los seguidores de Christian Vander, fue la última parte de la trilogía de Kohntarkosz, la cuál fue aclamada por muchos como lo mejor de Magma en los últimos años. Otra obra muy particular fue la última producción de la banda de electrónica experimental, Animal Collective, reconocida por muchos fanáticos como el mejor disco de la agrupación hasta el momento. Pero hubo una banda 'gabrielesca' que pasó muchos años desapercibida y que corto las alas a cualquier producción que aspiraba a un primer lugar. Esta es, una vez más y en mi humilde opinión, los mejores discos del año 2009:

10. "Veckatimest" de Grizzly Bear: Tercer disco de estudio de esta banda de folk rock estadounidense, en esta oportunidad, el grupo integra a su música sonidos psicodélicos y se diferencia de sus dos previas producciones por flirtear con la complejidad y experimentación, la cuál fue gratamente valorada por los críticos. Aunque el grave hecho de que la versión no remasterizada del álbum se haya filtrado por internet semanas antes de su lanzamiento oficial, ello no perjudicó de que las ventas del disco hayan sido una catástrofe: alrededor de 33 mil copias fueron vendidas en tan solo su primera semana de lanzamiento, convirtiédolo en el mayor éxito comercial de la banda.

9. "Crack the Skye" de Mastodon: Cuarto disco de estudio de la banda de sludge metal con toques progresivos. "Crack the Skye" representa, al igual que los otros tres disco de la banda, un elemento clásico griego, los discos "Remission, "Leviathan" y "Blood Mountain", representan el fuego, agua y tierra respectivamente, lo que deja entrever que esta cuarta producción está dedicada al elemento del aire. Brann Dailor, baterista de la banda, mencionó también que el disco es una dedicatoria a su hermana, Skye Dailor, quien se suicidó a la temprana edad de 14 años, de ahí se prafrasea el nombre del disco, el cuál, según los integrantes de la banda, puede significar un sinnúmero de cosas.

8. "Mundos Bizarros" de Flor de Loto: La banda peruana de fusión regresa y traza nuevos horizontes con su tercera producción discográfica, esta vez con un nuevo flautista, Junior Pacora, con un estilo que se aleja más de lo andino pero recoge rockero/jazzero que se refleja a lo largo de los 13 temas del disco. Asimismo, podemos apreciar temas influídos por la música folklórica de otros países, "Danza Celta 2" y "Shamballa, por ejemplo, son tributos a la música celta y de medio oriente respectivamente. Otra particularidad del disco es aumento de temas vocales, particularidad que ha ido en aumento desde el primer disco, en esta producción podemos apreciar que los temas instrumentales y cantados se intercalan.

7. "Anno Domini High Definition" de Riverside: La banda polaca de Mariusz Duda y compañía retornan luego del genial "Second Life Syndrome" con un disco algo más pesado que anteriores entregas de la banda, temas mucho más largos pero, no obstante con un vistuosismo más reseco y menos pulido por parte de los integrantes de la banda. La razón de la diferencia de este disco con los anteriores tres es porque esta producción está fuera de la trilogía Reality Dream, qu seguían una línea musical muy bien definida caracterizada por su intensidad progre metalera. Pero esto no quiere decir que la musicalidad de la banda haya decaído, tan solo se tomo un rumbo diferente. El disco es de muy buena calidad, riffs potentísimos y teclados que priman en muchas partes de estos temas son lo que resalto de esta gran producción.

6. "The Whirlwind" de Transatlantic: Tercer disco de estudio de esta súper banda conformada por Neal Morse (teclados y voz, ex Spock's Beard y con una fructífera carrera solista), Pete Trewavas (bajista de Marillion), Roine Stolt (guitarrista de The Flower Kings, Kaipa y The Tangent) y Mike Portnoy (virtuoso baterista de Dream Theater). Por su complicada agenda, solo han logrado hacer esta gran obra luego de nueve años desde su anrterior producción. El disco contiene tan solo un tema de 78 minutos partido en 12 movimientos (digna obra progresiva), donde podemos apreciar breves tributos a bandas setenteras como Genesis, ELP, Supertramp y algunas badas italianas de esa misma década... Un hermoso trabajo y un dulce placer para los amantes del progre de todos los tiempos.

5. "Sing Along Songs for the Damned & Delirious" de Diablo Swing Orchestra: Después del "Butcher's Ballroom", gran disco debut de esta banda sueca de avant-garde metal, DSO lanza su segunda producción discográfica siguendo la línea de su antecesora, pero esta vez con muchas más mezclas de metal, swing, big band jazz y hasta trompetas mexicanas. Lo cierto es que este disco es mucho más solido que el primero, la propuesta de la banda de combinar sonidos fuertes y absurdos para dar esa atmósfera escalofriante y tenebrosa se cumple de extraordinaria manera y nos muestra un sonido único y diferente no apto para oídos conservadores.

4. "Ëmëhntëhtt-Ré" de Magma: Tercer y último disco de la trilogía Kohntarkosz, en este se cuenta la historia de Ëmëhntëhtt-Ré, un faraón egipcio que busca de la inmortalidad por medio de un viaje espiritual. Este disco viene a ser una precuela de los anteriores dos (Kohntarkosz de 1974, y Kohntarkosz Anteria de 2004), donde la búsqueda de la inmortalidad continúa en las manos de Kohntarkosz luego de la lmuerte del faraón. En cuanto a lo musical, se podría decir que este disco es uno de los más digeribles de Magma a pesar de su idioma inentendible y densa musicalidad, hasta me podría aventurar a decir que es el mejor disco de la mencionada trilogía y un regreso triunfal (luego de 5 años) por parte de Vander y su ambigua banda.

3. "Part the Second" of maudlin of the Well: Cuarto disco de esta genial banda post-rock/metal que, curiosamente, fue financiado por donaciones de los fanáticos y luego lanzado gratuitamente en internet. Las personas que donaron antes del lanzamiento del álbum fueron considerados como productores ejecutivos. Luego de los dos grandes disco lanzados en el 2001 (Bath y Leaving Your Body Map), la banda nos muestra una música mucho más calmada, sin tantos toques de metal vanguardista e inclinándose más por el post-rock. Los anteriores trabajos que la banda hizo en Kayo Dot, también quedan rezagados y se apoyan más en los instrumentos de cuerdas, así, podemos escuchar violines y cellos. Un muy buen regreso para esta banda que muchos creían perdida en el tiempo.

2. "Merriweather Post Pavillion" de Animal Collective: Octavo disco de estudio de esta banda reiteradamente mencionada en este blog, donde la electrónica, la psicodelia y la experimentación son sus principales armas. Este disco en especial se caracteriza por la falta de un elemento clava: la guitarra. Deakin, uno de los 4 miembros de la banda decidió separarse momentáneamente, lo cual hizo que los otros 3 aspiraran a alcanzar nuevos horizontes donde los samplers se convirtieron en su principal instrumento. El resultado fue un trabajo muy profesional (a pesar de que yo no sea muy entusiasta con los sampleos), la falta de Deakin no se hizo sentir y hasta podría decirse que es el disco más completo de la banda y, para muchos, el mejor.

1. "The Underfall Yard" de Big Big Train: DIS-CO-TE de esta gran banda inglesa que le da un 'revival' al rock progresivo de años dorados. El vocalista de la banda, David Longdon, merece una mención especial por ser el flamante reemplazo de Phil Collins en Genesis desde el año 1996 hasta su retorno, su voz 'gabrielesca' lo hizo merecedor de tal honor. A él, se le suma Nick D'Virgilio, baterista de Spock's Beard y también de Genesis en la época del ingreso de Longdon. Asimismo, completan la banda Gregory Spawton en guitarra y Andy Poole en bajo y teclados. El concepto del disco explora diversos temas acaecidos en la Inglaterra de inicios del siglo XX y de la era victoriana, pero lo más interesante del disco es sin duda su instrumentación: citaras, trombones, cellos, tubas, cornetas y trompas hacen que este disco se vuelva tan intenso y relevante para su época. Su tema instrumental e introductorio y los 5 temas restantes que no bajan de los 6 minutos de duración nos envuelven en una atmósfera de clamor y mesura única, que no he escuchado antes en una obra de gran aliento como esta que sin duda, es un gran indicio de que el rock progresivo todavía vive.

Con la explosión del minuto 2:30 y el coda, confirmé que este tema es una obra maestra:

Camel Never Let Go !

2011-07-28T17:44:00.003-05:00

Interpretacion de este genial tema ....nada mas que decir

"Grace" de Jeff Buckley

2011-07-23T13:19:00.000-05:00

Uno de los discos olvidados de los noventas (o al menos en esta parte del mundo), Jeff Buckley nos suena pero nunca lo hemos escuchado, esa era mi idea de este gran cantautor hace un par de años, pero cuando al fin me di la oportunidad de escucharlo me dije mi mismo que estupido fui al no darle su merecido tiempo.
Hijo del conocido músico de folk y rock experimental Tim Buckley, Jeff hizo facto el dicho de tal palo tal astilla al inspirarse de gran manera de la música de su padre, el folk y un gran número de bandas de los setentas.
Grace es un disco que fue muy poco valorado en su época y poco a poco fue tomando renombre y llegó a ser un disco de culto debido a la muerte de Jeff en el 97, pero descartando a los oportunistas se pueden encontrar verdaderos fanáticos de su música, unos temas muy folk y oros muy hard rock, Buckley combina diversos estilos sin caer o ser calificado como un amateur, él sabe lo que hace y lo hace muy bien, coros muy pegajosos, arreglos muy profesionales y sobre todo lo que más cautiva es la letra y la voz de Jeff, esos falsettos únicos y ese tono que por momentos es un Freddie Mercury, por otros un Robert Plant, en ocasiones un Peter Gabriel y en el mejor de los casos un Tim Buckley.
El comienzo del disco en crescendo, la mágica "Mojo Pin" perfecta para comenzar, extremadamente tranquila y relajante en su intro, la voz de Buckley comienza a ser más prominente y estalla con sus gritos. El disco esta repleto de temas que hoy están considerados como reliquias de culto en de la música alternativa, la genial "Grace" fue el primer single del disco, un temazo sin precedentes. la maravillosa "Last Goodbye" (que ha sido tocada como cover por varias bandas y solistas) uno de los mejores temas del disco que utiliza instrumentos de curda clásicos como apoyo y la voz de Buckley se hace tan intensa que le da un plus al tema.
El tema más folk del disco y tal vez el más conocido por la gente que no esta familiarizada con la música de Buckley es "Hallelujah", cover de Leonard Cohen del cual Jeff Buckley se declaró fanático, está conocidísima canción llegó a ser más famosa de lo que era gracias a esta versión que ahora es utilizada en decenas de series o comerciales de TV. Simplemente una guitarra y la voz de Buckley fueron necesarias para la cración de este tema.
Recomendadísimo disco para el que quiera escuchar lo mejor de la decada de los noventas y del rock alternativo, para el que quiera culturizar sus oídos escuchando a un músico no tan comercial, de ninguna manera se van a decepcionar.

Lista de canciones:

1. Mojo Pin – 5:42

2.Grace – 5:22

3.Last Goodbye – 4:35

4.Lilac Wine – 4:32

5.So Real – 4:43

6.Hallelujah – 6:53

7.Lover, You Should've Come Over – 6:43

8.Corpus Christi Carol – 2:56

9. Eternal Life – 4:52

10. Dream Brother – 5:26

Aquí el videoclip oficial del tema "Grace":

Principe Di Un Giorno de Celeste (Letra y Traducción)

2011-06-24T01:22:00.001-05:00

Una vez más volvemos al rock progresivo italiano, esta vez mostraremos otra banda poco conocida. "Celeste" es una banda ultra rara, las pocas personas que han logrado apreciarla podrán dar razón en que no se caracteriza por compartir el virtuosismo o las intrincadas composiciones que sus congéneres paisanos tenían (llámese bandas como PFM o Banco del Mutuo Soccorso). Esta banda se caracterizaba más por sus hermosos y melódicos pasajes, muchos de ellos acústicos influenciados no por la 'tarantella' pueblerina, sino por el sofisticado neoclasicismo italiano de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.

El siguiente tema es un 'bello pezzo di canzone' dividido en tres claros pasajes: el primero, muy influenciado por la música docta, una introducción que me recuerda al épico intermezzo de "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni compuesta a finales del siglo XIX; el segundo, predominado por los sonidos acústicos, guitarra y flauta traversa acompañan perfectamente a la voz; y el tercero, un buen pasaje instrumental con flauta, piano, mellotron, guitarra acústica y, por supuesto, un sorprendente saxo que se lleva de encuentro a los demás instrumentos. ¡DISFRÚTENLO!

Principe Di Un Giorno

Principe di un giorno

cerchi un prato a riposare sogni

saggio l'uomo in bianco

che t'indica la via verso

regni senza fini

dove il vento non essiste piú

Suddito tuo amico un cavallo che

bacia ora l'altra terra abbandonata te

lago e steli cambia il color

salgono cori verso te

Chiara luce templi verdi

porta al fondo te.

Trono veroin acque pure chiama giusto re.

Raggiungi il tuo castello, voltati

adesso sei, spechiatti.

Príncipe de un Día

Príncipe por un día

busca un prado para resposar sueños

sabio hombre de blanco

que te indica que el camino a través de

reinos sin final

donde el viento ya no existe más.

Sujeto tu amigo a un caballo que

besa ahora otra tierra abandonada

Lago y tallos, cambia el color

coro creciente hacia tí.

Claras luces de templos verdes

te lleva a la parte inferior.

Trono verdadero en aguas puras llama al justo rey

Alcanzar tu castillo, da la vuelta

eres ahora, espejo.

Aquí la hermosa obra de Pietro Mascagni, conducida por el maestro Lim-Kek Tjiang, y la influencia que el compositor italiano tuvo en la banda:

Traducción: Carlos Racchumi R.

"Rain Dogs" de Tom Waits (1983)

2011-05-21T20:58:00.000-05:00

A Tom Waits se le puede considerar como uno de los músicos más versátiles que hayan pisado el planeta, su música va desde el jazz a lo experimental, y con su inigualable voz ronca crea de por sí un estilo muy personal.

Su música, alejada por completo de lo comercial, pero aun así con grandes reconocimientos en cuanto a la crítica se refiere, comenzó a flirtear con la experimentación precisamente a mediados de los ochentas, cuando se sentía decepcionado de la música de ese tiempo, saturada con el uso del sintetizador, donde muchos músicos dependían totalmente de ello convirtiéndolos en artistas mediocres.

La respuesta de Waits ante el sonido electrónico de la época fue en su anterior disco llamado "Swordfishtrombones" de 1983, pero llego a ser un manifiesto con "Rain Dogs" en 1985, estas propuestas musicales abandonan el uso del sintetizador y los efectos de doblaje de los estudios para llenar la musicalización con una gran gama de instrumentos "organicos" (y los llamo así por ser la contraparte de electrónicos) que, además de las básicas guitarras, bajos y baterías, utiliza acordeones, trompetas, trombones, tubas, contrabajos y demás.

Éste tipo de experimentación no-electrónica no se hacía desde los tiempos en que Bob Dylan se volvió rock-star, después de estó las demás bandas han creado nuevos sonidos con una pequeña ayuda de sonidos electrónicos, pero como afirmaba Waits, a inicios de los ochentas ya se había llegado al exceso.

"Rain Dogs" llega a ser chocante si no se conoce mucho de la carrera musical de Waits (que se extiende desde 1973), con influencias de jazz, blues y folk, éste cantautor crea un rock tan matizado que cada una de las canciones de éste álbum llega a representar cada una de sus etapas musicales, por ello muchos críticos entran en un dilema en encasillar a éste disco en un género o estilo musical: "Time" es una suave balada folk, "Union Square" parece un rockabilly cincuentero, "Anywhere I Lay My Head" es un gospel apasionado, "Walking Spanish" parece un jazz-impro de Louis Armstrong y "Cementery Polka" parece la más extraña canción circense.

No entreré a detallar los temas del disco, como ya dije es una producción sin género definido, pero aún así es uno de los mejores trabajos musicales de los ochentas, un disco fuera de época que se enfrentó sin miedo al mainstream y logró ganar varios seguidores.

"Rain Dogs" es un álbum de vanguardia por excelencia, representa la escencia musical de Tom Waits y lo lleva al clímax de su carrera artística. Hoy en día se le consiera como uno de los músicos mas importantes del siglo XX, y no es para exagerar. Músicos como Bob Seeger, Tori Amoss y hasta la hermosísima Scarlett Johanson, en su disco debut, han hecho sendos covers de las canciones de éste álbum y toman a Waits como gran influencia en su música. Sorprendente disco y recomendadísimo para cualquier melómano que desee adentrarse a la música experimental.

Lista de canciones:

1. Singapore – 2:46

2. Clap Hands – 3:47

3. Cemetery Polka – 1:51

4. Jockey Full of Bourbon – 2:45

5. Tango Till They're Sore – 2:49

6. Big Black Mariah – 2:44

7. Diamonds & Gold – 2:31

8. Hang Down Your Head – 2:32

9. Time – 3:55

10. Rain Dogs – 2:56

11. Midtown – 1:00

12. 9th & Hennepin – 1:58

13. Gun Street Girl – 4:37

14. Union Square – 2:24

15. Blind Love – 4:18

16. Walking Spanish – 3:05

17. Downtown Train – 3:53

18. Bride of Rain Dog – 1:07

19. Anywhere I Lay My Head – 2:48

Mejores discos del 2008: Lo mejor de la década (Parte IX)

2011-04-21T14:33:00.001-05:00

El año 2008 fue un año musicalmente bajo en relación al contundente 2005 o al estupendo 2000, y en general a comparación de otros, fue un año muy experimental. Desde el avant-garde jazz, el post rock, el trip-hop y hasta el indie folk, hubo una exquisita variedad de bandas, sobre todo nuevas o que empezaban a hacerse conocidas (MGMT, Fleet Foxes, Il Bacio Della Medusa y Deerhunter, por ejemplo). Igualmente, bandas ya mencionadas en estas listas lanzaron sus respectivos discos que no serán obviados en lo mejor de este año, sin embargo, el 2008 también será recordado como el año de los grandes retornos, que nos dicen que 11 años no fueron esperados en vano. ¿A ver si adivinas cuál fue?

10. "Oracular Spectacular" de MGMT: Una banda muy carismática que combina el rock alternativo noventero británico y new wave con toques bien marcados en la psicodelia. Este fue un disco que sonó en todas partes del mundo con canciones como "Time To Pretend", "Kids" y "Electric Feels", respectivos singles de la producción discográfica. A pesar de ser el primer disco de MGMT, este reboza de personalidad y sonoridad muy peculiar, y a pesar de ser un lanzamiento en extremo comercial (y casi en contra de lo que tratamos de mostrar en este blog de música un poco más desconocida), vale la pena que esté metido de lleno en esta lista por su sonido casi único.

9. "Un Mañana" de Luis Alberto Spinetta: Una de las mejores obras actuales del 'flaco' Spinetta, hoy por hoy, un endiosado músico de culto, tan introspectivo como nadie de su generación (y de la actual). Este disco fue para mí el verdadero retorno de L.A., si bien sus dos producciones discográficas anteriores "Para los Árboles" (2003) y "Pan" (2005) eran aceptables y para nada malas, se sentía que les falaba 'algo más', y eso 'algo más' apareció en "Un Mañana", estupendo disco con la voz del flaco como en sus años mozos, un sonido muy bien depurado que nos hace acordar a esa exquisita música que hacía en los ochentas e inicios de los noventas, esa música que podías poner de fondo en una amena y tranquila reunión sin nuca aburrirte y maravillarte a la vez.

8. "Discesa Agl'inferi d'un Giovane Amante" de Il Bacio Della Medusa: El beso de la medusa, una banda que he escuchado hace poco y no le tuve muchas esperanzas por ser un disco casi desfasado, fuera de la gloriosa época del rock progresivo italiano. Sin embargo, me calló la boca al escuchar la impecabilidad de su música, rememorando bandas como Metamorfosi o Quella Vecchia Locanda, donde el uso de la música sinfónica es muy marcada. No obstante, la banda también opta usualmente por la música eléctrica con muy buenos solos de guitarra, cambios de ritmo y progresiones hechas por evidentes músicos profesionales. El disco conceptual está basado en la historia de Paolo y Francesca, personajes de La Divina Comedia de Dante Alighieri, donde el amante desciende al inframundo para rescatar a su amada acompañado por una fiel música que retrata la conjugación entre el amor y la muerte.

7. "Watershed" de Opeth: Noveno disco de estudio de la banda emblema del death metal progre, en esta ocasión con una integración renovada con el baterista Martin Axenrot y el guitarista Fredrik Åkesson, y confirma una vez más por su apego al metal progre de bandas como Dream Theater o Porcupine Tree, el death metal que la banda adoptó en sus inicios hace ya más de 15 años, ha sufrido grandes modificaciones para convertirse en un tipo de música más profesional, mucho mejor trabajada y limpia, y aunque muchos fanáticos hayan objetado su cambio de estilo, es un hecho que esta banda sueca aspira a mucho más. OJO QUE LANZAN OTRO DISCO ESTE AÑO.

6. "Fleet Foxes" de Fleet Foxes: Una banda muy peculiar de indie folk (aunque a veces más folk que rockero), muy influenciada por bandas pop de fines de los sesentas como The Byrds y The Beach Boys llegando a asimilar su música con el denominado 'pop barroco'. Este fue el primer disco de la banda de Seattle y una de las cosas que más destaca de la producción es la armonía vocal (una constante en todos los temas del disco), las piezas acústicas y, sin lugar a dudas, la estupenda letra. En fin, tres puntos claves para que un disco con un estilo poco común merezca ser escuchado.

5. "The Bedlam In Goliath" de The Mars Volta: Cuarta producción discográfica del dúo rockero experimental de sangre latina y, sin duda, el disco más fuerte de los Volta. El disco fue injustamente obviado y es necesario reconocer el talento de Omar Rodríguez y Cedric Bixler en su esfuerzo por seguir estando al tope de la escena vanguardista. La única diferencia marcada de este disco con los tres anteriores de los banda es que no tiene los cambios bruscos de suave a fuerte o lento a rápido, sino que sigue una linea recta: fuerte y rápida. Riffs estridentes en una guitarra más loca que nunca, sonidos que nos hace difícil pensar que salen de una simple guitarra eléctrica. (?) WTF.

4. "Lucifer: The Book of Angels Vol. 10" de Bar Kokhba: Hablamos hace algunas semanas de Electric Masada, una de las bandas de John Zorn, un estupendo saxofonista de avant-garde jazz. Bueno, Bar Kokhba es otro de sus experimentos y para nada fallidos. Esta vez deja de lado el estilo eléctrico y opta por música más 'oriental' (por así decirlo), el sonido de Bar Kokhba (también llamado Bar Kokhba Sextet) rememora al mundo árabe e hindú sin alejarse del sello personal de Zorn. Al igual que Electric Masada, Bar Kokhba toma prestadas canciones de los libros de Masada y les da una vuelta a la tuerca para que suenen así de bien.

3."Microcastle" de Deerhunter: Una banda que sorprendió para ese año con su mezcla de art-punk, rock experimental y pizcas de post-rock. Deerhunter en sí es considerada una banda indie, esta fue su primera producción discográfica y podremos apreciar en la primera mitad del disco canciones suaves y vistosas, con buen ritmo, simples pero buenas, en la segunda mitad del disco comienza la experimentación, una mezcla de influencias entre Sonic Youth y The Clash. El álbum es buenísimo y por lo poco difundido que ha llegado a ser fue un gran descubrimiento personal del 2008, sin embargo le falto más actitud para ser el mejor disco del año.

2. "Með Suð I Eyrum Við Spilum Endalaust" de Sigur Rós: Traducido al español como "Con un zumbido en nuestros oidos jugamos eternamente", Sigur Rós es una banda que no deja de sorprenderme, aunque hay gente que dice que esta fue su producción más pobre desde el "Von", no voy a decir que es falso pero igual este disco contiene la misma gran atmósfera de los demás discos y también esos temas que nos llevan a lugares donde solo la mente puede ir . La diferencia de este disco con los demás es que contiene en su mayoría temas acústicos y en cierta medida temas más accesibles y sencillos, o sea, más pop. Pero a pesar de todo igualmente siguen siendo esos chicos del país de las maravillas que exporta músicos de primera categoría, siguen siendo Sigur Rós.

1. "Third" de Portishead: Sin duda la mayor sorpresa del año fue el retorno de Portishead al mundo musical después de 11 largos años, tal vez muchos pensaron que no sonaría igual que en tiempos del 'Dummy', pero la voz de Beth Gibbons sigue igual de intacta. El gran plus de este disco en comparación con las anteriores producciones de la banda es la manera en que está construído, los sintetizadores y guitarras se mezclan y crean un sonido peculiar, un sonido que hace mucho no escuchabamos, el trip-hop vuelve a la vida en su forma más pura. Y a lo mejor no pura, sino un trip-hop radical, totalmente desnudo que hasta se le pueden ver las entrañas, muy difícil de digerir en un comienzo pero cuando ya te acostumbras te das cuenta que es una magnifica producción de este trio británico, 11 años no pasan en vano y confirmamos que las mejores bandas no se oxidan.

April de Deep Purple (Letra y traducción)

2011-04-01T23:16:00.001-05:00

Llegó el mes de abril y no encuentro mejor forma de celebrarlo que con este temón de una de las bandas más pros de los 70. Recuerdo que una vez le preguntaron a Yngwie Malsteem cuál era mejor banda Led Zappelin o Black Sabath, y luego de unos breves segundos respondió con contundencia: Deep Purple. Para serles francos nunca hubiera pensado lo mismo que Yngwie si no habría escuchado "April", para mí, la mejor canción del púrpura profundo. Un tema fatalista acerca de este mes, nublado y solitario, triste pero hermoso a la vez, según lo describen.

Sin embargo, la letra pasa a segundo plano ya que este se enfoca en tres movimientos claves y muy distintos: el primero, acústico; el segundo, sinfónico; y el tercero, eléctrico. Una gran variedad de instrumentos de los cuales nos podemos extasiar. Si no la han escuchado, prepárense para unos 12 minutos intensos... ah si, son 12 minutos y es al minuto 8 cuando Rod Evans se digna a cantar... PACIENCIA ANTE TODO que no se van a defraudar. Viva abril.

"April"

April is a cruel time

Even though the sun may shine

And world looks in the shade as it slowly comes away

Still falls the April rain

And the valley's filled with pain

And you can't tell me quite why

As I look up to the grey sky

Where it should be blue

Grey sky where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

Maybe once in a while I'll forget and I'll smile

But then the feeling comes again of an April without end

Of an April lonely as they come

In the dark of my mind I can see all too fine

But there is nothing to be done when I just can't feel the sun

And the springtime's the season of the night

Grey sky, where it should be blue

Grey sky, where I should see you

Ask why, why it should be so

I'll cry, say that I don't know

I don't know

"Abril"

Abril es un tiempo cruel

pero aún así el sol puede brillar

y el mundo mira la sombra como si esta lentamente se fuera

aún cae la lluvia del abril

y el valle lleno de dolor

pero no puedes decirme bien por qué

mientras miro hacia el cielo gris

donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué deberia ser tan...

gritaré, decir que no sé

Tal vez de vez en cuando olvidaré y sonreiré

pero luego el sentimiento vuelve de un nuevo abril sin final

de un abril solitario como viene

en la oscuridad de mi mente puedo ver todo claro

pero no hay nada que hacer cuando no puedo sentir el sol

y la primavera es la temporada de la noche

cielo gris, donde debería estar azul

cielo gris, donde debería verte

preguntar por qué, por qué debería ser tan...

gritare, decir que no lo sé

no lo sé

Traducción: Carlos Racchumi R.

¿Paul McCartney en Lima? ¡Si, huevón!

2011-03-25T23:26:00.007-05:00

La historia de Paul McCartney en Lima ya parecía la fábula de Juanito y el lobo. Por lo menos, los productores de conciertos en Lima nos habían engañado con ese cuento un par de veces y con la última noticia que salió hace tres días sobre otro posible concierto del ex beatle, ya me pareció un descaro total. Sin embargo, parece que Juanito esta vez dijo la verdad.

Paul McCartney 'SI' viene a Lima. Por primera vez en la pobre historia conciertera de nuestro país (que en los últimos cuatro años se está dejando respetar), vendrá un beatle a tocar en vivo. La noticia ya está repercutiendo en fanáticos, no tan fanáticos y poseros musicales de todas las edades, pero lo cierto es que es una cita imperdible e quizá irrepetible. Pero ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Cómo? ¿Por qué? y, sobre todo, ¿cuánto es?

La cita es el lunes 9 de mayo (si, para joda primer día de la jodida semana) en el Estadio Monumental (ojo, no explanada). Así que preparen carpas porque van a haber por lo menos 40 mil personas alrededor del coloso universitario. Lo único que se sabe de los precios de las entrada es que la más barata estará alrededor de los 75$ así que hay que ahorrar muchachos y muchachas porque faltan menos de dos meses.

Mientras tanto y para calmar la angustia un videíto del maestro:

White Rabbit de Jefferson Airplane (Letra y traducción)

2011-03-19T00:32:00.007-05:00

Una de las más emblemáticas canciones de la corriente psicodélica en San Francisco. Jefferson Airplane fue una banda de grueso calibre y con su disco de 1967 "Surrealistic Pillow" dieron vuelta y media el globo con sus temas que evocaban a la juventud, el amor y, sobre todo, a las drogas. El tema que representa mejor esa tendencia a evocar las 'sustancias psicotrópicas' es precisamente "White Rabbit", haciendo una impecable metáfora con el cuento de "Alicia en el país de las maravillas" de Lewis Carroll.

El tema fue escrito por Grace Slick (una de las mejores mujeres rockeras que han existido) allá en el año 65, cuando todavía no formaba parte de la banda. Fue recién con el "Surrealistic..." que se instrumentó y fue lanzado obteniendo un enorme éxito.

"White Rabbit"

One pill makes you larger,

And one pill makes you small,

And the ones that mother gives you,

Don't do anything at all,

Go ask Alice,

When she's ten feet tall.

And if you go chasing rabbits,

And you know you're going to fall,

Tell 'em a hookah smoking caterpillar,

Has given you the call,

Call Alice,

When she was just small.

When men on the chessboard,

Get up and tell you where to go,

And you've just had some kind of mushroom,

And your mind is moving slow,

Go ask Alice,

I think she'll know.

When logic and proportion,

Have fallen sloppy dead,

And the White Knight is talking backwards,

And the Red Queen's "off with her head!"

Remember what the dormouse said;

"Feed your head".

"Conejo Blanco"

Una pastilla te hace más grande,

y otra pastilla te hace pequeño,

y las que te dió mamá,

no les hagas nada,

ve a preguntarle a Alicia,

cuando ella mida diez pies de alto.

Y si tú estás cazando conejos,

y sabes que vas a caer,

díselo a una oruga fumadora,

te dará la llamada,

llama a Alicia,

cuando estuvo pequeña.

Cuando los hombres en el tablero de ajedrez,

te levantan y te dicen dónde ir,

y justo has tomado una clase de hongo,

y tu mente se mueve lentamente,

pregúntale a Alicia,

pienso que ella lo sabrá.

Cuando la lógica y proporción,

han caído suavemente muertas,

y el rey blanco habla a espaldas,

y la reina roja dice "abajo su cabeza",

recuerda lo que dijo la perilla:

"alimenta tu cabeza,

alimenta tu cabeza".

Top 10 mujeres Rockeras/Metaleras + asadas y bien molestas

2011-03-18T01:29:00.181-05:00

Me parece que el nombre del top 10 lo dice todo referente a este, salvo que considero que los grupos a los que pertenecen son de gran calidad y que están ubicadas del 1 al 10 por agresividad y no por que considere que alguna o grupo al que pertenezca alguna de estas mujeres sea mejor que los otros del top, ya que casi todas pertenecen a estilos diferentes.

N° 10 Mary Elizabeth McGlynn

Mary Elizabeth McGlynn participa en los soundtracks del juego Silent Hill, este juego es muy exitoso, no solo por sus tramas, también por su excelente música, compuesta por Akira Yamaoka, Mary participa como vocalista y también escribiendo letras de algunos temas, La combinación de Mary y Akira da como resultado unos temas oscuros y tristes, la música de Silent Hill es simplemente única.

N° 9 Anza Ōyama

Anza comenzó su carrera como ídolo pop adolescente en diversos grupos, Luego se retiró de esas payasadas y decidió intentar carrera como solista, En el proceso Anza conoció a un guitarrista Hiro, junto con él y Mar, hermano de Hiro, formaron la banda de Nu Metal Deep Blue. Luego consiguieron a Kawady el bajista y al baterista Okaji, después consiguieron lanzar su primer single, "Escapism" en el año 2000, justo antes de cambiar el nombre de la banda por Headphones President.

N° 8 Christina Scabbia

La vocalista de la banda italiana de goth metal Lacuna Coil, posee un rango de voz de contralto (el rango más grave en voces femeninas), Su registro vocal es muy aterciopelado y fuerte, Figura en el puesto 94 dentro del listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.

N° 7 Courtney Love

Courtney Love fue miembro fundador de Hole, banda de grunge, durante sus dos primeros discos “Pretty on the inside”(recontra asado, perdónalos payashito!!!) y “Live Through This” (sin duda su más grande pieza discográfica), luego vino un tercer disco Celebrity Skin (el fresita de la discografía), el cual no resulto y termino por causar la separación de la banda, el 27 de abril del año pasado, después de 12 años Hole lanza su cuarto álbum de estudio, "Nobody's Daughter", el se empezó a desarrollar durante la estadía de Love en un el centro de rehabilitación por haber violado su libertad condicional por tenencia de drogas legales en setiembre del 2005, Love se encontraba en una completa depresión, gracias a la ayuda de Linda Perry a cargo de la producción y Billy Corgan como guitarrista y arreglador (tengo q corroborar esto!!!, ya que aún no escucho este disco), y a otros músicos. Sea como sea, tengo fe en en el cuarto disco de Hole y cualquier otro disco que provenga de algunas experiencias desastrosas, el Grunge está volviendo, Hole, Alice in Chains, Soundgarden, Pearl Jam, nunca murió…chacky se pasan!!!

N° 6 Crucified Barbara

Crucified Barbara es un grupo Sueco formado por mujeres, su sonido es una acertada combinación entre Hard Rock y Metal, en mi opinión es el grupo de mejor sonido de este top 10, aunque en realidad la diversidad de estilos de este top no permite hacer una comparación que tenga sentido respecto al sonido. Crucified Barbara está formado por Mia Coldheart (guitarra solista y voz), Klara Force (guitarra y coros), Ida Evileye (bajo y coros) y Nicki Wicked (batería y coros), si solo vas a ver uno de los videos que sea este.

N°5 Jada Koren Pinkett Smith

Actriz casada con el famoso actor Will Smith, ha participado en varias películas, algunas de las más reconocidas fueron la saga de Matrix, Collateral, Kingdoom Come, Reign Over Me Madagascar, World Ablaze y Ali, Jada es la vocalista de la banda de Nu Metal 'Wicked Wisdom'.

N° 4 Agnete Maria Kjolsrud

Agnete Maria Kjolsrud, actualmente vocalista del grupo Djerv , perteneció anteriormente al grupo noruego Animal Alpha, grupo de metal que lastimosamente decidió separarse, este grupo se caracterizaba por el look de haber salido de alguna alguna cinta de cine fumado y tener una gran energía en sus temas (recomiendo el disco "Pheromones"), este grupo me atrajo al comienzo porque me recordaba un poco a Mars Volta. Desconozco el trabajo de Agnente en Djerv, pero francamente dudo que pueda ser algo tan bueno como lo que fue Animal Alpha.

N° 3 Drain STH

Drain STH es una banda Sueca de Metal formada por cuatro mujeres, María Sjöholm (Voz), Flavia Canel (Guitarra), Anna Kjellberg (Bajo), Martina Axén (Batería), El sonido de Drain podría calificarse de crudo y tenebroso, además tiene cierto parecido con Alice in Chains , Drain se escribe con “STH” por Estocolmo (Stockholm), capital de Suecia.

N°2 Alissa White-Gluz

Alissa White-Gluz cantautora de The Agonist, banda canadiense de Death Metal Melódico, además de ser una de las pocas mujeres que usan voces guturales como su estilo principal de canto, tiene la cualidad de cambiar radicalmente a una voz melódica sin dificultad. Siendo ella una amante de los animales, trabaja activamente con PETA, También pertenece al movimiento Straight Edge y lleva una vida vegana, quizás por todo esto no parece tan asada, pero cuando escuches algún tema de The Agonist, sabrás por qué tiene el segundo puesto.

N°1 Angela Nathalie Gossow

Segunda vocalista de Arch Enemy, banda alemana de Death Metal, se describe a sí misma como una persona ambivalente que ama lo extremo y quien gozó de una niñez salvaje y maravillosa, en sus propias palabras: «disgustar perfectamente a mis altamente cristianos padres».

El año 2000, Arch Enemy estaba buscando un vocalista para reemplazar a Johan Liiva, por lo que preguntaron a Gossow si estaría interesada en audicionar para la banda, ellos ya conocían la calidad de la voz gutural de Gossow gracias a un demo que ella les entrego en una entrevista cuando trabajaba para una revista de música en línea que abarcaba el rock y el metal, Angela contesto a la propuesta de audición con un rotundo: "¡FUCK YES!".

Que Rico es Compartir!!!

Cuando se hace realidad un "Sueño Siamés"

2011-03-12T16:12:00.010-05:00

Hace unas semanas el líder de Smashing Pumpkins, Billy Corgan reveló una de las noticias más bizarras e increíbles que hasta ahora no sé ¡¡¿¿cómo no he posteado nada de esto en el blog??!!

Corgan 'twiteó' desde su cuenta Twitter.com/Billy que la actual bajista de la banda, Nicole Fiorentino, es una de las dos niñas que aparece en la portada del disco "Siamese Dream" de 1993: "Just found out the weirdest news: our bass player Nicole just admitted she is one of the girls on the cover of 'Siamese Dream'”.

Nicole, que ahora tiene 31 años, debió haber tenido unos 13 para el tiempo en que se tomó la foto y, aunque no dijo cuál de las niñas es, hay varios rumores sobre si esta afirmación es cierta o no. En fin, compárenlo ustedes mismo y nos lo dicen ¿Será cierto?

Personalmente creo que se parece más a la de la derecha, pero no creo que ninguna de las niñas tenga 13 años, a menos que la foto haya sido tomada mucho antes. Para amenizar el debate, te mostramos una pequeña reseña de este grandioso disco, uno de los mejores de los años 90:

"Siamese Dream" de The Smashing Pumpkins (1993)

Siamese Dream es uno de esos álbumes en los cuales los músicos ponen todo su empeño y talento por el hecho de seguir adelante y ser los mejores, o al menos ser reconocidos, y es que para 1993 la banda de las "increíbles calabazas" tuvo su época más catastrófica en lo que en relaciones internas se refiere, y de éste disco dependió si la banda seguiría tocando o se desintegraría.

En los años 92 y 93 el baterista Jimmy Chamberlin comenzaría su adicción a la heroína (caso que más adelante se agravaría), James Iha y D'arcy Wretzky, guitarrista y bajista respectivamente, terminarían su larga relación amorosa violentamente, dejando marcada a la banda con resentimientos y, por su lado, Billy Corgan, cayó en una depresión a punto de pensar en el suicidio.

Sin embargo, esta familia disfuncional crearía uno de los discos más influyentes y aclamados de la era alternativa. Siamese fue un álbum nacido de la cólera, la presión y la desesperación, y es dificil pensar que en tiempos tan difíciles se crearía un disco tan bien trabajado y construído.

A diferencia del primer álbum de la banda ("Gish" de 1991) que tuvo influencias claras de los setentas con un éxito relativo en las ventas, el Siamese tendría influencias conjuntas con la música de los ochentas, mucho más trabajado en lo que a efectos se refiere y resaltando la increíble combinación de talentos de Corgan y Chamberlin.

El proceso de grabación fue duro, la tensión que había entre Iha y D'arcy era notoria; Chamberlin faltaba por días seguidos a consecuencia de las drogas, lo cual hacía a la banda temer por su vida; el perfeccionismo de Corgan también ponía a los demás miembros de la banda bajo mucha presión, se tenía que volver a grabar partes una y otra vez, trabajando así mas de 15 horas diarias por varias semanas, el estrés fue tanto que habían veces que los miembros se encerraban en los cuartos de los sets de grabación. El incansable Corgan y el productor Butch Vig (quien fue su mano derecha en el proceso de grabación y doblaje) fueron quienes terminaron toda la grabación, Corgan tuvo que tocar varias veces las partes de Iha y D'arcy ya que estos últimos no se presentaban en las grabaciones finales, hay algunas canciones que se editaron con varios sonidos de guitarra (por ejemplo en "Soma" se pueden escuchar hasta 50 sonidos de guitarra diferentes que fueron editados para el álbum).

En cuanto a la temática de las canciones, se notan claramente los sentimientos que Corgan tuvo al escribirlas; el resentimiento, la tristeza y la depresión son los conceptos más visibles. "Cherub Rock" es un llamado de atención a cómo los medios masivos explotaban la música indie/alternativa al punto de convertirla en un negocio; esta canción está compuesta por un increíble solo de Corgan, el magistral talento de Chamberlin también sale a flote para luego ser catalogado como un de los mejores bateritas de los noventas.

"Today" con su reconocido punteo, nos muestra con cierta ironía los momentos que la banda sufrió previamente al lanzamiento del álbum, las estrofas nos hablan con sarcasmo de la alegría de vivir, plasmada en la primeras líneas de la canción "Today is the greatest day i've ever known", contrastando luego con el coro y sus letras oscuras, donde prácticamente el autor se autodestruye. Esta canción fue escrita cuando Corgan tenía en mente el suicidarse.

"Disarm", más acústico y con el uso de un cello y un violín, es una de las canciones más personales de Corgan, hablando de su niñez, la relación con sus padres y su depresión, la canción fue en un inicio censurada en el Reino Unido por su oscura letra: "The killer in me is the killer in you" o "cut that little child" generaron controversia en el sector conservador, sin embargo, con la censura, el tema fue un éxito y fue uno de los más queridos por los fans.

"Rocket" con un un buen riff que se repite a lo largo de la canción, nos muestra metafóricamente las ganas que Corgan tuvo de sobresalir con su banda siendo un "cohete" que vuela a las estrellas. "Geek U.S.A." sin duda la canción mas fuerte del disco, personalmente es una de las mejores performances de bateria que haya escuchado, perfectas y precisas en todo momento, igualmente el solo de Corgan es excelente, el tema es una construcción musical 100% hard rock.

"Soma", escrita por Corgan e Iha, es una de esas canciones que sólo los fanáticos la han escuchado, ya que no fue lanzada como single, tal vez una de las mejores trabajadas en el disco, con un comienzo lento que va en aumento y luego otra vez desciende, el solo de Corgan es (otra vez) excelente, el uso de efectos fue la clave para la realización del tema, siempre se van a escuchar cortos sonidos de fondo, quiebres precisos. El nombre de la canción hace referencia a una antigua droga que fue leída en un libro por Corgan, comparándola así con las complicaciones de las relaciones amorosas (tan peligrosas y relajantes como el opio, segun Corgan).

(Mi versión familiar del Siamese Dream)

Finalmente puedo decir que este fue el álbum que logró sacar del fondo a una banda que lo merecía, es una de las mejores combinaciones de guitarra-bateria que jamás haya escuchado, y sin duda, un impulso a lo que luego vendría, el "Mellon Collie & the Infinite Sadness", el mayor momento de inspiración y éxitos de una de las mejores bandas de los noventas.

Lista de canciones:

1. Cherub Rock – 4:58

2. Quiet – 3:41

3. Today – 3:19

4. Hummer – 6:57

5. Rocket – 4:06

6. Disarm – 3:17

7. Soma – 6:39

8. Geek U.S.A. – 5:13

9. Mayonaise – 5:49

10. Spaceboy – 4:28

11. Silverfuck – 8:43

12. Sweet Sweet – 1:38

13. Luna – 3:20

“Perseverance” de Hatebreed

2011-03-07T01:15:00.003-05:00

Hatebreed es una banda de Hardcore Metal, formada por Jamey Jasta, Dave Russo, Larry Dwyer y Chris Beattie, en el año de 1994, Perseverance es su tercer disco (2002), en una primera oportunidad no supe apreciar este disco, su sonido era demasiado pesado para mí en ese momento, en aquel tiempo yo pensaba que Disturbed era pesado por ejemplo ( con eso no pretendo desprestigiar a Disturbed, de hecho creo que es genial) meses después volví a escucharlo y pude, apreciar lo especial que es este disco… imagínate un explosivo de la marca Acme de los que usa el coyote Willy para acosar a su némesis el correcaminos, ahora imagínate que tú eres el coyote, el correcaminos es todas esas personas que odias, las que no comprendes, las persona que tan solo por existir amargan tu vida, que respiran nuestro aire y no tiene entre sus discos uno solo de progre o metal, tan animales que creen que Batman vuela, que Shakira hace música, finalmente tienes al correcaminos por el cuello con una de tus manos, giras tu cabeza para observar tu otra mano, y que es lo que encuentras?... el explosivo de color rojo con una mecha negra?...no, aparentemente lo es, en realidad es más que eso, es odio, si eso que tus ridículos prejuicios se han tomado el trabajo de archivar en ti, de hacerte crecer, un poco más gracioso y otro poco más insano, este disco te da la herramienta que necesitas, sea para tu vendetta personal, robar un banco vestido de Darth Vader, aprender a respetarte, desfogar enormes cantidades de odio(quizás sobre alguien), utilizarlo para estimularte al salir a correr o en algún gimnasio donde ponen lo mejor del pop y los 80s, o otro tipo de música capaz de matarte del aburrimiento, cometer cualquier otra estupidez o finalmente derribar la puerta de tu hermano o hermana y darle esa patada en el culo que tanto se merece… este disco es una herramienta forjada con violencia, voluntad y odio.

Si mi forma de comentar sobre este disco está cargada de un exceso de humor negro… eso y en realidad la violencia no resuelve nada (aunque eso es una pena) pero según mi opinión este es sencillamente el disco de Hardcore Metal más grande que ha existido, y se merece ser publicado con algún plus, para terminar quisiera agregar que el tema para empezar a conocer el disco es I Will Be Heard, que creo por poco es mejor que el resto.

Lista de Canciones "Perseverance" (2002)

1. Proven
2. Perserverance
3. You're Never Alone
4. I Will Be Heard
5. A Call For Blood
6. Below The Bottom
7. We Still Fight
8. Unloved
9. Bloodsoaked Memories
10. Hollow Ground
11. Final Prayer
12. Smash Your Enemies
13. Healing To Suffer Again
14. Judgment Strikes (Unbreakable)
15. Remain Nameless
16. Outro

Hatebreed Perseverance

Hatebreed Proven

Hatebreed - I Will Be Heard

Darth Vader robs Bank (Darth Vader asalta banco)

Que rico es compartir!!!

Hoy sale "The King Of Limbs" el nuevo disco de Radiohead

2011-02-19T14:02:00.003-05:00

Tras cuatro años de ausencia discográfica, la banda liderada por Thom Yorke lanza "The King Of Limbs", octavo trabajo de estudio de la banda de Oxford. Por lo poco que he escuchado del disco, puedo decir que este explora sonidos ya no tan experimentales como en el "In Rainbows", sino es mucho más agradable, aunque no llegando a ser parecido a uno de sus discos noventeros. Para ponerlo más sencillo: es un fiel hijo del "Kid A" (noticia buena al fin y al cabo).

A diferencia del "In Rainbows" del 2007, por el cual la descarga legal del disco era gratuita, el costo de este nuevo disco es de 9 dólares en formato .mp3, 14 en formato .wav y 48 dólares si deseas el formato físico, que contiene dos vinilos, un cd y el arte-carátula. Todo esto se puede conseguir a pedido en la página web de la banda www.radiohead.com

Aquí un tema que me gusto mucho y uno de los pocos que circulan ampliamente en la web:

Aquel 9 de febrero en The Cavern con The Beatles

2011-02-12T13:17:00.005-05:00

Contrario a lo que cientos de medios de comunicación digan, la primera presentación de The Beatles NO fue en el popular y legendario bar "The Cavern". Sin embargo, fue ahí donde el cuarteto de Liverpool se hizo famoso en toda Inglaterra, fueron vistos por primera vez por su productor Brian Epstein y comenzaron a dar grandes pasos antes de grabar su primer disco, "Please Please Me".

La primera presentación de The Beatles en "The Cavern" fue el jueves 9 de febrero de 1961, hace ya 50 años. En esa ocasión el grupo había estado haciendo funciones en Hamburgo, Alemania en los clubes Idra y Keiserkeller. Desde ese jueves santo, la banda ofreció alrededor de 292 tocadas hasta alejarse del club a mediados de 1963 por su gira norteamericana.

No obstante, Lennon y McCartney ya habían estado tocando en el club desde 1958 con su anterior banda The Quarrymen, haciendo covers de Elvis y tocando algunos temas propios. Luego de la creaci{on de The Beatles retornaron con toda la furia aunque en esa primera presentación no estuvo Ringo sino Andy White (primer baterista de la banda hasta poco antes del lanzamiento del primer disco)... dato curioso que vale la pena mencionar.

Ahora hablemos del club en sí, The Cavern es literalmente lo que su nombre representa: un antro subterraneo con tres túneles conectados que se solía utilizar para conservar vinos a inicios de los años 50. Luego, el 7 de agosto de 1957 se inauguró este peculiar bar donde, además de lanzar a la fama a The Quarrymen y The Beatles, albergó tocadas de otras populares bandas inglesas como The Rolling Stones, The Yardbirds, The Hollies, The Kinks, The Who, Queen, Elton John, etc.

Hoy en día el club luce muy diferente a ese de 50 años atrás, reconstruido y modernizado pero con la misma vibra que en esos años... ¡Larga vida a The Cavern y The Beatles!.

Mejores discos del 2007: Lo mejor de la década (Parte VIII)

2011-02-05T23:38:00.022-05:00

El 2007 fue un año muy esperado por los fanáticos de la música, bandas emblemáticas y bandas que proyectaban serlo lanzaron sus respectivos discos para ese año donde sorprendieron, en la algunos casos, con el cambio de sonido. En esta lista encontraremos bandas que ya han sido nombradas en las listas pasadas pero que no dejaron de evolucionar con su música. Otra vez con una humilde opinión, aquí está la lista de los 10 mejores discos del 2007:

10. "Sky Blue Sky" de Wilco: El sexto álbum de la banda estadounidense y donde logra dar un paso adelante luego de la gran carrera de fondo que se lanzo con su "Yankee Hotel Foxtrot" del 2002, este es el mejor disco de la banda luego de esa obra maestra que hicieron cinco años atrás. "Sky Blue Sky" fue uno de los tantos 'esperados' del 2007 y en él podemos encontrar cambios asombrosos, como por ejemplo la integración de Nels Cline, el nuevo guitarrista de la banda, quien hizo que el disco gozara de muy buenos solos en la mayoría de sus canciones. Además el disco deja de lado los toques experimentales que quiso tomar en su producción antecesora, en este álbum podemos notar claramente una múcia más influenciada por The Beatles o The Beach Boys, un claro ejemplo de eso es el temew "Hate It Here". No obstante, les mostraré el que me parece uno de los mejores temas del disco...

9. "Ga Ga Ga Ga Ga" de Spoon: Ya hemos hablado de esta muy buena banda indie y este disco la rompió en el 2007. Por pura coincidencia este también resulto ser la sexta producción de estudio de la banda, mucho más rockera y mejor producida que sus discos anteriores, y aunque para muchos pueda sonar como un disco indie más del montón, este tiene un plus que lo hace diferenciarse de los demás, algo que en realidad no logro explicar en palabras y hasta me atrevería en pecar al decir que este disco es mejor que "Kill The Moonlight" (disco considerado por los fanáticos como el mejor de la banda y uno de los mejores discos del 2002). Lo que hace a este disco tan especial es su sonido tan variado, por ejemplo, el tema "You Got Yr. Cherry Bomb" tiene hasta tres versiones diferentes, una de ellas adoptando el género space rock.

8. "Strawberry Jam" de Animal Collective: Sí, otra vez Animal Collective, en verdad le estaré enormemente agradecido a esa persona tan especial que me hizo escuchar a esta banda hace ya algunos meses. Este es el séptimo lanzamiento de estudio del cuarteto electrónico/experimental y se diferencia de los anteriores álbumes por contener un prominente uso de música hecha por computadora. Este disco es considerado por muchos como una evolución para la banda, los sonidos únicos y originales que se crearon para esta producción demuestran la enorme capacidad de sus compositores. Sin embargo, este disco es más una prueba de capacidades musicales que una verdadera producción discográfica. El álbum es por momentos muy extraño y no llega al nivel de anteriores discos de la banda pero se convertiría en un estandarte que abriría el paso para una de las obras más aclamadas en el 2009. Para rematarlo, ese mismo año hubo un disco infiltrado que silenció a esta producción, uno de esos cuatro 'experimentadores de sonidos' lanzó su propia propia producción de igual o mejor nivel.

7. "Person Pitch" de Panda Bear: Tercera producción de Noah Lennox, conocido en el mundo de la música como Panda Bear, uno de los cuatro integrantes de Animal Collective. El músico experimental decidió lanzar su disco a la par con el "Strawberry Jam" y aunque el corte musical es muy similar, Panda Bear le da un toque más vivaz y alegre, los ritmos no son tan extraños como los que podríamos encontrar en el álbum de Animal, ya que este disco nos hace acordar por momentos al "Sung Tongs" por su electrónica más orientada al pop. El disco fue ampliamente reconocido por la crítica especializada, considerándolo uno de los mejores discos del 2007 y de la década.

6. "Madre Tierra" de Flor de Loto: La virtuosa banda instrumental peruana Flor de Loto, lanzo ese año su segundo disco de estudio, siguiendo sus pasos trazados de su primera producción combinando jazz, rock progresivo y música andina. En este disco en particular podemos notar las influencias de Jethro Tull y Dream Theater. Por un lado, temas como "El Charango Perdido", "El Mensajero" y "Danza Celta" destacan por su sonido prog-folk muy bien elaborados, toques del música andina, arábigos y celta respectivamente confluyen en estos temas representando de gran manera la capacidad instrumental de la banda. Por otro lado, temas como "Antares" o "Medusa" destacan por su fuerza y la prominencia de la guitarra, poderosos solos y riffsse apoderan de dichos temas dándole un toque hard-prog a la banda.

5. "In Rainbows" de Radiohead: A pesar de lo que diga mucha gente, este disco no me pareció tan bueno como mucha gente me lo dijo, sin embargo, es un disco que no decepcionó para nada, sólo que pensé que podría ser mejor que el "Kid A" por la gran cantidad de gente que me lo recomendó. "In Rainbows" fue uno de los discos más esperados del año y es, sin más ni más, un producto que ya se veía venir de manos de la banda de Oxford: Una experimentación cada vez más ecléctica. Un parámetro que la banda ya viene siguiendo desde el maravilloso "OK Computer", los sonidos electrónicos y las guitarras distorsionadas son clave en esta producción., además también hay uso importante del piano en varios temas. En resumen, el disco es muy bueno y claro que vale la pena escucharlo pero creo que hubo un daño en mi percepción particular por los bombos que muchas personas le dieron. Lo recomiendo igualmente y espero no dar esas mismas percepciones a gente que no lo haya escuchado.

4. "Volta" de Björk: Sexto disco de estudio de la genial cantautora islandesa, en este disco en particular y al contrario de lo que hizo Radiohead, Björk dejó de lado su continua evolución hacia corrientes más experimentales y creó un disco más amigable y simple en cierto sentido. "Volta" es un ligero paseo a la Björk de los noventas, sin dejar de lado los toques de experimentación electrónica de discos como el "Vespertine". En este disco, la cantante islandesa expande sus estilos musicales gracias a los colaboradores de Timbaland, productor de R&B y hip-hop, y Antony Hegarty, líder de Antony & The Johnsons, que le dan un toque más hiphopero y hasta innovador al trabajo final.

3. "Boxer" de The National: Reencontramos a esta muy buena banda que estuvo en pasadas listas. Particularmente en este disco no cambia mucho su sonido con respecto al "Alligator" del 2005, sin embargo, ese mismo sonido contagiante y la potente voz de Matt Berninger, muy parecida a la de Leonard Cohen, te atrapa desde el inicio. La banda tiene un toque muy fino para ser una clasificada como indie, y no es que quiera menospreciar al género pero se nota una clara maduración en la forma de hacer música por el grupo. Su apacible sonido ya se ha vuelto una marca personal de la banda, sobre todo por la voz que destaca indiscutiblemente sobre todo lo escuchado. Punto extra: Sufjan Stevens colabora en el disco tocando el piano en "Racing Like a Pro" y "Ada".

2. "Neon Bible" de Arcade Fire: Después del discazo que lanzaron el 2004, la banda canadiense vuelve a sorprender con su segundo disco de estudio e hizo más popular al indie rock de lo que ya era. Los arreglos orquestales continúan retumbando al igual que la gran cantidad de instrumentos que toman prestados para crear atmósferas musicales muy inusuales (ejemplo es el tema homónimo "Neon Bible" con su instrumentación ecléctica). Arcade toma la posta desde ahí y se transforma en una de las bandas más profesionales de la década, sus toques de experimentación, su lírica, su impecable instrumentación fueron puntos de partida y de respeto por las nuevas bandas independientes. En fin, un disco que va al igual que el "Funeral" como uno de los mejores de la década, y vale decirlo ya que hay personas que afirman y reafirman que este álbum es mejor que el primero.

1. "Fear Of A Blank Planet" de Porcupine Tree: La primera vez que escuche este disco no me pareció tan bueno como otros del 'árbol de puercoespín', pero como a toda buena banda, hay que darle tiempo y escucha sosegada, el resultado: ¡un discazo de la puta madre! Porcupine Tree y sobre todo su líder, Steven Wilson, crean un obra maestra progresiva de nuestro tiempo a punto de llamarlo el "Dark Side of The Moon" de la década. La letra de los temas tratan sobre los problemas de los jóvenes del siglo XXI: carácter bipolar, probleas de atención, alienación social, drogadicción, etc. y canción a canción el disco nos cuenta la historia de un niño con esta clase de problemas, encerrado en su cuarto e indiferente al mundo exterior. Creo que no exagero en decir que todos los temas son muy buenos, pero en especial hay uno que te sacude el cerebro como ningún otro. "Anesthetize", un tema de más de 17 minutos partido en tres movimientos, la atmósfera que se construye en el tema es tan misteriosa y muy bien apoyada por la percusión (sin nombrar el gran solo de guitarra que Alex Lifeson, guitarrista de Rush, presta al tema), una genial construcción musical que da resultado al mejor tema de la banda hasta el momento. Recomiendo a gritos escuchar este tema, uno de los mejores de la década, y si te da flojera soplarte 17 minutos, entonces al menos escychate el coro... "electricity, from the pills in me".

Vendesi Saggezza de Locanda Delle Fate (Letra y traducción)

2011-01-26T19:20:00.006-05:00

He estado escuchando harto rock progresivo de Italia últimamente, un país que ha producido tanto 'progreso' que hasta tiene un género propio, el llamado "Rock Progressivo Italiano" (nótese la doble 's') tiene tantas bandas como músicos clásicos de ópera. Lo curioso es que hasta el momento he escuchado en promedio 20 discos de esas numerosas bandas y ninguno me parece malo, es más, muchos de ellos son excelentes producciones envidiables para bandas como Genesis o ELP.

En fin, puedo nombrar a agrupaciones medianamente conocidas como Premiata Forneria Marconi (o PFM), Banco del Mutuo Soccorso o Le Orme, y algunas un poco más rebuscadas como Semiramis, Quella Vecchia Locanda, Area, Rovescio Della Medaglia, Museo Rosenbach, Balletto Di Bronzo, etc. Pero una que me cautivó por sus suaves pasajes, su virtuosa instrumentación y su letra fue Locanda Delle Fate, una banda que me hizo acordar a la canadiense francófona 'Harmonium' por su delicadeza, pero que tiene su toque 'italiano' que la hace diferenciar.

Su disco "Forse le Lucciole Non Si Amano Piú" (o "Tal Vez Las Luciérnagas No Se Aman Más") del año 1977 es hermoso en su totalidad -uno de los pocos discos 10 puntos que conozco- y el tema de a continuaci+ón es Vendesi Saggezza (traducido no tan literalmente como "Se vende Sabiduría" o "Venden Sabiduría" o "Sabiduría en Venta"). Disfruten del tema y no lloren.

"Vendesi Saggezza"

Voleranno sopra i vetri,

mille volte gli occhi,

cercando spazi di là.

E il cervello a una parete

o sopra un banco a vendere,

alla fine, trascinerei.

Per rubarmi ai vuoti di memoria,

forse quello che ci va.

Basta adesso alle orge senza senso

e ai rimorsi del di qua.

Chissà se quando la corda

stringerà il mio collo,

la bocca non griderà.

Ora è entrata una farfalla

che d'amore nato sui fiori mi parlerà.

Seguo già i suoi voli trasparenti

che tra poco tradirò.

Con le mani fresche

dei miei fianchi,

reti infine getterò.

Saggezza venderei

con il peso dei discorsi

sempre uguali

e in cambio chiedo a lei

i segreti immensi

delle sue stagioni.

Perché da Alice ora non compro più

Mosaici, rose e seta

e in fondo al buio sto spiandoti,

forse verrà a svegliarla.

Volerai tra pareti e fotocellule

invisibili e segrete.

Porte ne aprirai,

prati di moquette,

fiori quasi veri

e un senso di potere.

Ma poi ti accorgerai,

che non puoi più volare.

C'è un ladro nella stanza.

Non ti ruba argento ne monete d'oro.

Ma senza far rumore

strapperà ai tuoi voli gli alibi più veri.

Non basta, dammi i fiori che non ho,

non ho più voglia di spiegare.

Tu sarai grande più di Icaro,

ti guarderai volare.

"Venden Sabiduría (y un Cerebro de Segunda Mano)"

Vuelan sobre los cristales

miles de veces los ojos

buscando espacios ahí

Y el cerebro a una pared

o encima de una banca, a vender,

al final me arrastraría

para robarme los huecos de memoria

quizá es lo que se necesita

Basta ahora de las orgias sin sentido

y los remordimientos del aquí

Quién sabe si, cuando la soga

apriete mi cuello

mi boca no gritara?

Pero ahora ha entrado una mariposa

que del amor nace de las flores y me hablará

Ya sigo sus vuelos transparentes

que en poco tiempo traicionaré

Con las manos frescas

por mis llantos

redes poco seguras arrojaré

Sabiduría vendería

con el peso de los discursos

siempre iguales

Y en cambio le pido a usted

los intensos secretos

de sus estaciones

Porque de Alicia ya no compro más

mosaicos, rosa y seda

Y al fondo de la oscuridad estoy espiándote

tal vez vaya a despertarla

Volarás entre paredes y fotocélulas

invisible y secreta

puertas nos abrirás

a praderas de alfombra

flores casi verdaderas

y un sentido de poder

Pero entonces notarás

que ya no puedes volar

Hay un ladrón en la habitación

el no te roba monedas de plata ni de oro

Pero sin hacer ruido

arrancará de tus vuelos las coartadas mas certeras

No! Ya basta! Dame las flores que no tengo,

no tengo ganas de explicar,

Serás mas grande que Ícaro,

te verás volar.

Traducción: Carlos Racchumi R.

"Highway 61 Revisited" de Bob Dylan (1965)

2011-01-11T21:15:00.006-05:00

Empezamos este año algo retrasados pero quería hablar de uno de los mejores discos que he escuchado y que, a decir de paso, no escucho hace tiempo. Pero en fin... qué mejor que empezar el año con una obra maestra de uno de los genios más puros y poéticos de la música, un disco que revolucionó la música en ese 1965, año que en nació el rock tal y como se le conoce hoy en día. Fueron tres discos los pioneros de este cambio, "The Who Sings My Generation" de The Who,"Rubber Soul" de The Beatles (del cuál hablamos hace poco), y este, "Highway 61 Revisited" del meastro Bob Dylan. A continuación una pequeña reseña de este disco del cual nunca voy a ser lo suficiente empeñoso en mencionar lo bueno que es.

Highway 61, o historia sobre el osado que se atrevió a combinar rock y folk en los sesenta:

La obra maestra de Bob Dylan que muestra su gran cambio de la música folk al folk-rock, en este álbum Dylan usa una banda de rock como fondo para todas sus canciones, algo parecido hizo en su anterior disco "Bringing It All Back Home" donde una mitad fue folk y la otra rock, y es que el cambio comenzó desde aquel, su quinto álbum; se arriesgó pero no lo suficiente, fue en el sexto, el "Highway 61" o también llamado "Highway Blues" que intentó experimentar y arriesgarse al 100% con un género que, en esa época era la contraparte de la música folk.

Dylan participó en el festival de New Port un mes después del lanzamiento del disco con el motivo de promocionarlo, la primera mitad del concierto tocó temas folk de sus discos pasados, después del receso Dylan apareció con The Butterfield Blues Band y tocó para disgusto de muchos y agrado de algunos un concierto rock. El público abucheó la performance de Dylan y su banda y este totalmente enojado se marchó para solo volver luego a tocar un par de canciones acústicas. La causa de estas reacciones por parte del público se deben en parte a que la mayoría eran folk fans y odiaban el sonido estridente de una guitarra eléctrica o de una percusión vertiginosa, se dice también que al público no le gusto el espectáculo debido al pésimo de los amplificadores.

En fin, el álbum fue un punto de quiebre en la carrera de Bob Dylan, perdío muchos fanáticos folk pero ganó muchos fanáticos del rock, finalmente el nombre de Dylan se hizo conocido mundialmente, maravillosas canciones como "Like a Rolling Stone", Desolation Row" o "Ballad Of A Thin Man" quedaron grabadas en la historia del rock y son consideradas como las mejores canciones jamás escritas, sobre todo la primera, la mejor mezcla de folk, rock y poesía.

"Like a Rolling Stone", escuchada o al menos reconocida por millones de personas, es una canción, o mejor dicho una historia escrita originalmente en 20 páginas, la cual fue resumida en un hermoso poema cantado en 6 minutos. Esta pieza nos cuenta la historia del debacle de una mujer que lo tuvo todo y luego lo perdió, el autor en enfatiza su pérdida gritádole "How does it feel, to be on your own, with no direction home, a complete unknown, like a rolling stone". El primer verso nos explica lo que ella era y cómo fue que comenzó a decaer, en los versos siguientes Dylan destruye la imagen de la mujer mostrándonos la miseria en la que vive, sin hogar y sin nadie en quien depender, pero en el verso final se muestra una pequeña esperanza cuando dice "When you got nothing, you got nothing to lose, You're invincible now, you got no secrets to conceal", un final simplemente hermoso. Esta canción fue reconocida por la revista Rolling Stone como la mejor canción de todos los tiempos por transformar las convenciones artísticas de su tiempo.

"Ballad Of A Thin Man", con su predominante piano, habla de un hombre llamado Mr. Jones, un erudito que cree que lo sabe todo, pero en realidad no se da cuenta de lo que pasa a su alrededor, la letra dice "You know that something is happening here but you don't know what it is" mostrando así la ignorancia del hombre ante los grandes sucesos que ocurrían en su época (a mediados de los sesentas a puertas de una revolución cultural).

La canción epónima "Highway 61 Revisited" es una mezcla de temas y críticas exaltantes, habla desde la religión, pasando por las negativas del capitalismo, hasta el incesto, cantado con un ritmo muy pegajoso.

Por último "Desolation Row", considerada una de las canciones más ambiciosas de Dylan en cuanto a poética se refiere, con mas de 11 minutos de duración, tomó influencia en libros (como por ejemplo "Cenicienta" y "El Este del Edén" de John Steinbeck), pero sobre todo habla del génesis de la biblia, hablando sobre Caín y Abel, y sobre Noé. Este es el único tema del disco que no lleva una guitarra eléctrica. La canción lleva ese nombre en memoria a un linchamineto de unos negros dueños de un circo en el pueblo donde Dylan creció, fueron acusados de violación y condenados sin ser procesados, en la primera estrofa de la canción se habla de este circo. Esta canción toma como referencia a la tensión racial que se vivía en los Estados Unidos, una admirable muestra del talento de Dylan como cantautor.

Todas las canciones del álbum están maravillosamente escritas, cada una tiene cierto tipo de energía que engancha al que la oye, "Tombstone Blues" y su letra surreal y sus solos de guitarra, "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry", un Folk-Blues-Rock hermosamente construído con letras desgarradoras, "From A Buick 6", con su compás de blues que provoca bailarlo, etc. Podría nombrar a todas porque TODAS son excelentes, el álbum es expectacular en su totalidad, el mismisimo Bob Dylan dijo: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía". Esta época fue la de mayor inspiración de Dylan, y este momento seguiría varios años después con otra obra maestra, el "Blonde on Blonde", la cual compite con el "Highway 61" entre los críticos y fanáticos para ser el mejor álbum de Bob Dylan.

Lista de canciones:

1. Like a Rolling Stone – 6:13

2. Tombstone Blues – 5:58

3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry – 4:09

4. From a Buick 6 – 3:19

5. Ballad of a Thin Man – 5:58

6. Queen Jane Approximately – 5:31

7. Highway 61 Revisited – 3:30

8. Just Like Tom Thumb's Blues – 5:31

9. Desolation Row - 11:21

"Desolation Row": tal vez la mejor del disco...

"In The Aeroplane Over The Sea" de Neutral Milk Hotel (1998)

2010-12-12T11:38:00.014-05:00

Capaz uno de los discos más infravalorados de la historia, no por ser pasado por alto por la gente que lo haya escuchado, sino por su poca difusión. Creo que si no fuera por internet, nunca lo hubiese descubierto, con un poco de investigación y relación con otros discos del género, "In The Aeroplane Over the Sea" llegó a mis manos (bueno, no físicamente porque me lo bajé), y me pareció un brutal fuera-de-época, una de esas joyas que no guarda relación con lo que hayas escuchado antes, eso fe Neutral Milk...

El disco es simplemente hermoso, por momentos sencillo y por otros muy complejo, este no deja de ser una de las pocos discos de los 90's que yo podría clasificar como obra maestra. Pocas personas lo conocen (es más solo conozco a una persona que lo ha escuchado) y estas personas que desconocen de la existencia de este disco no saben de lo que se pierden. Su sonido folkie repleto de guitarras acústicas y de un sin número de instrumentos de viento hacen que este álbum sea único musicalmente hablando.

Neutral Milk Hotel basó este, su segundo y último disco, en la vida de Anne Frank y en sí en los cientos de familias judías que murieron durante la segunda guerra mundial, canciones como "Ghost", "Holland, 1945", "Oh Comely" dan tributo a Anne Frank y su trágico destino.

Vayamos ahora con los temas, las tres partes de"King Of Carrot Flowers" compuesta en los dos primeros temas del disco, dominados por guitarras acústicas con marcados acordes, los temas son tranquilos pero la letra nos cuenta con cierta ironía una infancia caótica donde el personaje principal no se daba cuenta de sus problemas, por un lado hermosamente canta: "And this is the room one afternoon I knew I could love you / And from above you how I sank into your soul / Into that secret place where no one dares to go". Y en la siguiente estrofa: "Your mom would drink until she was no longer speaking / And dad would dream of all the different ways to die / Each one a little more than he could dare to try".

La homónima "In The Aeroplane Over The Sea" trata sobre un joven que sabe que algún día morirá y simplemente no le importa y solo quiere vivir este momento. En este tema también domina la guitarra acústica pero hay momentos donde entran trombones y tubas.

"Two-Headed Boy", una de las mejores del disco, es un tema que explora la sexualidad en tiempos de adolescencia, la voz del vocalista Jeff Mangum llega a tonos tan altos que se distorsiona (cosa que a algunos puede parecer desagradable pero a mi me resulta muy bueno). Se nota que la voz no es profesional, hasta puede ser tildada de sucia, pero eso le da el toque diferente y personal a la banda, un toque muy particular e inconfundible.

"Holland, 1945", el único single del disco, aquí ya se usa una guitarra eléctrica distorsionada, el tema es poderoso y tiene unas geniales entradas de trompetas y un gran coro. La canción se puede considerar dentro del género noise-pop, muy influenciado por My Bloody Valentine.

"Oh Comely", de ocho minutos, es una hermosa canción acústica que explora temas como la muerte , la autodestrucción y finalmente la salvación, una oda a la memoria de Anne Frank, muy simple pero bonita.

Finalmente quiero señalar que este es uno de los mejores discos de los noventas , lo escuche hace casi dos años y en su momento no pude dejar de escucharlo. Lo recomiendo mucho a los que estén interesados en la música indie, no los va a defraudar. Como dije antes, las obras maestras absolutas de la pasada decada se pueden contar con los dedos, este es uno de esos discos.

Lista de canciones:

1. The King of Carrot Flowers Pt. One – 2:00

2. The King of Carrot Flowers Pts. Two & Three – 3:06

3. In the Aeroplane over the Sea – 3:22

4. Two-Headed Boy – 4:26

5. The Fool – 1:53

6. Holland, 1945 – 3:12

7. Communist Daughter – 1:57

8. Oh Comely – 8:18

9. Ghost – 4:08

10. Untitled – 2:16

11. Two Headed Boy Pt. Two – 5:13

John Lennon: La leyenda a 30 años de su muerte

2010-12-08T12:05:00.007-05:00

A veces me pregunto si es que John Lennon estuviese vivo, ¿el mundo sería mejor?... La paz que emanaba, esa aura increíble que muchos confunden con hippismo descarado, ese hombre vestido de blanco junto a su amada e inseparable pareja, echados en esa cama igual de blanca donde hacían el amor todos los días. John Lennon, al final de sus días, era más un activista que un músico, al punto que fue investigado por el FBI por ser considerado un presunto espía soviético (para que vean que la paranoia existía en los Estados Unidos mucho antes de WikiLeaks).

Pero centrándonos más en la pregunta del comienzo, la respuesta es simple y llanamente 'NO'. Lennon pudo haber sido el Dalai Lama de occidente, pero más que un hombre de paz y amor, era un hombre de música. Ese arte que el interpretaba tan bien desde los años 50, cuando empezó a inspirarse en Elvis y The Shadows para crear un sonido diferente, radical y juvenil.

Luego llegó la beatlemanía, los increíbles tiempos de experimentación a fines de los 60 y una impecable carrera solista interrumpida violentamente el 8 de diciembre de 1980 en la puerta de su departamento de Nueva York.

Hoy Lennon es considerado un héroe musical y social de nuestro tiempo. Sin embargo, ese calificativo fue totalmente rechazado por el artista en una entrevista que realizó para la revista Rolling Stone, días antes de su muerte: "No me interesa ser una mierda de héroe muerto… olvídalo", fueron las palabras del beatle el cinco de diciembre, tres días antes. No obstante procuremos que esa frase no se cumpla, Lennon podrá ser un héroe pero nunca morirá.

* No voy a poner 'Imagine' o 'Woman' porque van a haber cientos de blogs y páginas que las van a poner, el tema que elegím es "God", un tema nada religioso que va más a la creencia de uno mismo y de su pareja.

Woody Allen, ese delgado-neurótico-judío/ateo-maestro del cine... y de la música

2010-12-01T21:20:00.006-05:00

Hoy, 1 de diciembre del 2010, se cumplen 75 años del nacimiento de Allan Stewart Königsberg, más conocido como Woody Allen, director de cine, escritor, actor, dramaturgo, músico, neurótico/paranoico, pero sobre todo, un maestro que dejó plasmado su legado en cintas de 35 mm. uno de los directores más influyentes de los últimos 50 años.

Allen ha participado hasta la fecha en 60 películas, de las cuales ha dirigido 46, un número increíblemente alto, pero que es comprensible, ya que desde 1992 ha dirigido por lo menos una película por año (y, según él, lo seguirá haciendo).

Filmes muy personales que prácticamente retratan su vida y sus principales intereses: las mujeres, las relaciones, las infidelidades, la muerte, la religión judía, Manhattan, el cine, el jazz, el psicoanálisis y el sexo. Aunque también toma influencias de otros grandes maestros del cine como Ingmar Bergman, Federico Fellini y Groucho Marx.

Sin embargo, una de las tantas pasiones de Woody es la música, fanático acérrimo del jazz, es un prodigioso clarinetista que toca seguidamente en pubs y hoteles de su querida Manhattan. Ocasionalmente acude junto a su banda a festivales internacionales de jazz. Su estilo es más pegado al clásico jazz de Nueva Orleans, el dixieland de Jelly Roll Morton, que luego sería reivindicado por Louis Armstrong en los años 40.

A veces me pongo a pensar que tremenda agrupación pudo haber sido si Woody se hubiese dedicado a full a la música en lugar del cine. No importa, la banda es impecable y lo suyo en verdad es el séptimo arte y no el cuarto, aquí un video de una de sus tocadas:

Mejores discos del 2006: Lo mejor de la década (Parte VII)

2010-11-18T20:02:00.003-05:00

El 2006 fue el año de reencuentros con viejas figuras de la música, desde Bob Dylan hasta Morrissey lanzaron sus respectivas producciones con notables cambios de sonido que, para bien o para mal, dieron mucho que hablar en los medios especializados y fanáticos en general. En esta lista tendremos, como de costumbre, discos menos conocidos que en las listas top que vemos comúnmente rondando en la internet y revistas de música, con el propósito de no caer en lo habitual y dar un poco más de cabida a discos que en verdad valen la pena ser escuchados. Folk, metal sinfónico, garage rock, algo de country revival y un monstruoso disco triple que devoró las cabezas de todos sus contrincantes es lo que encontraremos en la lista de mejores discos del 2006:

10. "10 000 Days" de Tool: Luego de cinco años de ausencia, Tool lanza "10 000 Days", su cuarto álbum de estudio, un trabajo que sigue la linea de su antecesor "Lateralus" y explora profundamente el mundo del metal progresivo, género en el que ya están inmersos en su totalidad gracias a este disco. Por más heavy y musicalmente superior a muchas bandas de este año, el disco no supera al "Lateralus", Temas como Rossetta Stone, Vicarius o The Pot son de los mejor del disco: fuertes guitarras y efectos sonoros que solamente Tool sabría darnos. Un álbum que igualmente debe estar en la colección de todo amante del metal.

9. "Ringleader Of The Tormentors" de Morrissey: Octavo disco de estudio del ídolo de multitudes de los ochenta, en esta producción Morrissey nos ofrece uno de los discos más rockeros y modernos que haya hecho. El mismo cantautor atribuye este hecho a la incorporación del nuevo guitarrista Jesse Tobias, un músico mucho más inclinado al rock alterntivo. La influencia, sin embargo, no cambia el estilo purista de Morrissey, su voz sigue siendo impecable y las letras de los temas son igual de poéticas como siempre, y en esta ocasión el cantante se inspira en Roma y sus atractivos, los cual es menciona con cierta frecuencia en sus letras.

8. "Black Holes & Revelations" de Muse: Esta banda ya se ha convertido en una de las comunes en estas listas, y aunque a muchos no les parezca, a mí si me gusta mucho su estilo, aunque para este, su cuarto disco de estudio, el cambio musical comienza a florecer. El disco introduce sonidos espaciales con ayuda de guitarras distorsionadas y sintetizadores. a veces parece que escuchamos un soundtrack de una película de ciencia ficción en lugar de un disco rock. No estoy diciendo que por ello el disco sea malo, pero en realidad es más bajo que las dos anteriores producciones de la agrupación. Sin embargo, la experimentación siempre sera bienvenida, para bien o para mal, este fue un paso adelante para la banda.

7. "Butcher's Ballroom" de Diablo Swing Orchestra: Esta banda sueca de avant-garde metal dio que hablar en el 2006 no solo por su trabajada música que contempla un prominente uso del cello, sino también por su típica historia. Según sus integrantes, los antepasados de estos formaron una banda a inicios del siglo XVI, y debido a su gran virtuosismo y apego a la gente, la iglesia los catalogó de traidores y devotos del diablo, la banda fue perseguida y tuvo que refugiarse por varios años, antes de ser capturados cada uno de sus miembros escribió una carta dirigida a sus descendientes 500 años después para que estos honren a la banda y prosigan con el trabajo de sus ancestros. La historia no tiene un sustento histórica pero crea un aura de misticismo a esta prodigiosa banda metalera que además combina el funk, el jazz y el rock progresivo.

6. "Stati Di Immaginazione" de Premiata Forneria Marconi (PFM): Una de las bandas más impresionantes de los setenta, perteneciente al amplio universo del rock progresivo italiano, Premiata Forneria Marconi (conocida también como PFM) tal vez sea la banda más importante de esta corriente de virtuosísimos músicos del mediterráneo. Al pasar casi desapercibida por varios años, PFM volvió con fuerza con esta, su decimocuarta producción de estudio que, a diferencia de sus otros lanzamientos, el disco se deslindaría de sus pares por ser completamente instrumental. Una oda de prodigiosa instrumentación con el genial Franco Mussida en guiitarra y Franz Di Cioccio en batería, los únicos integrantes que siguen en PFM desde su creación.

5. "Ys" de Joanna Newsom: Un disco folk con arreglos sinfónicos y una voz única e inconfundible. Joanna Newsom podría ser la Joan Baez del siglo XXI, solo que no canta canciones de protesta y en lugar de guitarra tiene un arpa, un hermoso instrumento que la acompaña a lo largo de los cinco largos temas de este disco. Y ustedes dirán: ¿sólo cinco temas?. Sí, es solo eso, pero basta y sobra para mostrar el virtuosismo de Newsom en su instrumento y en las letras de sus temas, de por sí muy maduras y nunca pecan de soberbias. El estilo de Newsom es muy personal, aunque la primera vez que la escuche me parecía Björk cantando temas de Scott Walker con cortes sinfónicos, me terminé dando cuenta que es un estilo tan único que se deslinda de todo lo antes escuchado.

4. "Amputechture" de The Mars Volta: Otra banda que ya se hace habitual en las listas top. El tercer disco de estudio del dúo Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala sigue teniendo un sonido 'crimsoniano' similar a su anterior producción "Frances The Mute", ese metal progre con toques experimentales y combinación de sonidos como el jazz, la salsa y, por supuesto, el rock duro. La gran diferencia de este disco con los dos anteriores es que las letras de las canciones ya narran temas concretos (historias o situaciones 'x') y a pesar de que la temática de las canciones no tienen relación una con la otra, estas se ven conectadas por su fuerza musical, una atmósfera que sólo Mars Volta es capaz de crear.

3. "Modern Times" de Bob Dylan: El maestro de maestros que para esa fecha nos deleitaba con innumerables bootlegs (que hasta la fecha sigue lanzando), dejó a miles boquiabiertos con este disco, una renovación musical muy inspirada en Johnny Cash. Este disco supone el final de una trilogía de discos exitosos de Dylan tras el "Time Out Of Mind" y el "Love And Theft", aunque en esta oportunidad el folk/rockero adoptaría con más fuerza géneros como el country y el rockabilly. El disco llegó a ser número uno en Estados Unidos, Dylan no había logrado esto desde 1976 con su disco "Desire", y con 65 años de edad se convirtió en el artista más longevo en alcanzar un número uno en las listas de más vendidos.

2. "Wolfmother" de Wolfmother: Aunque parezca mucho, no es Led Zeppelin, este trio australiano reivindico el hard rock setentero a su máxima expresión: poderosos riffs, solos de guitarra, percusión aplastante y una voz precisa para este tipo de música. Wolfmother lanzó temas pegajosos pero buenos, a veces los podíamos escuchar en discotecas, la música era una reinvención y un tributo a los setentas, y con ello la banda encontró lo que Jack White estaba buscando hace tiempo, la enérgia y el poder de una verdadera banda hard rock. Wolfmother hizo lo que quiso con este disco, barrió con todas las demás bandas rock del año y no tuvo nada que envidiar a nadie... excepto, tal vez, a nuestro puesto número uno.

1. "Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards" de Tom Waits: Este monstruoso disco en realidad me asustó cuando se lanzó en aquel 2006, año en que recién ingresaba a la universidad y tenía Waits como uno de los artistas más subterráneos y anti-todo de la música. Se le dio por hacer blues y música de cantina en los 70 cuando todos agarraban una guitarra eléctrica, se le dio por hacer música experimental con instrumentación ecléctica en los 80 cuando todos agarraban el sintetizador, y por último se le ocurrió hacer un maldito disco triple en la pasada década para cagarnos más el cerebro. "Orphans" y sus tres discos titulados Brawlers, Bawlers y Bastards reune temas nuevos y antiguos de Waits (para ser más precisos 24 rarezas y 30 nuevos), temas descartados u olvidados por el cantante de la voz grave, y por ello él los califica como "huérfanos". La extraña pero inteligente percusión de la que ya nos tenía acostumbrados desde su disco "Bone Machine" sigue presente, su voz sigue tan grave como siempre la hemos querido, y la música en momentos nos hace sentir vivaces y en otros nos da simplemente pavor. Un disco que te puede hacer revolver las entrañas como si fuese una montaña rusa, una obra maestra de nuestro tiempo.

Rolling Stones de vuelta al vinilo

2010-11-16T23:23:00.000-05:00

Sólo la muerte podrá separar a la histórica banda rock por excelencia, y es que desde 1962, cuando lanzaron su primer disco, "England's Newest Hitmakers", hasta el día de hoy, no han dejado de producir música y lanzar discos por doquier.
Luego de que la discografía de John Lennon se remasterizó por el 30 aniversario de su muerte, ahora es el turno de los Rolling Stones, aunque ninguno de ellos ha muerto (y para muchas personas nunca van a morir) los fanáticos han quedado estupefactos con la noticia.
Según Universal Music, este 23 de noviembre sale al mercado dos box-sets que contienen gran parte de la discografía de la banda, el dato curioso es que estos discos no están en formato digital, sino en el clásico y nostálgico formato de vinilo.
El primero "The Rolling Stones 1964-1969 Vinyl Box Set" incluye discos de la primera etapa de su carrera, donde comenzaron a tocar blues y experimentaron con el rock gracias al ex líder de la banda, Brian Jones. La caja contiene en total 13 discos: The Rolling Stones (EP), The Rolling Stones (LP), Five by Five (EP), The Rolling Stones N° 2, Out Of Our Heads, Aftermath, Big Hits (High Tide and Green Grass), Between the Buttons, Their Satanic Majesties Request (¡discazo!), Beggars Banquet (¡mejor que el anterior¡), Through the Past, Darkly (Big Hits, Vol. 2), Let It Bleed (mejor me quedo callado... ¡discazo!) y Metamorphosis.
La segunda caja titulada "The Rolling Stones 1975-2000 Vinyl Box Set" recoge el resto de su amplia discografía, esta comprende la etapa sin Brian Jones y del protagonismo de Mick Jagger, donde hubo grandes discos pero también grandes bajones. El box set contiene 14 vinilos, los cuales son: Sticky Fingers, Goats Head Soup, It’s Only Rock and Roll, Black And Blue, Some Girls, Emotional Rescue, Tattoo You, Undercover, Dirty Work, Steel Wheels, Voodoo Lounge, Bridges To Babylon, A Bigger Bang y Exile On Main Street (los últimos cuatro son discos dobles).

Los fanáticos coleccionistas tendrán que ahorrar para poder escuchar a los Stones en su formato mono original, y es que, a decir verdad, lo clásico suena mucho mejor.

"Rubber Soul" de The Beatles (1965)

2010-10-30T18:36:00.005-05:00

Con una marcada influencia de la música de Bob Dylan y The Byrds, el cuarteto de Liverpool lanzaría éste, su sexto álbum de estudio, a fines del 65 con un sonido mucho más elaborado que el original efectuado en sus primeros discos. Una producción musical muy importante en la historia de la música rock.

Las innovaciones que presenta el disco hacen que éste sea el primer quiebre musical de los Beatles en cuanto a la producción de sus canciones. Se nota claramente la diferencia entre éste álbum y sus predecesores, las letras de las canciones, principalmente creadas por Lennon y McCartney, ya no son temas románticos y anticuados, esta vez se centran más en el abandono, la soledad y la critica a la mujer (sin llegar al sexismo, claro). Harrison, por su parte, innovó en la instrumentación de las canciones, utilizando por ejemplo la sitara en "Norwegian Wood". Ringo Starr también utilizó otros instrumentos como maracas o la pandereta. "Drive My Car" usa unas progresiones jazzisticas empleadas por McCartney, que a su vez canta con voz ronca, muy característica de él. Aunque pueda decirse que no hay mucha diferencia entre este tema en relacion con los de otros discos, ya que siguen con la influencia musical de las bandas de rock and roll, éste sigue siendo un muy buen tema del cuarteto con un excelente coro. "Norwegian Wood" hermosos tema acústico acompañado por una sitara tocada por George Harrison, conformando un innolvidable riff. Éste fue el primer tema de los tantos que usarían los Beatles en compañia de instrumentos orientales. En este tema se nota los nuevos horizontes a los que apuntaba la banda que se verían en su totalidad en sus consiguientes álbumes.

"Nowhere Man", de la cual se puede decir que es el primer tema de reacción de los Beatles. La letra nos habla de un hombre que no tiene voz ni voto y se sume en la nada. La voz armónica de Lennon (que en el comienzo canta a capella), los suaves acordes de guitarra de Harrison y los coros de McCartney, sostienen a la cancióncomo una de las mejores producidas del disco.

"What Goes On" con una marcada influencia folk-rock, se puede apreciar la huella que The Byrds dejó en la banda. Y no hay que olvidar cómo Harrison mejoró con su gran solo de guitarra en este tema (y digo 'gran' porque antes de Hendrix eso era un solo maravilloso, aunque ahora se considere algo simple).

"In My Life", que cuenta con George Martin en el órgano (a mi parecer el quinto beatle) que, a decir verdad, lo toca con gran virtuosismo. Esta es una de las mejores composiciones de éste disco, o mejor dicho de la banda en general. En su letra, cantada con nostalgia, Lennon y McCartney recuerdan su niñez en su natal Liverpool y cómo sus vidas han cambiado. Ésta se puede resumir en las primeras lineas del tema: “There are places I remember, all my life though some have changed / Some forever not for better, some have gone and some remain”

Concluyo diciendo que éste es uno de los discos más importantes en la historia del rock, y que (a mi parecer) junto con el "Highway 61 Revisited" de Bob Dylan y "My Generation" de The Who (todos de 1965), fueron los tres pilares del rock moderno tal y como lo conocemos ahora. Los dotes de experimentación y el perfeccionismo en la instrumentación que muestra el "Rubber Soul" eran totalmente innovadores en su época. Pronto estas innovaciones serían ampliadas en su siguientes álbumes: el genial "Revolver", y el perfecto "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", los cuales veremos de seguro más adelante.

Lista de canciones:

1. Drive My Car - 2:30

2. Norwegian Wood (This Bird Has Flown) - 2:05

3. You Won't See Me - 3:22

4. Nowhere Man - 2:44

5. Think For Yourself - 2:18

6. The Word - 2:41

7. Michelle - 2:40

8. What Goes On - 2:50

9. Girl - 2:33

10. I'm Looking Through You - 2:27

11. In My Life - 2:28

12. Wait - 2:16

13. If I Needed Someone - 2:23

14. Run For Your Life - 2:18

Smashing Pumpkins en Lima: Las calabazas vienen a nuestra casa

2010-10-09T23:22:00.006-05:00

Cuando escuche la noticia que los Pumpkins venían casi me voy en pedo: ¡Estaré en primera fila! - me dije a mi mismo. Que una banda de este calibre venga era uno de mis sueños en cuanto a bandas noventeras (ahora sólo falta Radiohead y Pearl Jam), pero en realidad Smashing Pumpkins para mí representa casi todos los recuerdos de cuando estaba en secundaria y el cómo la escuche por primera vez es una de las historias más inverosímiles que me han podido suceder, y por el hecho de ser una historia algo larga le dedicaré un post muy pronto, y es que precisamente este post está dedicado al que para mí es el mejor disco de la banda y al que espero le dediquen más protagonismo este 25 de noviembre. Aunque el único integrante original de la banda que viene es Billy Corgan, para mí ya está pagadísimo, Corgan 'ES' Smashing Pumpkins, los demás pueden ir y venir, pero el genio de la pelada rockera es el único que importa ¡Los Pumpkins vienen señores, y no hay que perdérselo!

Mellon Collie & The Infinite Sadness

La primera vez que escuche este disco me dije a mi mismo: "¡¿Donde demonios ha estado este álbum para no haberlo escuchado antes?!". Y es que fue una de las mejores cosas que hubiese podido ecuchar, me abrió los ojos hacia tantos otros tipos de música, y es sin duda uno de esos discos que cambió mi vida (tal vez sea el que más la cambió).

Los Pumpkins rozan la perfección debido a la extensa mezcla de influencias que tiene el disco, nunca antes había escuchado una producción que abarque tantos estilos musicales (tal vez sea por el hecho de ser doble), llega a los extremos del heavy metal -en el caso de canciones como "Zero" o "X.Y.U."-, el soft rock -"Thirty-Three" o "By Starlight"-, electronica -"Love" o "1979", etc.

Después de una gira de más de un año promocionando su anterior disco, el "Siamese Dream", Billy Corgan y compañía habían opacado sus conflictos y por fin congeniaban gratamente; la grabación para un nuevo disco era apta.

Las primeras grabaciones se hicieron en un estudio de ensayo y no en un estudio discográfico, de allí salieron más de 50 canciones, las cuales un 90% fueron escritas por Billy y tan solo 28 fueron elegidas para ser puestas en el disco doble, que finalmente tendría una duración de dos horas. Todos los temas fueron tocados con guitarras y bajo entonados con medio tono menos, lo cual según Corgan le daba un sonido más fuerte a todas las grabaciones.

Corgann quería que este sea un álbum conceptual y se propuso en llamarlo el "The Wall para la generación X", el disco finalmente no llegó a ser considerado como un álbum concepto, pero aún así está repleto de temas excelentes y muy bien trabajados que demuestran la gran ambición de la banda. Hacer un disco doble requiere mucha inspiración y agallas porque, a fin de cuentas, la banda depende en su totalidad del éxito del disco debido al gran presupuesto que se requiere para hacerlo (ya han habido muchas bandas que se han roto debido al fracaso de una megaproducción).
Entre los mejores temas tenemos a "Tonight, Tonight", que viene después de la introducción de piano de la epónima "Mellon Collie...", el tema fue grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Chicago y se tocaron hasta 30 guitarras acústcas para darle el sonido que el perfeccionista de Corgan deseaba. EL tema es característico por sus arreglos de violines y violas y por su hermosa letra.
"Bullet With Butterfly Wings" es el primer single del disco y una de las canciones más enérgicas del álbum, con un estupendo solo de guitarra y con su apocalíptica letra de que "el mundo es un vampiro enviado a succionar", es una demostración de cómo la visión de los Pumpkins cambia en su totalidad dejando la tan odiada clasificación (por ellos) de banda grunge-alternativa para convertirse en una banda madura que se adhiere a todos y a ningún género.

"1979", tal vez la más famosa de todas debido a su hermosa letra y sonido que mezcla sintetizadores y guitarras en perfecta armonía. Una de las canciones más bellas que se hayan hecho, Corgan y compañía recuerdan con nostalgia los tiempos de adolescencia e invita a los oyentes a participar en dichos recuerdos. Un claro ejemplo de esas canciones que nos llevan a lugares que rememoramos con melancolía.

Canciones como "Zero", "X.Y.U." o "Bodies" representan la clara influencia del metal en la banda, canciones bien fuertes con grandes performances en la guitarra y sobre todo en la batería por Jimmy Chamberlin.

Por otro lado canciones como "Galapogos", "To Forgive" o "Thirty Three" son bellas melodías muy calmadas y pasivas con grandes letras y arreglos musicales precisos, si nos ponemos a escuchar estas canciones con tranquilidad podemos ver lo bien trabajadas que están (todo esto gracias al incansable perfeccionismo de Corgan).

"Muzzle", "Here Is No Why" o "Beautiful" están entre ambos extremos, estas canciones a mi parecer son las más puras del genero Smashing post Siamese Dream (y pre Adore). Son canciones más noventeras y muy propia de la banda, aquí la genialidad de Billy con el virtuosismo de Chamberlin y el buen acompañamiento de D'arcy y James Iha hacen que estás canciones sean las más personales de la banda así como las más apreciadas por ellos mismos.

Por último pero no menos importante los temas "Porcelina of The Vast Oceans" y "Thru The Eyes Of Ruby" recalcan la influencia del rock progresivo, la primera con un crescendo hasta llegar a la explosión y grandes quiebres para abrir los estribillos; la segunda que, al igual que el tema "Soma" de su anterior álbum, fue doblada con al menos 50 arreglos de guitarra, un tema complejísimo, pero sin dudas maravilloso.

Antes del punto final quiero señalar que este disco es considerado para mi como el mejor álbum de los 90's, (tal vez su competencia más directa sea el "O.K. Computer" de Radiohead, pero aún así creo que pierde por una amplia brecha), el trabajo de la banda es impecable y la gran variedad de estilos que se pueden descubrir en el disco en inimaginable. Uno de los discos más ambiciosos que hayan hecho, un fuera de época que demuestra la genialidad de sus integrantes. Esperemos que el próximo 25 de noviembre Billy nos sorprenda de igual manera.

Lista de canciones:
CD 1 ("Dawn to Dusk"):
1. Mellon Collie and the Infinite Sadness – 2:52
2. Tonight, Tonight – 4:14
3. Jellybelly – 3:01
4. Zero – 2:41
5. Here Is No Why – 3:45
6. Bullet with Butterfly Wings – 4:18
7. To Forgive – 4:17
8. Fuck You (An Ode to No One) – 4:51
9. Love – 4:21
10. Cupid de Locke – 2:50
11. Galapogos – 4:47
12. Muzzle – 3:44
13. Porcelina of the Vast Oceans – 9:21
14. Take Me Down – 2:52

CD 2 ("Twilight to Starlight"):
1. Where Boys Fear to Tread – 4:22
2. Bodies – 4:12
3. Thirty-Three – 4:10
4. In the Arms of Sleep – 4:12
5. 1979 – 4:25
6. Tales of a Scorched Earth – 3:46
7. Thru the Eyes of Ruby – 7:38
8. Stumbleine – 2:54
9. X.Y.U. – 7:07
10. We Only Come Out at Night – 4:05
11. Beautiful – 4:18
12. Lily (My One and Only) – 3:31
13. By Starlight – 4:48
14. Farewell and Goodnight – 4:22

"Tonight, Tonight" tocada en 1996, la primera canción que escuché de la banda.

Concierto en Monterrey, México. Así de cerca quisiera estar, miren el calor de la gente, simplemente increíble.

Mejores discos del 2005: Lo mejor de la década (Parte VI)

2010-09-25T16:43:00.265-05:00

El 2005 fue en la década pasada el año más metalero de todos, de la siguiente lista 5 discos y medio pertenecen a diversos géneros hijos del metal. Sin embargo, un disco indie vino por lo bajo y se llevó los aplausos de todos sus oyentes, una de las obras maestras de la década que silenció a las estridentes guitarras y contundentes baterías. Ese disco fue........ no, no te lo voy a arruinar checa la lista y me dices qué te parece:

10. "Takk..." de Sigur Rós: Bueno, comenzamos con algo que no tiene mucho que ver con el metal pero que siempre tiene que estar en una liste de mejores discos (a mi parecer), aunque de este álbum salió el tema más famoso de la banda. la célebre "Hoppipolla", al escucharlo noté que no se compara a el "Agaetis Byrjun" o el "( )". Pero sigue teniendo esa atmósfera minimalista y delicada de la banda, el disco tal vez no sea el mejor que hayan hecho pero sigue siendo bueno. A diferencia de su antecesor "(Paréntesis)", la letra de las canciones ya es cantada en islandés, aunque hay algunos versos cantados en 'hopenlándico'. A ver si tienes la oreja para diferenciarlo.

9. "Octavarium" de Dream Theater: Siguiendo con el metal progre me siento obligado a hablar de los reyes de este género, Dream Theater y su épico Octavarium, rindieron un tributo a las bandas progresivas setenteras. Este disco tiene un aspecto muy especial a diferencia de otros trabajos de la banda, y es que desde este disco en adelante el teclado tiene un protagonismo más que evidente, el mago Jordan Ruddess sorprendió de gran manera con sus solos y diversos teclados que tocó para este disco. Sin duda la mejor canción del disco es la homóloga 'Octavarium' de 24 minutos, en ella podemos apreciar las influencias de bandas como Yes, Pink Floyd, ELP, Genesis, etc. un temazo para no olvidar.

8. "Deadwing" de Porcupine Tree: El octavo disco de estudio del maestro Steven Wilson y sus secuaces, esta vez adapta un guión cinematográfico escrito por él mismo y crea esta álbum conceptual que narra una historia de fantasmas... más loco ese cojudo. Lo malo del disco es que le tocó la misma suerte que el "Obscured By Clouds" de Pink Floyd: Ser lanzado entre dos obras maestras. El disco es buenisimo, no hay duda, pero al igual que el "Takk..." se queda chico frente a otros lanzamientos de la banda y más aún por estar entre "In Absentia" y el "Fear of the Blank Planet". Lo único que hay que hacer es escucharlo detenidamente, sigue teniendo la fuerza característica de Porcupine y ese metal hard-rockero progre que me gusta.

7. "Alligator" de The National: Tercer disco de una de las mejores bandas indies de la década y que hasta ahora sigue siéndolo a pesar de pasar injustamente desapercibida desde su creación en el año 99. La música de The National no es más elaborada o más light que las demás bandas indie contemporáneas a ese año, pero lo que la hace diferente es su propio estilo: la banda parece tener la furia de una agrupación garage rock (ya que el mensaje de su música transmite eso), pero el disfraz se deja de lado al escuchar la instrumentación de una clásica banda indie. En realidad no sé si me dejo entender y es porque escuchar a The National me trasmite eso y es difícil describirlo en palabras, así que les dejo interpretarlo a ustedes mismos.

6. "At The Mountains Of Madness" de Electric Masada: Sé que no va al caso poner un disco en vivo en este tipo de listas pero John Zorn me rompió el cerebro con esta obra y para mí es indispensable ponerlo aquí (aparte de ya hacerlo más conocido). Electric Masada nace en los años 90's hijo del proyecto Masada de John Zorn (saxofonista y compositor estadounidense), y a diferencia de su progenitor Electric Masada es, como dice su nombre, más eléctrico, ecléctico y bullicioso, aunque todos los temas que se tocan los toma prestados de Masada y los transforma de acuerdo a los requisitos de la banda. Este es un disco doble de conciertos en Moscú y Liubiana, la calidad es increíble, uno de los mejores o sino el mejor disco en vivo de la década.

5. "Feels" de Animal Collective: Al igual que el año pasado, Animal Collective vuelve a sorprender con su electrónica experimental orientada al pop, "Feels" es el sexto disco de estudio del cuarteto experimental y se asemeja mucho a su antecesor "Sung Tongs", pero la gran diferencia es que en "Feels" los sonidos y tonos guitarrescos son acompañados con un piano totalmente disonante y atonal, lo cual le da una aura mucho más fresca a la banda, pero que no deja de ser agradable al oído. Para este lanzamiento la banda contó con Kristin Valtysdottir, cantautora islandesa (sí, del mismo país de Björk y Sigur Ros) quien toca el piano desentonado (a propósito) en todos los temas.

4. "Ghost Reveries" de Opeth: Octavo disco de estudio de la banda sueca de death metal por excelencia hoy en día. En esta ocasión Mikael Akerfeldt decide volver un poco a sus raíces más metaleras, sin embargo, mantiene en cierta medida la atmósfera progre que mostró en el anterior disco de la banda, "Damnation". En principio el álbum estaba planteado a ser un disco conceptual al encadenar los temas y narrar la historia del tormento que vive un hombre después de matar a su madre (una historia dostoievskana puesta al límite, ¿no les parece?). Finalmente el concepto no se pudo concretar al 100 %, ya que Akerfeldt decidió poner el tema "Isolation Years" al final del disco, una canción que, a pesar de ser buena, no tenía relación alguna con la historia que se narraba. Pero en fin, si dejamos de lado la lírica y nos enfocamos más en la música en sí, nos vamos a llevar una grata sorpresa.

3. "Second Life Syndrome" de Riverside: Riverside es una banda polaca de metal progresivo liderada por Mariusz Duda, una de las figuras más importantes del rock en Europa del este. "Second Life..." es el segundo lanzamiento de estudio de la banda y la música que Duda y compañía interpretan se asemeja mucho a Opeth, en cuanto al estilo metal; a Pink Floyd, en cuanto a lo progresivo; y a Tool en cuanto a lo experimental y ecléctico, sin alejarse en lo absoluto de un estilo propio que caracteriza de manera singular a la banda. La sugerente portada del disco y la música, que en momentos es dura y en otros es suave e instrumental, le rinden un tributo a todas esas agrupaciones que han sido y siguen siendo una gran influencia para esta impresionante banda de los recónditos lugares de Europa.

2. "Frances The Mute" de The Mars Volta: Tengo serias dudas sobrew cuál es el mejor disco de The Mars Volta, y es que entre el primer y el segundo disco (del que estamos hablando ahora) existen grandes diferencias y similitudes, pero mantienen esa increíble fuerza y poder que Omar Rodríguez y Cedric Bixler le ponen con todo empeño. "Frances The Mute" es simplemente un discazo, la instrumentación, los cambios de ritmo entre rock, salsa, jazz, electrónica, y hasta la letra (cantada a veces en español y otras veces en inglés) rebazan las expectativas de los fanáticos del rock duro experimental. Temas como 'The Widow', 'L'Via L'Viaquez' o el interminable tema 'Cassandra Gemini' (partida en ocho partes), hacen de este uno de los mejores discos de 2005, y no es el mejor debido a un lanzamiento que dejó a muchos boquiabiertos a pesar de no formar parte del género metal, este disco fue...

1. "Illinoise" de Sufjan Stevens: Simplemente hermoso, este cantautor estadounidense dejó silenciadas las guitarras metaleras con armonías y arreglos orquestales de cuerdas, vientos y voces. Tal vez piensen que estoy equivocado y se molesten al ver una lista casi repleta de bandas metal excepto en el primer lugar, pero este disco me llegó en un momento muy singular y le tengo un gran aprecio (como digo varias veces estas listas son a mi modesto parecer). El g{enero de este disco es difícil de designar, tiene marcadas influencias folk y mantiene claras sus raíces indie, sin olvidar su inspiración en la música docta. "Illinoise" es un disco conceptual que habla precisamente del estado del país del norte y le rinde tributo a sus temas pintorescos. Los títulos de las canciones son en su mayoría muy largos como para que alguien se acuerde de ellos, sin embargo los temas son pegajosos y hacen que este pequeño problema se olvide rápidamente. Las influencias que Sufjan Stevens demuestra a través de toda la producción del disco va desde los neoclasicistas Rachmaninov y Stravinsky, hasta los maestros del folk Neil Young y Nick Drake. Además de las guitarras acústicas y los teclados, los violines, violas, cellos, trompetas, saxos y un hermoso coro, terminan por completar la instrumentación del disco, muy bien producido y muy bien pensado. Uno de los mejores de la década.

Serú Girán.... y nada más

2010-09-11T17:12:00.003-05:00

El cuarteto completo en todas sus formas del rock argentino nació para extrañeza de muchos en Brasil, después de estar un largo tiempo de vacaciones en la península de Buzios, en una cabaña a orillas del mar. Ahí fue donde nacieron la mayor parte de las ideas de este, su primer disco.

Charly García había puesto fin a su antigua banda La Máquina de hacer Pájaros, y junto a David Lebón (guitarra), Gustavo Farrugia (batería) y José Luis Fernandez (bajo) había conformado una nueva banda. Antes de marchar a Brasil, Fernández se despedía viajando a Los Ángeles y Farrugia abandonaría la banda dejando solos a García y Lebón. Fue entonces que Charly llamó a Oscar Moro, amigo y ex-baterista de "La Máquina..." y poco después a Pedro Aznar, quien a sus 19 años ya formaba parte de una mega-banda, un prodigio del bajo que había demostrado sus cualidades a la temprna edad de 15 años.

Para la grabación del primer disco se incluyó una orquesta de 24 músicos, dándole así un estilo más sinfonico y progresivo a la música y, por otra parte, la introducción del moog por parte de Charly, estos dos "instrumentos" por así llamarlos, estarían presentes en prácticamente todas las canciones del disco.

Pero a pesar de la gran producción del álbum su debut no fue el más grato, el primer concierto de la banda fue tildado de pomposo y arrogante, las críticas destrozaron a la banda y por ende muchos de sus conciertos fueron cancelados. Tal vez la negativa reacción del público con el tremendamente esperado regreso de García fue por la complejidad de la música, algo que no se había escuchado antes en latinoamérica, era notorio que los miembros de la banda habían abierto sus mentes a nuevos sonidos y estilos, y apuntaban a revolucionar la música rock argentina.

Canciones como "Eiti Leda" ("Nena" en los tiempos de Sui Generis) o la epónima "Serú Girán", son muestras de la ambición de la banda. Contando con la dicha orquesta de 24 músicos, le da un aire sinfónico a la banda. Por ejemplo en "Eiti Leda" se junta la orquesta con los instrumentos eléctricos de la banda la canción se alarga más para inducir a solos de guitarra y moog.

"Autos, Jets, Aviones, Barcos" muestra una clara influencia de la música brasileña, muy movida y vivaz, utilizando candombe, jazz-rock y sonidos caribeños, la letra contrasta con la alegría de la música teniendo como temática el exilio en los tiempos de la dictadura de Videla.

"Seminare" para muchos la mejor del dico junto a "Eiti Leda" una hermosa canción de amor comenzando con el "Quiero ver, quiero entrar" mostrando el deseo del hombre hacia la mujer y lo incomprensibles que pueden llegar a ser estas: "te doy Dios, quieres más". La canción termina con las recordadas teclas de moog de un isnpiradísimo Charly.

"Voy a Mil" y "Cosmigonón" cierran el álbum con un toque más rockero, la primera, super enérgica con su buen riff de entrada y una increíble combinación de Charly en el moog, Aznar en el bajo, Lebón en las voces y la siempre presente orquesta. La segunda ya asemejada al rock metal, es una muestra de la habilidad de Lebón en la guitarra haciendo un solo de guitarra de puros "tappings" (técnica que Eddie Van Halen estaba haciendo mundialmente popular en ese mismo año) acompañado por Charly en el sintetizador.

A pesar del rechazo del público Serú tomaría luego las riendas para llegar a convertirse en la banda lider de su tiempo. En sus próximas producciones ya no usarían orquestas y las construcciones musicales serían más simples (cosa que, personalmente, no me agradó del todo y por ello prefiero éste disco en comparación a los demás, pero tengo que aceptar que igualmente crearon temas inolvidables en sus siguientes producciones). Por medio de esto, la banda poco a poco fue aceptada hasta llegar a convertirse en uno de los pilares de la música rock argentina y siendo considerada por muchos como la mejor banda de todas.

Como punto aparte los raros nombres de las canciones se traducen según Charly García de esta forma: Serú Girán = todo y nada al cual uno se dirige para salirse de todo, Eiti Leda = Coca-Cola (Charly era adicto a esta bebida), Cosmigonón = Cosmos; asimismo en la canción "Serú Girán" se nombran otras palabras: Guisofanía = mundo paterno, Narcisolón = Narciso, Luminería = Lugar iluminado, Liran Marino y Liran Ivino = era los perros de Zoca (bailarina en ese entonces enamorada de Charly) [Gracias a http://pianoblogarcia.blogspot.com/ por las traducciones].

Lista de canciones:

1. Eiti Leda - 7:01

2. El Mendigo en el Andén - 3:47

3. Separata - 1:36

4. Autos, Jets, Aviones, Barcos - 4:12

5. Serú Girán - 7:35

6. Seminare - 3:32

7. Voy a Mil - 3:07

8. Cosmigonón - 1:31

* Esta es la versión de Eiti Leda cantada por Sui Generis en el "Adios Sui Generis" el 5 de setiembre de 1975.

"The Spirit Of Eden" de Talk Talk (1988)

2010-08-22T22:57:00.005-05:00

Tras una larga y reconocida carrera inmersos en el género new wave y synthpop, Talk Talk tomaría un giro de 180 grados y sorprenderia (y en algunos casos defraudaría) a sus miles de fanáticos. Mark Hollis, lider multinstrumentalista de la banda siempre estuvo interesado en los sonidos minimalistas, o mejor dicho en el silencio, la mínima cantidad de instrumentación, pero que a la vez es precisa y goza de perfección.

Hastiado de los sonidos eléctronicos y despreciando totalmente el uso del sintetizador, Hollis y compañía emprendieron lo que llegaría a ser un disco pionero del género post-rock, la experimentación y cambio más radical que tendría cualquier banda new wave en toda la historia. Se optaron por sonidos orgánicos y no electrónicos combinando así rock, jazz, música clásica, minimalismo y la emergente música ambiental. Ante tal combinación de géneros muchos de los críticos que alabaron el álbum bautizaron a este nuevo estilo musical con el nombre de "post-rock", genero que con el paso de los años sería uno de los más poderosos en la música no comercial.

Debido al gran éxito de su anterior disco "The Colour Of Spring" y la gran cantidad de ventas que tuvo dicha producción, la banda tuvo presupuesto suficiente para grabar un disco "diferente", dejaron de lado los sintetizadores y en lugar de depender de rápidos y repetitivos arreglos o construcciones se optaron por largas horas de improvisación que la banda aprovechaba al máximo.

La productora del disco, EMI, dejó una total libertad y tiempo de grabación a la banda, si embargo el tiro salió por la culata. El disco no fue nada comercial, por más que los críticos endiosaron el álbum, los fanáticos no respondieron de manera positiva, las ventas decayeron precipitadamente y al parecer eso no le importaba a los miembros de la banda , quienes optaron también por no hacer ninguna gira para promocionar el disco. Lo más gracioso del tema es que EMI demandó a la banda por hacer "un disco poco comercial", caso que terminó siendo rechazado.

EMI tenía razón en decir que el disco es poco comercial, pero ¿quién dice que lo poco comercial es malo?, de por sí la atmósfera que construye Talk Talk es tan fuerte y tan relajante a la vez, repleto de temas caracterizados por su volatilidad e intensidad, explora temas tal vez demasiado profundos que solo pueden ser entendidos por medio de la música y no de la letra.

"The Rainbow" donde predomina el silencio con pequeñas entradas de saxofón llega a una pequeña explosión donde se conjugan la guitarra eléctrica de Tim Fiese-Greene y la tranquila voz de Hollis, este al igual que cas todos los temas se caracterizan por sus largos silencios y su gran atmósfera, la base de arreglos de jazz y las explosiones que tiene para iniciar los coros.

"I Believe In You" fue el único single lanzado por la banda (por obligación de la productora), su letra rebaza lo espiritual y la genial música apoya este concepto, los hermosos arreglos y acordes que se tocan cada diez segundos que a pesar de su poca instrumentación goza de perfección.

En verdad no podría destacar más canciones porque todas tienen una fuerte intensidad, muy característica del post-rock. Sus prolongados silencios, su base jazzistica, su influencia ambiental, su poderosa atmósfera y hasta su poca accesibiliad al público en general hacen de este disco uno de los más personales que puedan existir. Un disco que se adelantó a su época y abrió un gran camino a muchas bandas de los noventas y de hoy. Una obra maestra posmoderna.

Lista de canciones;

1. The Rainbow - 8:02

2. Eden - 7:39

3. Desire - 7:17

4. Inheritance - 5:24

5. I Believe In You - 6:16

6. Wealth - 6:44

Mejores discos del 2004: Lo mejor de la década (Parte V)

2010-07-20T20:41:00.003-05:00

En el 2004 la música que daba la hora era cada vez más abstracta ya que seguir los pasos de lo que hizo The Strokes en 2001 resultaba tedioso y monótono, bandas como Franz Ferdinand, Razorlight y The Killers lanzaron sus discos este año con un sonido armonioso y radial escuchable para cualquier ser humano promedio, pero para hablar más en serio, este blog no fue creado para hablar (o escribir) sobre bandas que a la "mayoría" le gusta, ¿qué de nuevo hubo en estas bandas musicalmente hablando?, es algo que las personas que escuchan esto nunca me han podido responder... en fin, son bandas ok pero no se me erizan los pelos al escucharlas. Hablemos de lo que en verdad valió la pena, el 2004 era el año de "Smile", el disco que Brian Wilson nos hizo esperar casi 40 años y que se perfilaba (sin siquiera haber sido escuchado) como el disco de la década (por no decir del milenio), sin embargo la sorpresa no fue tan grande y hubo un par de discos que le dieron vuelta y sorprendieron por su naturalidad y originalidad, discos extraños, discos duros, discos experimentales, eso fue lo que marcaron a los mejores discos del 2004:

10. "K.A. (Kohntarkosz Anteria)" de Magma: Ya hemos hablado de esta banda y su jazz/rock progresivo en idioma kobaiano, sino sabes qué mierda estoy hablando mejor da click aquí. Sigamos, después de decenas de material inédito lanzado por la banda, Christian Vander y compañía por fin grabaron algo fresco después de 20 años (aunque en realidad K.A. fue compuesta por Vander entre el 73 y el 74, ya que es la precuela del disco "Kohntarkosz" de 1974, PERO BUENO... creo que los confundo más). K.A. forma parte de una trilogía llamada el "Ciclo Kohntarkosz" como ya dijimos, esta es la primera parte, en 1974 se lanzó la segunda, y el año pasado se completó la historia que narra la búsqueda espiritual de dos hombres para entender a las fuerzas que trabajan en el universo y de esta forma alcanzar la inmortalidad... una roca, sin duda alguna. Aún así la música sigue siendo fiel al Zeuhl después de tantos años y la historia es mucho más profunda de lo que parece (en verdad cuesta descifrarla ya que está cantada en un idioma artificial, pero vamos a darle con fe para ver cómo termina).

9. "...Of Natural History" de Sleepytime Gorilla Museum: Literalmente "Sleepytime Gorilla Museum of Natural History", disco que despertó mucho interés en la escena del rock experimental mezclando música docta, rock industrial y art rock. Este virtuoso quinteto multinstrumentalista debe su nombre a artistas dadaístas y futuristas de la década de 1910 que abrieron un "museo del futuro" con el mismo nombre que la banda tomaría 80 años después. Una cosa curiosa de la banda es que sus integrantes utilizan instrumentos creados por ellos mismos para reproducir sonidos cada vez más ambiguos. Sleepytime.. (o abreviando: SGM) además de ser una banda muy dadá y rendir tributo a los artistas experimentales de inicios del siglo XX, recoge influencias de los trabajos de Mike Patton, y la música ecléctica de Gentle Giant y Univers Zéro, vale la pena hechar una oreja.

8. "A Ghost Is Born" de Wilco: Después del discazo "Yankee Hotel Foxtrot", Wilco lanza su quinto álbum de estudio intentando superar o al menos equiparar el éxito obtenido dos años atras, para algunos es mejor y para otros no tiene la originalidad de su predecesor, la verdd es que es un buen disco pero es una simple secuela del Yankee Hotel, lo único que puede llegar a diferenciar a ambos es la prominencia de la guitarra. Jeff Tweedy, vocalista de la banda, se convirtió en la primera guitarra tras la partida de Jay Bennett. Tweedy decidió crear solos para varias de las canciones y no simples acompañamientos. También podremos encontrar un tema de 15 minutos (algo raro en este tipo de bandas) titulada "Less Than You Think", donde cada miembro de la banda crea sonidos (o ruidos) utilizando un sintetizador.

7. "Rubber Factory" de The Black Keys: Black Keys es un duo indie que toca un blues muy peculiar acomodado a nuestra época, algo más fuerte que el blues clásico de fines de los 50's. Este fue el tercer disco de estudio de la pequeña banda y gracias a este ganaron popularidad y una gran aceptación del público llegando a ser teloneros de bandas como Pearl Jam y Radiohead (que en verdad para una banda cualquiera es un honor). Sin embargo, dejaron de ser segundones e hicieron una gran gira ese año, la cual terminó transformándose en su primer disco en vivo un año después. Los singles del disco "10 A.M. Automatic", "'Til I Get My Way" y "Girl Is On My Mind" fueron rotundos éxitos llegando a ser utilizados en varias películas.

6. "Sung Tongs" de Animal Collective: Retomamos otra vez el rock experimental, pero esta vez con una agrupación más pop. Animal Collective es considerada una de las bandas más originales de la última década a pesar de no ser una agrupación totalmente formada, en ella participan Panda Bear, Avey Tare, Deakin y Geologist, seudónimos, por supuesto, de estos cuatro integrantes que se conocieron en la escuela formando Animal Collective, las canciones de la banda son más que todo contribuciones de los integrantes por separado o (rara vez) agrupados. Por ejemplo en este disco sólo participan Panda Bear y Avey Tare en toda la producción. En el disco el duo experimenta con el folk, y se utiliza la guitarra acústica y los sonidos tribales con mayor prominencia, olvidándose de la guitarra eléctrica por completo.

5. "The Human Equation" de Ayreon: Ayreon no es estrictamente una banda, es más bien un experimento musical de Arjen Lucassen. Este compositor holandés compone la música y canta todos los temas de Ayreon junto a músicos invitados para cada uno de sus álbumes, se podría decir que él es el único integrante permanente de la banda. El estilo de Ayreon es un metal progresivo, aunque existen varios temas que toman aportes del folk, la electrónica y la música docta. Para este, su sexto disco de estudio, Lucassen es acompañado por James LaBrie (vocalista de Dream Theater), Mikael Akerfeldt (vocalista y guitarrista de Opeth), Devin Townsend (¿para qué pongo paréntesis?), entre otros, para crear este disco conceptual donde se narran los 20 días de un hombre en coma divididos en 20 temas, cada uno de ellos narra de cierta manera sus emociones y las confrontaciones entre ellas creando así un ambiente donde la locura está muy presente.

4. "Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus" de Nick Cave & The Black Seeds: Si buscamos a una persona entre Tom Waits y Leonard Cohen podremos encontrar a Nick Cave, este reconocidísimo cantautor que comenzó su carrera a inicios de los 70's, pero se junto recién con las 'semillas negras' a mediados de los 80's, marcando una temática entre la violencia, lo urbano y lo erótico, como si Charles Bukowski formara una banda en lugar de escribir. Cave y su banda sorprendieron a muchos con este disco doble donde no prima un estilo musical concreto, en este lanzamiento podemos encontrar desde post-punk hasta blues moderno en el primer disco y música con flautas y órganos en el segundo. Una exquisitez musical que nos regala el maestro Cave.

3. "Smile" de Brian Wilson: Este fue el disco más esperado de todos los tiempos, desde 1966, año en que Brian Wilson comenzó a trabajar en el proyecto con su antigua banda, los legendarios Beach Boys. Lamentablemente la idea nunca se pudo concretar por las limitadas mentes creativas de otros integrantes de la banda. Tras el súper disco "Pet Sounds" (una de las primeras experimentaciones en la historia del rock), Brian Wilson se entusiasmó en continuar dicha recta, pero las desavenencias con algunos miembros de la banda hizo que el proyecto quede en espera, aunque nadie pensó que esperaría 38 años. 2004 era el año y las expectativas fueron muchas. Resultado: el disco es bueno pero en eso se queda, en 'bueno', cuando muchos creyeron que iba a ser maravilloso. Wilson dio lo mejor de sí, pero los años no pasan en vano, no era el mismo chico entusiasmado con hacer nueva música, ya que en 38 años la música ha sufrido más experimentaciones que conejillo de indias. Sin embargo vale la pena escucharlo porque sigue siendo historia.

2. "Medùlla" de Björk: Lo que pensaba hacer Brian Wilson hace 38 años lo hizo Björk, ajustado a nuestra época, claro está. "Medùlla" es hasta la fecha el disco más ambiguo y original de la cantante islandesa, si con el "Vespertine" nos partió la cabeza, con este disco nos la termina de triturar en pedazos. El disco es casi en su totalidad 'a capella' y los sonidos que muchos confunden con instrumentos son construídos con voces humanas, aunque algunas de ellas están modificadas por el uso de sintetizadores. El disco tiene colaboraciones de otros músicos reconocidos por sus originales voces, tales como Mike Patton, Robert Wyatt, Tagaq, etc. El disco llega a ser fascinante al escuchar y descubrir los diversos sonidos que pueden salir de nuestra voz, aunque solo pocos tengan el talento de hacerlo: beatbox, arreglos corales, cantos guturales y mucha más música vocal completan este disco ultra vanguardista.

1. "Funeral" de Arcade Fire: Si hay algo que sorprendió al mundo por su frescura y originaldad fue este numeroso grupo de chicos canadienses multinstrumentalistas, Lo que hace Arcade Fire es un indie rock con un toque personal algo experimental por la cantidad de instrumentos que se pueden escuchar en sus temas. A diferencia de bandas como The Killers o Franz Ferdinand, Arcade fue mucho más allá de lo impartido hace unos años por The Strokes, dejaron de ser una banda más del montón para convertirse en una de las mejores del mundo. Este fue el primer disco de la banda y bastó para superar a todos los demás lanzamientos del año, la música es impecable y notoriamente instrumental donde se pueden apreciar instrumentos como violines, violencellos, mandolinas, ukeleles, acordeones y hasta xilófonos, que ayudaron a crear uno de los discos más trabajados de la década.

"Roxy Music" de Roxy Music (1972)

2010-07-14T20:44:00.002-05:00

El álbum debut de la banda inglesa más extravagante de todas; artística y experimental, fue influenciada por estilos vanguardistas de moda que fueron representados en sus conciertos, música, y el diseño de las portadas de sus álbumes (que siempre tuvieron la presencia de modelos).

La perfecta combinación de Bryan Ferry, vocales y teclados, con Brian Eno, sintetizador, creó una banda centrada en la explotación de instrumentos poco ortodoxos en comparación a lo que se conocía antes como una agrupación de rock básica (guitarra, bajo y batería); los teclados eran primordiales, el saxofón tocado por Andy Mackay que parecía que en sus solos estaba tocando una guitarra eléctrica alocadamente, y por último el sintetizador de Eno, que fue uno de los mayores aportes revolucionarios de la musica de los setentas, un instrumento que en una decada más adelante fue usado por casi todas las bandas de la época.

Tal vez fue Roxy Music la banda que empleó el sintetizador como uno de sus instrumentos principales en la creación de sus piezas musicales, la búsqueda de nuevos sonidos mas allá de los instrumentos convencionales parecía estar en la mira de muchas bandas de inicios de los setentas, The Who y Pink Floyd habían experimentado con este instumento practicamente nuevo, pero fue Roxy Music con Brian Eno quienes le dieron un espacio mas amplio al desenvolvimiento de esta herramienta musical hasta explotarlo al máximo, nadie antes había escuchado sonidos tan raros y pero a la vez armoniosos sin quitarle sentido a la música. En una época en la que el rock progresivo y la experimentación estaban en auge, Roxy Music optó por los nuevos sonidos eléctronicos en lugar de los grandilocuentes sonidos sinfónicos de orquestas con decenas de personas. Para algunas personas este subgénero electronico les resultó grato, para otros les resultó una deformación de la música, afirmando que los nuevos sonidos saturaban y que ya no se podían escuchar los demás, pero esa es la opinión de cada quien.

"Re-Make/Re-Model" es una muestra de lo productivo que puede llegar a ser la combinación instrumentos: los solos de guitarra de Phil Manzanera, el fuerte bajo de Graham Simpson, el alocado saxo de Andy Mackay, los redobles de Paul Thompson, los sonidos de Eno y la personalidad y fuerza de Ferry hacen de esta (para mi) la mejor canción del disco. Al comenzar la canción podemos escuchar a gente hablando, luego Ferry hace una combinación con dos acordes de piano para que luego Thompson haga un redoble de toms y Ferry comience a cantar acompañado de solos de Manzanera y Mackay, luego entra Eno cada vez que se repita el coro "CPL-593H" (placa de un automovil que se menciona en la canción), en medio de la canción hay quiebres para que cada uno de los integrantes tenga un solo con su instrumentos, simplemente increible.

"Ladytron" es la muestra de las grandes facultades del sintetizador, la canción es acaparada por este instrumento, sonidos nuevos que a veces nos hacen acordar a la música de Syd Barett cuando era el lider de Pink Floyd.

Muchas de las canciones del álbum son inspiradas en películas, por ejemplo "2HB" (siglas que significan "To Humphrey Bogart") inspirada en el actor, donde se repite en las estrofas su famosa frase en la película Casablanca: "It's Looking at you kid"; el saxo en esta canción es hermoso. "The Bob" es una canción mas fuerte, inspirada en la película Battle of Britain, este tema tiene un quiebre donde luego se pueden escuchar armas de fuego. "Chance Meeting" también es uno de los temas inspirados en el séptimo arte, fue de la película Brief Encounters de David Lean.

"Virginia Plain" fue el único single del disco, este no fue presentado en el lanzamiento original del álbum, solo después de unos meses se produjo el compacto con esta canción. El tema fue un éxito instantáneo llegando al top 10 en el Reino Unido en poco tiempo. La canción está llena de altos y bajos, la guitarra de Manzanera y el sintetizador de Eno son los instrumentos que gobiernan en los tres minutos de duración del tema.

De todo lo referido lo que más puedo destacar es el gran concepto que tenía Bryan Ferry sobre una banda de rock avocada al arte en todo sentido y el gran aporte e influencía que dejó en el rock de los ochentas; de Brian Eno en cómo logró, mediante la creación de nuevos sonidos, un estilo de música totalmente innovador. Ambos tendrían luego una fructífera carrera como solistas, el primero, siguiendo su concepto de musica artística, y el segundo, experimentando con la música y creando los ya famosos "sonidos ambientales".

Lista de canciones:
1. Re-Make/Re-Model - 5:14
2. Ladytron - 4:26
3. If There Is Something - 6:34

4. Virginia Plain - 2:58
5. 2HB - 4:30
6. The Bob (Medley) - 5:48
7. Chance Meeting - 3:08
8. Would You Believe? - 3:53
9. Sea Breezes - 7:03
10. Bitters End - 2:03

Descarga Rapidshare

"Concierto de Aranjuez" de Joaquín Rodrigo (1939)

2010-06-30T14:32:00.001-05:00

Para muchos (y me incluyo) la composición más hermosa para guitarra clásica y orquesta jamás hecha, y es obvio que la tenía que crear un español. De la lista de esos talentosos músicos ciegos que con increíble vrtuosismo dieron un giro a la música y crearon piezas musicales sin comparación, Joaquín Rodrigo tal vez sea el mejor de ellos.

Escrita a inicios de 1939 (un año muy tenso en España y en Europa entera, ya que terminaba la Guerra Civil española y comenzaba la Segunda Guerra Mundial), esta fue la primera obra de Rodrigo para guitarra y orquesta separada en tres movimientos, en ellos podemos escuchar solos de guitarra que luego van confrontando a la orquesta, como si fuese una batalla entre ambas, sin embargo, la guitarra nunca desaparece en todo lo largo la obra y se reafirma como el instrumento principal.

Segundo Movimiento (Adagio) del Conierto de Aranjuez, el más conocido de los tres:

No tengo la suficiente sensibilidad para describir lo que se siente cuando se escucha esta obra maestra, es simplemente uan genialidad del compositor y los músicos, la melancolía de sus movimientos escritos con tanta pasión, el desgarro de sus notas y una guitarra tan perfecta que no se le puede pedir ni un acorde más ni un acorde menos. Joaquín Rodrigo, sin duda uno de los músicos más influyentes y sublimes del siglo XX que merece ser recordado como tal.

Este concierto ha sido interpretado por varios músicos de renombre como el guitarrista flamenco Paco De Lucía, el clarinetista Jean-Christian Michel y la leyenda del jazz Miles Davis, el cual grabó un disco titulado "Sketches of Spain", donde toca una versión alargada del segundo movimiento.

Musica Docta del Siglo XX: Sé que hay personas que les resulta aburrida la música docta (mal llamada música clásica), pero personalmente pienso que es necesario para toda persona escucharla al menos alguna vez en la vida, les aseguro que se van a llevar una gran sorpresa.

No les estoy pidiendo ir 200 años atras para escuchar Mozart, Beethoven, Strauss o Vivaldi, (eso tal vez les resulte soso y una completa antítesis a lo que se escucha en nuestro tiempo), sino algo algo más reciente y más original, un puente entre lo que se escuchaba y lo que se escucha.

Compositores de inicios del siglo XX como Stravinsky, Bartok, Hindemith y el mismo Rodrigo pertenecieron a la corriente neoclásica que rememoraban a compositores como Haydn o Mozart, pero con un aire musical más fresco y contemporáneo, por otro lado también existieron músicos que combinaban este tipo de música con sonidos electrónicos, tales como Edgar Varèse o Milton Babbitt, y músicos que tomaban influencias del jazz como Maurice Ravel, en fin, músicos que comenzaban a experimentar no sólo con instrumentos, sino también con estilos y géneros musicales totalmente distantes.

Una primera recomendación para aquellos que les interese esta música sería tener una mente abierta para asimilar este amplio género musical, por ello hay que comenzar siempre con algo que nos resulte familiar, por ejemplo los conciertos de Joaquín Rodrigo tienen un instrumento muy popular y de fácil asimilación como la guitarra, los músicos que combinan la electronica también pueden sernos útiles para ayudar a adentrarnos en este tipo de música.

Este post me resulta muy corto para explicar todos los matices y la rica historia de los primeros compositores neoclasicistas, por ello prometo en el futuro dedicar un extenso post dedicado exclusivamente a este género que invadió la escena musical a inicios del siglo XX.

Almendra y el disco que revolucionó al rock sudamericano

2010-06-08T14:33:00.003-05:00

Tan sólo 2 años habían pasado desde la primera revolución del rock en español. Los Gatos, con su líder Litto Nebbia, lanzaron su primer álbum con un nuevo sonido proveniente del norte, muy raro y tal vez prematuro para las personas que no conocían este tipo de música, pero ya era tiempo de que nazcan bandas así.

Junto a Los Gatos en 1967, vino Manal, un poco más bluesera pero con claras influencias de Cream; y junto a estas dos se sumó Almendra, más folk rock pero con algunos arranques hard rock. Éstas tres bandas fueron las precursoras del rock argentino, o mejor dicho del rock sudamericano.

Luis Alberto Spinetta para ese tiempo se perfilaba como uno de los más grandes artistas de la Argentina, músico autodidacta con un gran intelecto respresentado por la poesía lírica de las letras de sus temas. Dichos temas fueron lanzados en 1968 (año en que Manal también lanzaría sus primeras canciones), sus dos primeros singles "Tema Del Pototo / El Mundo Entre Las Manos" y "Hoy Todo El Cielo En La Ciudad / Campos Verdes" fueron un éxito rotundo por el refinado estilo musical y sus hermosas letras. Para 1969 ya contaban con innumerables presentaciones y seguidores en toda la Argentina, por lo cual las modestas y poco avanzadas discográficas de la época ofrecieron a toda costa ofertas para la producción de un álbum, el cual también se convertiría en otro éxito instantáneo que los llevó inmediatamente a la producción de un segundo disco.

No me explayaré demasiado y en esta oportunidad hablaré exclusivamente del primer disco de la banda comenzando con su tema más celebrado. "Muchacha (Ojos De Papel)", un temazo considerado hoy como una de las mejores canciones de rock argentino de todos los tiempos, acompañado por una guitarra acústica, la letra es una de las más hermosas jamás escritas por Spinetta:

"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?
Quédate hasta el alba.
Muchacha pequeños pies, no corras más.
Quédate hasta el alba.
Sueña un sueño despacito entre mis manos
hasta que por la ventana suba el sol.
Muchacha piel de rayón no corras más.
Tu tiempo es hoy".

"Figuración" narra una historia en segunda persona, un llamado directo al personaje (algo muy raro en la letra de una canción, incluso si hablamos de canciones en otros países), el tema es acompañado con una suave flauta y guitarra acústica jugando con pronunciados quiebres.

"Ana No Duerme" y "Color Humano" son temas con influencias hard rock, donde el guitarrista de la banda, Edelmiro Molinari, demuestra su virtuosismo en su instrumento, sobre todo en el larguísimo solo del segundo tema mencionado.

"Que El Viento Borró Tus Manos" es un jazz marcado por los precisos acordes de piano y la hermosa flauta despues de cada estribillo. Este tema nos hace ver las diversas influencias de la banda en cuanto a estilos.

"Laura Va", la entrada de violines que se prolongan hasta el final del tema y la entrada de un acordeón y flauta, muy parecida a la construcción musical del clásico tango argentino, combinada con la hermosa lírica hace de este tema uno de los más celebrados por el público de la época.

Luego de las incontables giras de la banda, ésta terminó separándose por desacuerdos entre los integrantes, cada uno tomaría su rumbo, pero Spinetta sería el que tendría un futuro mucho más fructífero, formando su carrera solista y siendo líder de importantísimas agrupaciones del rock de su país como Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade; de los cuales hablaré en otra ocasión sin lugar a dudas.

Lista de canciones:
01. Muchacha (Ojos De Papel) - 03:07
02. Color Humano - 09:13
03. Figuración - 03:32
04. Ana No Duerme - 02:47
05. Fermín - 03:21
06. Plegaria Para Un Niño Dormido - 04:03
07. A Estos Hombres Tristes - 06:01
08. Que El Viento Borró Tus Manos - 02:38
09. Laura Va - 02:53

En muchas ediciones, el disco viene con los cuatro temas de sus dos primeros singles y otros temas póstumos al álbum, sumando un total de 20 canciones.

Descarga

Mejores discos del 2003: Lo mejor de la década (Parte IV)

2010-05-30T20:09:00.004-05:00

El año 2003 siguió el esquema establecido por el año anterior: discos indie de calidad a más no poder. Nuevas bandas llegaban con impresionantes producciones, sonidos metaleros y alternativos eran los mejor producidos en aquel año, por otro lado, la música continuó experimentando con sonidos fuertes y explosivos, aunque también hubo bandas noventeras que hicieron un gran esfuerzo para poder colocarse en lo que personalmente considero los mejores discos del año 2003:

10. "Think Tank" de Blur: Esta queridísima banda de los 90's dejo de tocar su tradicional brit-pop para mostrarnos su lado más ecléctico y, aunque no lo crean, es un muy buen disco, es cierto que por momentos desconcierta, pero la mezcla de sonidos electrónicos y atmosféricos al puro estilo Sigur Rós pero sin ser minimalistas les cayó como un yunque al coyote. Se nota claramente que la banda ha madurado en la creación de sus temas que, aunque el disco no llega a ser tan comercial o tan enérgico como sus antecesotres, muestra un gran profesionalismo por parte de los integrantes de la banda.

9. "Michigan" de Sufjan Stevens: Sufjan Stevens es un cantautor estadounidense y le dedica este disco al estado que lo vio nacer (nombre del disco), pero aunque parezca tonto en muchas dimensiones este disco es muy bueno en composición. Sufjan es uno de los muy pocos cantautores de calidad en la actualidad, su estilo es una mezcla de indie-folk, y no digo folk-rock porque cuando lo escuché por primera vez me dije a mi mismo que ni cagando esto era como el clásico folk-rock de los años 60's, este disco rebaza de frescura y naturalidad, temas bien simples pero a la vez bien hermosos, lo recomiendo a gente que guste de temas de fácil digerimiento que al fin y al cabo relajan de las mil putas madres.

8. "Choirs In The Eye" de Kayo Dot: Olvidemos por momentos lo que escribí en el puesto nueve porque vamos a pasar a una banda experimental de total vanguardía. Lo que nunca en vida hará Sufjan Stevens lo hizo ese mismo año la numerosa banda Kayo Dot. Cuando leí sobre ellos me vino a la mente Godspeed You!... pero estos chicos no son post-rock, son post-metal. Los cinco temas del disco son un viaje a lo más intenso y denso de la música la última década, pero no deja de impresionarme la instrumentación que, además de los instrumentos clásicos de la música metal, la banda utiliza tubas, clarinetes, cellos, violines, trombones, trompetas y ya me cansé de decirles que más, simplemente denle un oreja a estos 11 músicos apasionados.

7. "Damnation" de Opeth: El sétimo disco de estudio de la banda death-metal-progresiva más apreciada de los últimos años. Este disco en particular se desprende del adjetivo 'death' casi en su totalidad, "Damnation" tal vez sea el disco más suave de la banda, este le rinde un merecido tributo al rock progresivo setentero y aunque hubo muchos escandinavos que no les gusto mucho la idea de aquel cambio de sonido (recordemos que el mainstream en esos países es el metal en cualquiera de sus formas agresivas), la crítica levantó los dos pulgares y la banda se hizo más conocida en el extranjero. En los siguientes discos la banda retomó su sonido característico, pero desde ese entonces con mucha más personas a la expectativa.

6. "Youth & Young Manhood" de Kings Of Leon: Con un sonido que recuerda a Lynyrd Skynyrd, Kings of Leon nos presenta su disco debut con temas pegajosos que sonaron bien en radio y televisión. Fue considerado por muchas revistas y críticos como el mejor disco debut del año. Los hermanos Followill (y el primo guitarrista) comenzaron a abrirse paso como una de las bandas más queridas de la década aunque sus otros discos no distan mucho del sonido del primero. La clave de su éxito en radios es debido a que su música combina el punk, rock alternativo, el sonido hatd rockero de los 70's y la música indie, tan de moda en aquel 2003.

5. "Hail To The Thief" de Radiohead: Al igual que Opeth dejó momentaneamente su clásico estilo death metal, Radiohead dejó también su estilo experimental electrónico que venía produciendo desde el "Kid A" para ofrecernos (sólo por este lanzamiento) una pseudo copilación de todos los estilos en los que la banda estuvo involucrada, hay temas que retoman la época de "The Bends", otros que nos recuerdan al "OK Computer" y otros que son algo más difíciles de digerir. Los singles fueron la mejor elección de la banda, sin duda los mejores temas del disco, "Go To Sleep", "There There" y "2+2=5" hicieron que escuche reescuche los discos de la banda.

4. "Chutes Too Narrow" de The Shins: Con mucha más fuerza guitaresca y una producción que deja chico a su anterior disco "Oh, Inverted World", The Shins se mostraron como una de las bandas indies más profesionales del mercado. Temas como "Fighting in a Sack", "Gone For Good", "So Says I" y "Saint Simon" con su exquisito violín, son los temas que yo elegiría para poner en mi mp3 e ir a caminar por la calle. Pero lo mejor del disco es sin duda el cantante, guitarrista y cerebro de la banda, James Mercer, que entre temas suaves y fuertes y su gran voz nos muestra el alma de la banda.

3. "Absolution" de Muse: Ahora quien no haya escuchado "Time is Running Out" de Muse debe cerrar este blog y nunca más en su vida volver a entrar...... Ok sigamos, el tercer disco de esta banda inglesa resultó ser para muchos como uno de los mejores discos del milenio, además del tema ya mencionado están "Hysteria", "Sing for Absolution", "Stockholm Syndrome" y un huevo de otros buenos temas. Este disco es el más comercial de la banda hasta la fecha y fue gracias a este disco que comencé a escuchar a la banda ¡¡lo pasaban en todas partes!!. El trio británico se hizo archiconocido y los fanáticos no dejaban de emerger en lugares que ni siquiera Bellamy y compañía conocían. Luego de esto la banda se tomaría tres años bajo presión para lanzar otro disco, esta vez pensando más en la música en sí que en sus fanáticos
.

2. "Elephant" de The White Stripes: Ahora si no han escuchado "Seven Nation Army" de The White Stripes mejor mátense. ¿Qué se puede decir de este disco?. Por años lo consideré como el mejor de la década y es que ese punteo de guitarra lo tenia impregnado en mi cerebro y cuando vi el video ya era demasiado. Aunque para mi el "White Blood Cells" ya era demasiado bueno, Jack y Meg White no se conformaron y lanzaron este monstruo rojinegro titulado "Elephant", con un sonido garage-punk-alternativo este fue uno de los discos más vendidos del año. A pesar de los buenos temas del disco, el duo grabo videoclips igual de buenos, una calidad de producción impresionante en ambos aspectos.

1. "De-Loused In The Comatorium" de The Mars Volta: Explosivo, poderoso y delirante tal vez sean los mejores adjetivos para calificar a The Mars Volta y este, su primer disco, es meramente inclasificable para casi todos los que se pongan a escucharlo, una combinacion de hard rock, rock progresivo, hardcore metal, bases de jazz y toques sutiles de salsa son los sonidos que se utilizan a lo largo de todo el disco. Una obra como pocas vistas y es que Omar Rodríguez López y Cedric Bixler se cansaron de su antigua banda, At The Drive-In, y se zambulleron en una agresiva experimentación musical que los colocaron como una de las mejores bandas de los últimos años. Simplemente escuchen el pajazo musical que se metieron estos dos.

"Oddesey & Oracle" de The Zombies (1968)

2010-05-23T23:42:00.002-05:00

"Odessey & Oracle" es uno de esos discos que fueron muy poco valorados en su tiempo pero que vuelven a revivir con el paso de los años, tal vez fue el mismo tiempo el que les jugó una mala pasada, teniendo en cuenta que ser competidores de bandas como los Beatles o The Kinks (para no mencionar a muchas otras), no había un gran mercado para bandas similares, y hablo de similares para aquel 1968.

Un año después del verano del amor, la psicodelia ya era el mainstream y las bandas más populares se introducían en esa nueva corriente. Producciones como el "Sgt. Pepper's..." o el "The Village Green Preservation", discos de las dos bandas citadas anteriormente, representaban claramente la tendencia musical de ese tiempo. Sin embargo no era un rock psicodélico radical como el que se puede apreciar en "The Pîper At The Gates Of Dawn" de Pink Floyd o el disco debut de The 13th Floor Elevators. "Oddesey & Oracle" se podría clasificar tal vez como un pop psicodélico.

Las canciones del disco fueron escritas por el líder y tecladista de la banda Rod Argent y el bajista Chris White. Los temas tienen una hermosa letra y una gran musicalizacion, se puede apreciar, además de los tonos psicodélicos, influencia del soul y el rock sinfónico (en ese tiempo por sus suaves entradas de instrumentos sinfónicos, se le consideraba a ese tipo de música dentro del género pop barroco).

"This Will Be Our Year", "Hung Up On Dreams" y "Changes" representan mejor lo que es pop barroco la instrumentación combina los instrumentos del rock psicodélico y diversos instrumentos sinfónicos como trompetas, flautas y violines. Tal vez una premisa a lo que sería el rock progresivo, claro que mucho más suave y moderado, un proto progresivo, diría yo.

Por otro lado están las canciones más psicodélicas, "Butcher's Tale" usa el mellotron a lo largo de toda la canción, una canción bien experimental ya que se emiten muchos sonidos de organo de tubos (si, esos de iglesia).

Por otro lado esta la archiconocida "Time Of The Season" con sus excelente bajo que marca el ritmo del tema, su gran coro que acompaña la inclasificable voz del vocalista Colin Blustone, y por supuesto el gran solo de piano de Argent. Un temazo que fue recién apreciado dos años después de su creación, cuando los Zombies ya se habían desintegrado, la disquera encargada relanzó el disco y su tema estrella legó al top cinco de los temas más escuchados.

Otro tema que quiero destacar es "Care of Cell 44", con su hermosa letra: "Good morning to you I hope you're feeling better baby / Thinking of me while you are far away / Counting the days until they set you free again / Writing this letter hoping you're okay". El coro apoya otra vez a Blustone a la perfección en esta, sin duda una las mejores canciones del disco.

Gran álbum y a mi apreciación entre los mejores de la era psicodélica, The Zombies dieron su último aliento para la realización de este disco y sin duda fue el mejor. Una banda y un disco que ha pasado desapercibido por mucho tiempo y espero que ahora se le de el debido tiempo y respeto.

Lista de canciones:

1. Care of Cell 44 – 3:56

2. A Rose for Emily – 2:19

3. Maybe After He's Gone – 2:33

4. Beechwood Park – 2:43

5. Brief Candles – 3:30

6. Hung up on a Dream – 3:01

7. Changes – 3:19

8. I Want Her, She Wants Me – 2:51

9. This Will Be Our Year – 2:08

10. Butcher's Tale – 2:47

11. Friends of Mine – 2:17

12. Time of the Season – 3:33

Descargar Disco en Rapidhare